Выберите СВОЙ курс со скидкой 50%

 

Разнообразие белил в живописи

Разнообразие белил в живописи

Обращали внимание, сколько разных видов белил встречается на полках художественных магазинов?

Есть белила титановые, цинковые, есть смесь титановых и цинковых, а есть даже отбеленные и неотбеленные белила. Масляную живопись нельзя представить без использования белой краски, а потому давайте разбираться, что стоит покупать.

Самым распространенным и универсальным видом белил являются титановые. В отличие от цинковых белил они сильнее разбеливают любой пигмент. При высыхании цвет титановых белил становится чуть голубоватым. Цинковые белила имеют чуть желтоватый оттенок, плохо разбеливают любые цвета.

Титановые белила используют, когда нужна густая и плотная краска, а цинковые белила используются тогда, когда нужно написать картину очень тонко, например, натюрморт в стиле малых голландцев, и в таком случае белила добавляются в самом конце.

Белила титановые фирмы «Ладога» более популярны у художников, так как они плотнее, а сама туба больше, чем туба фирмы «Мастер-класс».

Добавляя белила к какому-либо цвету, вы убираете излишнюю насыщенность, темноту, вносите холодную нотку, а также в принципе меняете характер самого цвета.

Если вы еще только начинаете знакомство с масляной живописью, приглашаем вас на бесплатный марафон «Масло с нуля 3.0», который проводит Юлия Капустина
🌀 https://vk.com/app5898182_-195406468#s=1001528

Зелёная ФЦ и её возможности

Зелёная ФЦ и её возможности

В базовом наборе художника совсем необязательно иметь готовые зеленые краски. Единственным исключением может быть зеленая ФЦ, с помощью которой можно смешать дополнительные интересные оттенки. Давайте посмотрим, что мы можем получить на ее основе 👇🏻

1. Малахитовый салатовый — очень нежный цвет, который продается в готовом виде, но можно и смешать из базового набора.
Для этого вам нужна зеленая фц, белила титановые и кадмий желтый средний.

2. Турецкая зеленая — очень красивый оттенок, любимый многими авторами. Это максимально простой цвет, который получается из смеси зеленой фц, белил и небесно-голубой.

3. Турецкая голубая — оттенок, похожий на турецкую зеленую, но более синеватый. Для его получения вам нужны зеленая фц, белила, небесно-голубая, голубая фц.

Знание получения этих оттенков поможет вам сэкономить и не покупать дополнительные тюбики с краской 👌🏻

Мы продолжаем наш открытый марафон «Масло с нуля 3.0» с Юлией Капустиной. Если вы еще не с нами, не поздно присоединиться по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-195406468#s=1001528

Зачем художнику признание

Зачем художнику признание

Творчество помогает выразить внутренний мир и показать свой взгляд на окружающее. Художник стремится делиться, но насколько же при этом важно получить поддержку и поощрение 👏🏻

Люди искусства всегда в сомнениях и страхах. Они очень чутко воспринимают все происходящее, поэтому им так необходимо видеть отклик у зрителя, чувствовать свою значимость. Ведь сколько часов они тратят на обучение и практику порой не сосчитать! После таких трудозатрат естественным желанием будет увидеть отдачу.

Каждая статья о художнике, интервью, передача, приглашение участвовать в творческих мероприятиях — все это по капле наполняет живописца, дарит ощущение нужности. Но очень важно не упустить выпадающие шансы, хвататься за них и использовать, чтобы обрести внутреннюю уверенность.

Конечно, для профессионализма необходимы знания и практика, но без признания вы рискуете чувствовать постоянную неудовлетворенность. Если вы будете фокусироваться только на двух первых элементах, то вы почувствуете себя вечным студентом, который не получает полноценного развития. Отдача стимулирует, чтобы идти и получать дополнительные знания, а потом их вновь отрабатывать на практике.

Художнику важно услышать похвалу, ободряющие слова, продать картину, пусть и за совсем небольшую сумму. Здесь важна не конечная стоимость, а сам факт покупки и признания вас как художника.

Надежда Ильина готова помочь вам получить максимум от живописи, чтобы вы наполнились внутренней мотивацией и осознанием своей уникальности. Приходите на вебинар Надежды 13 октября, участие бесплатное. Регистрируйтесь здесь 🌀 https://vk.com/app5898182_-193376737#s=1015843

На фото работа ученицы Надежды.

Маленький символ удачи

Маленький символ удачи

Во многих культурах божья коровка считается символом удачи. Есть такое старое поверье: если на вас село это насекомое, нужно нашептать ему свое самое заветное желание, и крылатый посланник передаст его на небо. Видимо поэтому во многих странах это насекомое называют «божьим»: коровкой, курочкой, солнышком.

👶 Все мы с вами знаем детский стишок:

Божья коровка,
полети на небко,
там твои детки
кушают конфетки,
всем по одной,
а тебе ни одной.

Интересно, что у стишка есть разные версии, причем не только у нас, но и в других странах. К божьей коровке обращались с вопросами о жизни и смерти, женитьбе, урожае.

🐞 Талисман с изображением божьих коровок всегда приносил удачу. И чем больше было черных пятнышек на спинке этого насекомого, тем сильнее был талисман. Одно пятнышко — божья коровка поможет в любом новом начинании; два пятнышка — символ внутренней и внешней гармонии; три — человек научится быть рассудительным и сможет принимать верные решения; четыре — защита от грабителей и бандитов (талисман с такой божьей коровкой хорошо брать в длительные путешествия); пять — повысит способность к созидательному труду; шесть — поможет в обучении; семь — божественный знак, божья коровка с семью пятнышками принесет своему обладателю удачу во всех делах и счастье.

Мы предлагаем вам написать этот талисман вместе с Надеждой Ильиной. Причем в таком любимом вами стиле гиперреализма 😍

✨ А пока что напишите в комментариях, верите ли вы в то, что нарисованное приближает мечту? Бывало у вас такое: нарисовали, а через какое-то время нарисованное сбылось?

29 сентября будем писать божью коровку на открытом вебинаре. Регистрируйтесь по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=991730

Какие цвета использовать для подсолнухов

Какие цвета использовать для подсолнухов

Самый солнечный цветок, раскрывающий свои листья навстречу солнцу и поворачивающийся в его направлении. Давайте посмотрим, какие цвета можно использовать, чтобы нарисовать этот прекрасный цветок.

1. Для подмалевка можно использовать смесь марса и оранжевого.

2. Для более светлого оттенка нужно добавить в смесь выше охру желтую.

3. Для серединки с семенами прямо поверх получившегося подмалевка положите коричневый.

4. Чтобы изобразить лепестки в тени, используйте смесь охры желтой и желтой светлой.

5. Для лепестков на свету используйтесь желтый светлый с небольшим добавлением желтого темного.

6. Там, где наблюдаем тень, наносим на лепестки желтый темный прямо на холст, чтобы показать свет-тень и придать объем.

7.А на самые светлые участки наносим чистый желтый светлый.

Учитесь писать цветы вместе с нами. Регистрируйтесь на открытый марафон Клумба Party, который проведет Александра Черная и Георгий Харченко
🌀 https://vk.com/app5898182_-172955253#s=998979

Что нужно для появления авторского стиля

Что нужно для появления авторского стиля

Остались считанные дни до старта бесплатного марафона Надежды Ильиной «Моя первая авторская картина». Успейте зарегистрироваться 🌀 https://vk.com/app5898182_-193376737#s=961945
Итак, что необходимо, чтобы появился авторский стиль?

⚡ Во-первых, нужно определиться с темой, которая близка вам. Темы каких художников вам особенно нравятся? Может быть, это сказочная живопись, фантастика, пейзажная живопись, городские пейзажи, женщины и др. Выберите нескольких любимых художников и найдите то общее, что вас привлекает.

⚡ Далее определитесь со стилем: академизм, импрессионизм, малые голландцы и др. Когда вы выбрали стиль, то погружаетесь в его детальное изучение. Что важно именно для этого стиля и как добиться необходимых эффектов.

⚡ Следующий момент — решите, будет ли у вас стилизация картин. Например, усиленный свет на лицах персонажей, как у Виктора Низовцева. Дальше выберите, каким материалом вы будете работать или смесью нескольких материалов: масло, акрил, графика, … После определения материала определите цвета и тона, которые будут преобладать в ваших работах. Как раз в этом вам помогут многочисленные этюды.

Постепенно вы придете к приемам, которые вы для себя выберите опытным путем. Например, использовать ватные палочки для создания работ или прорисовывать волосы с помощью мастихина. Это вы поймете опытным путем с помощью экспериментом и наработок других авторов.

Элементом авторского стиля может быть мазок. Самый яркий пример — закручивающиеся мазки Ван Гога. По любому элементу картины Ван Гога можно определить авторство. Вы тоже можете определить свой мазок. Какой он: короткий, размашистый, квадратный и т.д.

Повторяющиеся элементы, которые художник использует в каждой работе, способствуют узнаваемости. Например, брызги, точки, определенным образом написанное небо. И еще один способ выделиться — это свет и освещение.

К авторскому стилю можно прийти самостоятельно или с помощью профессионала, который увидит, в чем ваша индивидуальность. Собственный стиль становится заметным, когда написано уже несколько картин. Не 2-3, а 10 и более. Поэтому экспериментируйте, ищите себя и обязательно найдете.

Мы ждем на открытом марафоне Надежды Ильиной всех, кто решительно настроен найти авторский стиль. Регистрация на марафон по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-193376737#s=961945

На фото авторская картина ученицы Надежды Юлии Десятовой .

Светотень в рисунке. Что важно знать

Светотень в рисунке. Что важно знать

Светотень — это распределение света и тени на поверхности предмета. Благодаря светотеневым переходам мы видим объемность предметов. Поэтому для художника так важно уметь правильно работать со светотенью.

Итак, освещение может быть естественным и искусственным. При естественном освещении свет рассеянный (например, при освещении, падающем от окна). При искусственном освещении (например, лампа) свет концентрированный. Соответственно, рассеянный и концентрированный свет дают разные светотени.

При концентрированном свете тени и света более четкие. Именно концентрированный свет лучше использовать во время обучения. Рассеянны свет дает плавные переходы тени и света, а потому объем воспринимается не так четко.

Но не только освещенность оказывает влияние на светотень. Большое значение имеет и фактура, так как разные по фактуре предметы по-разному отражают и поглощают свет.

Например, глянцевые поверхности хорошо показывают отражение окружающих предметов, а освещенные и теневые участки не очень отличаются. На глянце всегда яркие блики. В то же время, на глиняной поверхности блики будут не такими яркими, но зато переход от света к тени будет более отчетливым.

Кроме того, есть ряд понятий, которыми художнику стоит владеть, чтобы освоить светотень:

⚡ Тон — это светосила, зависящая от интенсивности освещения.
⚡ Плотность — это темнота тона.
⚡ Блик — самое яркое место на поверхности предмета, которое отражает свет. На глянце блики яркие и четкие, на матовой фактуре — более размытые, а на пористых поверхностях вроде дерева или камня бликов нет.
⚡ Полутон — переход между светом и тенью.
⚡ Собственная тень — затененная часть самого предмета.
⚡ Падающая тень — тень от предмета, которая падает на другие предметы или поверхность.
⚡ Светораздел — самое темное место собственной тени.Резкий светораздел бывает при очень ярком освещении, но вместе с тем стираются светотеневые градации.
⚡ Рефлекс — отраженный свет на предмете от окружающих предметов. Рефлекс выглядит как слабое цветовое пятно в пределах собственной тени предмета.

Всех, кто хочет на практике закрепить эти понятия, обрести уверенность в собственных художественных силах и стать грамотным художником, приглашаем на курс Юлии Капустиной по академическому рисунку 🌀 https://int.jmaslom.com/akadem

На фото работа ученицы Юлии по академическому рисунку.

Понятие академического рисунка и зачем он нужен

Понятие академического рисунка и зачем он нужен

На уроках академического рисунка занимаются в основном изображением различных предметов: кубов, шаров, конусов, бюстов. Причем делается это так, чтобы максимально точно повторить внешний вид, фактуру объекта.

При этом важно соблюдение законов перспективы, грамотная композиция или компоновка элементов на рисунке, корректные пропорции всех предметов, верная передача света, теней, а также фактуры поверхности.

Ученик, который овладел искусством академического рисунка, обладает следующими преимуществами:

⚡ Умеет профессионально изображать предметы с большой точностью.
⚡ Знает техники, особенности графики.
⚡ Знает основы композиции и умеет работать с перспективой.
⚡ Имеет натренированную руку, которой можно передавать изображения высокой сложности.
⚡ Обладает уверенностью в своих силах.

Большинство художников убеждено, что уроки академического рисунка схожи с прописями. Перескакивая этот этап, гораздо труднее прийти к аккуратному и уверенному письму. Во время этих занятий ученик двигается от простой первоосновы к сложным предметам, анализируя каждый из них и перенося на бумагу.

Академический рисунок — это этап в обучении, а не искусство. Останавливаться на нем не нужно, но важно пройти его, чтобы научиться видеть окружающие предметы и переносить их на бумагу с учетом правил и законов.

Если вы понимаете, что вам не хватает академических знаний, вы осознаете их важность и хотите набить руку, с радостью ждем вас на курсе Юлии Капустиной по академическому рисунку. Знакомьтесь с программой курса по ссылке 🌀 https://int.jmaslom.com/akadem

Смешиваем оттенки красного

Смешиваем оттенки красного

Красный относится к основным цветам и из него мы можем получить разные оттенки, чтобы сделать свою картину интереснее. Особенно это актуально сейчас, когда вдоволь можно писать осенние пейзажи. Сохраняйте эту шпаргалку и пользуйтесь ей во время работы над очередным шедевром.

1. Если возьмете 2 части карминовой краски и добавите 1 часть желтого, получится средне-красный оттенок.

2. При смешении классического розового с желтым получится оранжевый.

3. Для получения алого оттенка возьмите 2 части красного и 1 часть желтого. Если добавите желтого с излишком, то получится оранжевый.

4. Если хочется мягкий красный цвет, то обычный красный разбавьте розовым. Именно розовый придает необходимую мягкость этому цвету.

5. Добавив в красный оранжевый цвет, вы получите яркий насыщенный красный.

6. Светлых оттенков красного немного, поскольку с засветлением красный постепенно превращается в розовый. Добавляйте по чуть-чуть белила и следите за тем тоном, который получается.

7. Темно-красный получится при смешении 3 частей красного и 1 части фиолетового.

8. При смешении красного и синего 1:1 получается тусклый фиолетовый. Если же синего добавить меньше, то выйдет бордовый.

9. Для более теплого бордового необходимо смешать 3 части красного и 1 часть зеленого.

10. При смешении красного с коричневым вы можете получать оттенки от темно-красного до темно-бордового.

Научитесь смешивать разные оттенки осени на новом видеокурсе Георгия Харченко «Осенние пейзажи: богатство цвета» https://int.jmaslom.com/landscape

3 правила работы с цветом

3 правила работы с цветом

В зависимости от освещения полностью меняется цветовая палитра всех окружающих нас предметов. В ясную погоду мы видим насыщенные цвета и резкие тени, которые являются синонимом динамики и позитива; в облачные дни тени размываются, и создается ощущение покоя или даже легкой грусти за счет снижения контрастности.

Также собственный цвет предметов зависит от температуры освещения, что влияет на наше впечатление от окружающего пейзажа. Часто начинающие художники обращают внимание только на тональную моделировку формы, изображая в тени предмета тот же цвет, что и на свету, лишь с разницей в тоне. Это серьезная ошибка, потому что цвет всегда меняется. Невозможно нарисовать одним и тем же пигментом и свет, и тень! Чтобы предметы были реалистичны, необходимо помнить следующее:

1.Если освещение теплое, то в тени появляются холодные оттенки, и наоборот, если освещение холодное, в тени появятся теплые оттенки. Например, если мы рисуем при ярком солнечном свете в безоблачный день пейзаж, то в тени могут присутствовать теплые оттенки, так как дневной свет чаще всего бывает белого, голубоватого или лимонного оттенка и считается холодным светом. На восходе и закате солнечный свет, как правило, теплый – ярко желтый или оранжевый, поэтому в тени появляются холодные синеватые и голубоватые оттенки.

2. В тени появляются оттенки противоположные на цветовом спектре локальному цвету предмета. Это простое правило означает, что в собственной тени предмета мы можем увидеть оттенки дополнительного цвета.

Если обратиться к цветовому кругу, то эти пары будут такими: желтый и фиолетовый, зеленый и красный, синий и оранжевый. И промежуточные между ними, соответственно.

3. Освещенный теплым светом предмет, имеющий теплый локальный цвет, на свету становится еще ярче и насыщеннее, а предмет, имеющий холодный локальный цвет, становится ближе к ахроматическому цвету, равному по тону. Предмет, имеющий холодный локальный цвет, становится еще ярче, звонче и насыщеннее.

Эти простые правила позволяют предугадать, какой цвет появится в тени или на свету и правильно подобрать оттенки для смешивания.

Приглашаем вас на волшебный курс Надежды Ильиной «Классический пейзаж: масло+темпера», чтобы вместе написать удивительные пейзажи настоящих гигантов живописи. Подробнее программа курса и варианты участия по ссылке https://clck.ru/QSdze

На фото одна из картин курса.

Мастер лирического пейзажа

Мастер лирического пейзажа

Иван Шульце — талантливый русский художник из семьи обрусевших немцев. Главным в его творчестве стало воспевание красоты природы без людей и животных. Его называли «волшебником света» за практически магический реализм полотен.

Его учителями стали Константин Крыжицкий и Архип Куинджи, которые оказали большое влияние на манеру письма художника. После смерти своих учителей, Иван Шульце продолжил плодотворно трудиться и пришел к авторскому стилю. В 1916 году к живописцу пришло признание. Его скупали сами Романовы и Карл Фаберже. Кроме того, пейзажи Шульце стали массово печатать на открытках, что способствовало узнаванию художника.

В революционный период Иван Шульце надолго уехал в Европу. Он путешествовал и писал пейзажи с видами швейцарских Альп, юга Франции и севера Италии с 1917 по 1919 годы. Художник регулярно участвовал в выставках во Франции, пока жил там. И очень быстро завоевал признание европейской публики.

В 1927 году в Лондоне состоялась выставка, после которой критики стали говорить о сенсации в области классического пейзажа. Это связано с тем, что живописец продемонстрировал новую трактовку пейзажа и тем самым вызвал новый виток интереса к старому жанру.

Вслед за Европой Шульце покорил мир. Прошла выставка в Нью-Йорке, где многие работы автора скупались ценителями искусства и разошлись в личные коллекции по США, Канаде, Аргентине и Мексике.

В Петрограде Иван Шульце присоединился к обществу художников-индивидуалистов, среди которых были Бродский, Вельц, Клевер, Маковский. К сожалению, сейчас в российских музеях сохранилось совсем немного картин этого талантливого живописца.

Но у вас есть отличная возможность написать копии пейзажей Ивана Шульце вместе с Надеждой Ильиной на новом курсе «Классический пейзаж: темпера+масло». Смотрите подробности курса здесь https://clck.ru/QSdze

Экономим: на чем писать тренировочные работы маслом

Экономим: на чем писать тренировочные работы маслом

Масло — желанный материал для многих, но некоторых художников отпугивает дороговизна масляной живописи. Краски, холсты, кисти — все стоит денег. Тем не менее, на материалах можно сэкономить. Сегодня поговорим о том, на чем писать тренировочные работы.

В качестве материалов, заменяющих дерево, можно использовать некоторые производные деревообрабатывающей промышленности. К ним относятся, в первую очередь, оргалит (ДВП) и древесностружечные плиты (ДСП).

✅ Оргалит и ДСП

Оргалит — материал типа картона, но более жесткий, имеет гладкую и фактурную стороны, хорошо обрабатывается столярным инструментом, довольно инертен к перепадам температуры и влажности. Для получения досок больших размеров с тыльной стороны можно использовать деревянную конструкцию типа решетки или «глухой», то есть нераздвижной, подрамник, наклеивая на них «контактным» способом безводным клеем оргалитовые пластины.

Древесностружечная плита тяжелее и толще оргалита. Хорошо обрабатывается, но при использовании ее в качестве основы необходимо учитывать то, что края и углы доски из ДСП легко разрушаются от небольших механических нагрузок, поэтому она должна быть окантована.

Кроме названных основ можно использовать для живописи маслом и темперой другие, непроницаемые для связующего, материалы. В этом случае основа может служить и грунтом, как, например, текстолит или алюминиевые пластины.

Перед началом работы, нанесением грунта или непосредственно живописью необходимо проверить, смачивается ли поверхность доски связующим — маслом или водой. Для этого достаточно потереть смоченным в связующем тампоном небольшой участок основы. Если масло или вода скатываются в шарики, то у краски не будет прочного прилипания к основе. Тогда потребуется дополнительная обработка последней, заключающаяся в обезжиривании поверхности и ее механической обработке.

Приглашаем вас на новый яркий курс Юлии Капустиной «Масло: практикум по смешению ярких красок». Вас ждут удивительно жизнерадостные сюжеты. Подробности по ссылке https://clck.ru/QSdr2

 

 

Как нарисовать ромашку

Как нарисовать ромашку

Простые, но такие душевные цветы, — ромашки. Они являются одним из символов русской природы. Поля ромашек, венки и букеты из них — неизменные атрибуты лета. У них простая форма и цвета, но не всегда легко удается правдоподобно нарисовать ромашку.

Предлагаем вам потренироваться следующим образом:

1. Наметьте овальную серединку цветка.

2. Далее большим овалом наметьте границу лепестков.

3. Отметьте линиями направление лепестков. Помните, что линии слегка изогнуты.

4. Закрасьте серединку и нарисуйте верхний ряд белых лепестков.

5. Затем прорисовывается нижний ряд лепестков. Они более темного цвета из-за тени от верхнего ряда.

6. Детальнее проработайте лепестки. Несмотря на то, что они овальной формы, заканчиваются лепестки мелкими зубчиками. Вдоль самого лепестка идут складочки, которые также нужно выделить цветом.

7. Около серединки лепестки можно затемнить нежно-голубой краской.

8. Что касается середины цветка, то стоит затемнить (темно-желтым цветом) края серединки и самый центр. Можно ее затемнить еще больше с помощью коричневых оттенков.

Мы предлагаем вам создать чудесные летние натюрморты с полевыми цветами вместе с Георгием Харченко на новом курсе «Цвет настроения — лето». Смотрите, какие картины вы напишете под руководством мастера https://clck.ru/QGgwc

 

Преимущества темперы и особенности хранения

Преимущества темперы и особенности хранения

Вы когда-нибудь писали темперой? Расскажите, пожалуйста, о своем опыте: понравилось вам или нет, какие достоинства и недостатки темперы вы отметили?

Сегодня мы хотим поговорить о преимуществах темперы перед другими красками. Дополняйте список своими наблюдениями👍🏻

1. Краски легко и плотно ложатся, обеспечивая равномерное покрытие, четкую детализацию.

2. Их можно использовать для разных поверхностей.

3. Предоставляют широкие возможности письма в разных техниках.

4. Разнообразие эмульсий позволяет еще более расширить возможности художника.

5. Не трескаются со временем.

6. Сохраняют цвет и оттенки столетиями, не изменяясь (некоторые виды эмульсии требуют дополнительного лакирования для долговечности).

7. Темпера включает яркие насыщенные цвета, удобные и интересные в творчестве.

Темпера представляет собой по консистенции густую однородную смесь. Она не расслаивается, не загустевает чрезмерно и не имеет запаха. Если вы открыли тюбик и заметили какой-то из этих признаков, значит, краска хранилась неправильно или низкого качества. Использовать ее нельзя.

Помните, что темперу нельзя перегревать или замораживать, оставлять под открытыми солнечными лучами. Хранить ее нужно при комнатной температуре.

⚡ Мы предлагаем вам написать фрагмент картины Ивана Шульце вместе с Надеждой Ильиной с помощью смешанной техники: темпера + масло. Регистрируйтесь на открытый вебинар по ссылке https://vk.com/app5898182_-135180102#s=944658

Преимущества масляной живописи

Преимущества масляной живописи

Мы обожаем масляную живопись. И вы, конечно, тоже. Давайте набросаем преимущества масляной живописи 😉 Пишите свои дополнения в комментариях.

1. Масляные краски легко смешать и получить любой задуманный оттенок, ведь они медленно сохнут.

2. Можно вносить в картину поправки и изменения.

3. После полного высыхания не меняют свой цвет.

4. Художник может допускать ошибки, потому что краску можно легко снять с холста при помощи мастихина, не навредив полотну.

5. В плане обучения и рабочего процесса это самый легкий вид живописи, и даже начинающий художник со скромным талантом и профессиональными навыками сможет написать картину маслом.

6. Картины маслом всегда ценились и будут цениться очень дорого благодаря своей долговечности. Такие работы не изменят свой внешний вид и останутся прежними даже через сотни лет.

7. Масляные краски позволяют писать как за один прием, так и растягивать работу на долгое время, что позволяет подробно прорабатывать детали.

8. Для масляной живописи подходит любая жесткая или полужесткая основа с минимальной поглощающей способностью: холст, дерево (оргалит, ДВП, фанера), картон, плотная бумага, стена. Основа должна быть загрунтована.

9. Картины маслом не требуют тщательного ухода. Картины по всей поверхности покрываются лаковым покрытием, предохраняющим от воздействия пыли, влаги.

10. Масляная живопись способна отразить красоту окружающего мира, в её бесконечном количестве вариантов. Поэтому маслом пишут живописные работы самых разных жанров. В этой технике пишут батальные исторические полотна и нежные цветочные натюрморты. В каждом из жанров масло проявляет себя по-разному.

Мы воспользуемся всеми плюсами масляной живописи и дополним ее темперой, чтобы написать замечательные работы талантливого художника Ивана Шульце на новом курсе Надежды Ильиной «Классический пейзаж: темпера+масло». Проходите предрегистрацию, чтобы обучаться на лучших условиях https://clck.ru/QGhLg

Основы композиции цветочного натюрморта

Основы композиции цветочного натюрморта

Цветочные натюрморты отличаются по сложности и насыщенности. Можно заполнить картину пышным букетом, украсить стол цветами и ягодами и дополнить фон драпировками, а можно написать отдельный цветок в вазе, и он тоже будет выглядеть эффектно. Все зависит от того, как художник продумал композицию картины.

✅ Есть несколько вариантов составления букета:

1. Симметричная композиция.
В этом случае ось симметрии совпадает с центром картины. Симметрия даёт ощущение стабильности, равновесия, четкой упорядоченности. Такой прием часто виден в картинах старых мастеров.

Чтобы добавить больше стабильности в такой натюрморт, художники строят его по принципу равностороннего треугольника. Вершина треугольника — это цветы, а основание треугольника — ваза и несколько предметов по бокам от нее.

Есть также S-образная схема, когда добавляется элемент асиметрии в симметричную композицию. Надо отметить, что этот прием придает картине движения в отличие от предыдущих двух.

2. Ритм в изображении цветов.

Это значит, что в вазе можно повторять одинаковые по форме и цвету цветы. Например, вы рисуете ромашку в букете, значит, стоит ее повторить еще в нескольких местах. Если сам по себе букет симметричный, то ромашки стоит расположить асиметрично, дабы добавить ритма букету.

Также гармонично воспринимается повторение элементов трех размеров: крупных, средних и мелких. То есть например, вы можете одну ромашку написать крупным планом раскрыто, другую — в виде бутона, а третью — сбоку.

Важно помнить и про дистанцию между цветами, которая не должна быть одинаковой.

3. Асиметричное расположение букета.

Если вы немного сдвинете вазу от центра картины, то сюжет станет более динамичным. Только помните, что в целом нужно будет уравновесить обе стороны, чтобы одна из них не казалась слишком переполненной.

Это можно сделать с помощью самого букета, чьи цветы или ветки склоняются в менее заполненную половину. Также можно в путую часть рядом с вазой положить отдельные элементы натюрморта: цветы, фрукты, ягоды. Роль противовеса может играть сам фон.

Даже без дополнительных ухищрений можно создать равновесие в картине благодаря более ярким элементам в пустующей стороне.

Каждый раз, когда вы решаете написать картину с букетом цветов, помните о том, насколько важно продумать композицию.

Мы предлагаем вам создать чудесные летние натюрморты с полевыми цветами вместе с Георгием Харченко на новом курсе «Цвет настроения — лето». Смотрите, какие картины вы напишете под руководством мастера https://clck.ru/QGgwc

Частая ошибка при написании цветов

Частая ошибка при написании цветов

Цветы способны показать все пробелы в знаниях художника. Удаются ли вам цветы? Или вы испытываете трудности с передачей формы и объема цветов, а также цветочных букетов?

Часто наши ученики замечают, что их цветам не хватает объема. Это происходит из-за неумения работать со светотенью. Вы знаете, что художник всегда анализирует источник света и исходя из этого прописывает на картине наиболее освещенные и затемненные участки. При написании цветов также важно учитывать этот момент и уметь правильно передать свет и тень на лепестках цветов или букете. Благодаря верно расставленным акцентам мы ощущаем форму цветов и видим правильные изгибы. К тому же каждый вид цветка имеет свое строение. Для художника важно понимать структуру цветка, чтобы передать его особенности.

✅ Какой бы цветок вы ни писали, помните, что любое соцветие можно представить простой геометрической формой. Оно может быть в виде сферы, цилиндра или конуса. Поэтому в первую очередь, старайтесь определить геометрическую форму цветка. А уже светотень делает эту форму объемной.

Тени всегда падают под тем же углом, что и свет. Естественный свет выводит на первый план выпуклые части растения и создает тень в пустотах и более удаленных от него частях. Также свет может отражаться от листьев, а потому нижняя сторона цветка может становиться светлее.

Не старайтесь детализировать все. Подчеркивайте только то, что вам важно показать. Если вы чрезмерно будете стараться выписывать фактуру цветка, то опять-таки лишитесь объема.

Приглашаем вас на курс Георгия Харченко «Цвет настроения — лето», на котором вы напишете 3 чудесных летних букета https://clck.ru/QGgwc

Какую пастель купить

Какую пастель купить

Где купить качественный материал?

В хороших художественных магазинах. Например, Красный карандаш, Передвижник, Арт-Квартал, ProArtists. Если таких магазинов нет в вашем городе, некоторые из них осуществляют доставку курьерской службой и почтой России.

Кроме того, есть хороший зарубежный сайт https://www.jacksonsart.com/ru-ru/, на котором большой выбор профессиональных материалов для художников. Единственная оговорка — более длительная доставка.

Если вы готовы начать свое знакомство с пастелью и учиться под руководством профессионального пастелиста, приглашаем вас на курс по экзотическим цветам. Посмотрите, какую интересную программу подготовила для вас Юлия Капустина https://clck.ru/PrPAE

Клеверовская фабрика живописи

Клеверовская фабрика живописи

Продолжим знакомство с талантливым русским художником Юлием Клевером. Часто его называют первым коммерческим художником. К тому же он полностью соответствовал тому, кого называют человеком широкой души.

Клевер зарабатывал легко и много, так же легко все тратил и раздавал знакомым. Способностей к накоплению и преумножению богатств за ним не водилось. Когда деньги заканчивались, ему проще было написать и продать новую картину, чем экономить.

Его отличали легкость, беспечность и жизнерадостность. Не раз он скупал эскизы у начинающих студентов, чтобы помочь им и при этом не ставить в неловкое положение. За это ученики с благодарностью вспоминали своего учителя.

Со временем заказов у Юлия Юльевича стало так много, что он организовал «фабрику» в своей мастерской. Клевер использовал услуги помощников при написании фигур людей, лошадей. Случалось и так, что «подмастерья» писали подмалевки, по которым Юлий Клевер лишь проходил кистью. Кстати, неверно предполагать, будто это такое уж из ряда вон выходящее явление. Подобным делом не брезговал еще Рубенс.

«Клеверки» строились по определенной, выверенной схеме. На первом плане обязательно поражающее своей причудливостью старое дерево, излучина реки или ручей, на втором часто встречается одинокая избушка. Дальний план занимает дымчатая полоска леса с размытым участком горизонта.

Пейзажи Клевера не пустынны. Лодка у берега, следы на снегу, дым, идущий из трубы лачуги. Художник любил вписать в свои композиции и фигурку старика или старушки, медленно бредущих вглубь картины. Время как будто остановилось, замерло. Над суровым зимним покоем, как знак вечности, возвышается желтовато-белое солнце, дающее небу багряное свечение, разливающееся по небу и отражающееся в коре деревьев и глади вод.

Позднее Юлий Клевер стал переосмысливать свое творчество и следующие его пейзажи были наполнены особой любовью к природе и родному краю.

Пейзаж — бессменно популярный жанр, как и натюрморт. Уметь писать пейзаж важно, чтобы овладеть художественным мастерством.

На бесплатном вебинаре с Надеждой Ильиной вы узнаете секреты успеха Юлия Клевера и напишете картину-реплику. Регистрируйтесь на вебинар по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=914865 

На фото картина Ю.Клевера

Рисуем протею пастелью

Рисуем протею пастелью

Цветов много не бывает. Нарисуйте вместе с Юлией Капустиной экзотическую красоту сухой пастелью. Африканская протея — цветок, названный в честь сына Посейдона. Протей — имя древнегреческого бога, который принимал много разных обличий, чтобы люди не могли его найти. Он умел предсказывать будущее, которое хотелось узнать многим, а потому Протей изменял свой облик и был неуловим. Те, кто сумел перехитрить бога-предсказателя, поймать и заставить его сделать предсказание, должны были обладать отвагой и настойчивостью. Протея также означает отвагу на языке цветов.

Это благородный цветок, который был популярен в 19 веке. Его обожают и флористы, и художники за необычность, яркость, оригинальность. Символ ЮАР, она растет не только в Африке, но и Индии, Австралии и на Гавайях. Нектар цветка обладает лечебными свойствами и употребляется в пищу.

Чтобы нарисовать протею:

1. Наметьте контур пастельным карандашом. Помните, что важно создавать движение в картине, поэтому избегайте излишней ровности и симметричности в расположении цветка и его элементов. Чаша протеи имеет форму конуса, лепестки игловидные.

2. Закрасьте лепестки цветка, обращая внимание на теневую и освещенную стороны. Во время цветения распускаются красивые цветоносы, меняющие цвет от светло-розового до красного всех оттенков. Бывают бежевые и серебристые тона.


3. Закрасьте зеленые листья, используйте разные оттенки листьев/частей листа на свету и в тени.

4. Закрасьте стебель цветка и доработайте нюансы.

Все, ваша теплолюбивая экзотическая красавица готова 👍🏻 Продолжайте изучать ботанику и особенности рисования экзотических цветов вместе с Юлией Капустиной https://clck.ru/PrPAE

4 секрета масляной живописи старых мастеров

4 секрета масляной живописи старых мастеров

Картины известных художников прошлого завораживают своими красками, игрой света и тени, уместностью каждого акцента, общим состоянием, колоритом.

Но то, что мы видим сейчас в галереях, сохранившееся до наших дней, отличается от того, что лицезрели современники автора. Масляная живопись имеет свойство меняться со временем, на это влияет подбор красок, техника исполнения, финишное покрытие работы и условия хранения.

Предлагаем еще больше погрузиться в секретные техники старых мастеров 👇🏻

1. Фламандский метод, который так любил применять Леонардо да Винчи, состоял из таких этапов: на светлом грунте делалась пропись рисунка в одном цвете, сепией – контур и основные тени. Затем делался тонкий подмалевок с лепкой объема. Завершающим этапом были несколько лессировочных слоев рефлексов и детализации.

Но темно-коричневая пропись Леонардо со временем, несмотря на тонкий слой, стала сильно проступать сквозь красочное изображение, что привело к потемнению картины в тенях. В основном слое он часто использовал жженую умбру, желтую охру, берлинскую лазурь, желтый кадмий и жженую сиену. Его окончательное нанесение красок было настолько тонким, что его невозможно было уловить. Собственно разработанный метод сфумато (затушевывание) позволял это делать с легкостью.

2. В итальянском методе работали Рубенс, Веласкес и Тициан. Ему характерны такие этапы работы: Нанесения цветного грунта на полотно (с добавлением какого-либо пигмента); Перенесения контура рисунка на грунт мелом или углем и фиксации его подходящей краской. Подмалевок, местами плотный, особенно в освещенных местах изображения, а местами полностью отсутствующий – оставляли цвет грунта.

Окончательная работа в 1 или 2 приема полулессировками, реже тонкими лессировками. У Рембрандта шар слоев картины мог достигать сантиметра в толщину, но это скорее исключение. В этой технике особое значение отводилось применению перекрывающих дополнительных цветов, которые позволяли нейтрализовать местами насыщенный грунт. Например, красный грунт можно было нивелировать серо-зеленым подмалевком. Работа в этой технике велась быстрее, чем во фламандском методе, что больше нравилось заказчикам. Но неправильный подбор цвета грунта и красок завершающего слоя мог испортить картину.

3. Колорит картины. Чтобы достичь гармонии в живописном произведении используют всю силу рефлексов и взаимодополнения цветов. Есть также такие небольшие хитрости, как применение цветного грунта, как принято в итальянской методе, или покрытие картины лаком с пигментом. Цветные грунты могут быть клеевыми, эмульсионными и масляными. Последние являют собой пастозный слой масляной краски необходимого цвета. Если белая основа дает эффект свечения, то темная придает глубину краскам.

Рембрандт писал по темно-серому грунту, Брюллов — на основе с пигментом умбры, Иванов тонировал полотна желтой охрой, Рубенс использовал пигменты английской красной и умбры, Боровиковский предпочитал для портретов серый грунт, а Левицкий –серо-зеленый.
Потемнение полотна ждало всех, кто в избытке использовал земляные краски (сиена, умбра, темная охра).

4. Покрытие лаком. Кроме земляных красок, темнеющих со временем, покрывные лаки на основе смол (канифоль, копал, янтарь) также изменяют светлость картины, придавая ей желтые оттенки. Чтобы искусственно придать старину полотну, в лак специально добавляют пигмент охры или любой другой схожий.

Но сильное потемнение скорее вызовет избыток масла в работе. Он может повлечь за собой еще и трещины. Хотя такой эффект кракелюра чаще связан с работой по полусырой краске, что для масляной живописи недопустимо: пишут только по высохшему или еще сырому слою, в ином случае необходимо соскрести его и прописать заново.

Если вы хотите больше практики по созданию картин с использованием старинной техники, приглашаем вас на курс «Фестиваль Голландского натюрморта» с Надеждой Ильиной https://clck.ru/PrP55