Что важно в пейзаже? Секреты художников

Шаг один — эскиз в карандаше

Не пишите сразу на холсте. Приучите себя делать эскизы карандашом. Это очень важно, чтобы:

◾ распределить тоновые отношения

◾ грамотно расположить предметы в рамках холста и относительно друг друга

Половина будущего успеха — это быстрый эскиз, на котором вы определяете, что светлее, что темнее, более интенсивно выделяете первый план и бледнее дальний. Также на этом этапе важно распределить тени от всех объектов.

Как правило, самое светлое место в пейзаже — это небо. Чуть темнее — ровные поверхности земли. Еще темнее то, что под наклоном. Самые темные участки — это вертикальные поверхности.

Шаг два — эскиз в цвете

Этот шаг необходим, чтобы разобраться с теплохолодностью. Вам не нужно прописывать крону дерева или каждую волну. Но поработать с цветом и тоном просто необходимо.

Здесь же обратите внимание: возможно, что-то стоит упростить. Необязательно писать каждый куст, который вы видите перед собой или на референсе. Помните про композицию, ее центр, равновесие и динамику в работе.

Шаг три — сделайте выкраски

Прежде чем писать воду, зелень, горы и т.д., сделайте отдельные выкраски. В природе огромное количество оттенков, поэтому пробуйте смешивать разные оттенки и подписывайте, какие цвета вы использовали для их получения. Это пригодится и в работе над другими картинами.

Как смешать разнообразие зеленых оттенков, вы можете прочитать в этой статье.

Шаг четыре — работа на холсте

Проработав все важные моменты на эскизах, вы переходите к полноценной работе на холсте. Работайте более детально, используйте свои выкраски, придерживайтесь правил композиции, воздушной и линейной перспективы, которые вы уже учли на предыдущих этапах.

Если вы будете вести работу над картиной грамотно, по шагам, то итоговый результат точно принесет вам удовлетворение.

У каждого опытного художника есть свой растворитель-фаворит. Растворители выбирают в зависимости от цели использования, а также со временем художник понимает, на каком растворители ему удобнее работать. Разбираемся.

1. Льняное масло.

Самый безопасный и часто используемый растворитель. Льняное масло не имеет запаха, поэтому подходит всем, даже аллергикам, а также если в доме есть дети и беременные. А еще оно экономично, так как расходуется медленнее других разбавителей. При использовании льняного масла краски хорошо смешиваются и имеют густую консистенцию.

Единственный минус — это матовая поверхность картины после высыхания, так как в составе льняного масла нет лака.

2. Художественный лак.

Художественные лаки бывают разными: даммарный, пихтовый, мастичный. Работы быстро сохнут, но мазки могут терять фактурность. Плюсы художественных лаков — это сохранение яркости красок, прочность слоев и блеск картины. Художественные лаки также используют, чтобы нанести новый слой краски поверх высохшего.

3. Разбавитель «Двойник».

Двойник — это смесь льняного масла и художественного лака. Двойник используют, чтобы краска была более густой при работе и лучше смешивалась. Вместе с тем, слои сохнут быстрее благодаря свойствам лака. Цвета сохраняют свою яркость, а поверхность мазков и после высыхания имеет характерный блеск масляных красок.

4. Уайт-спирит.

Отлично подходит для мытья кистей и палитры, а также снятия лишнего слоя краски, обезжиривания холста. Уайт-спирит эффективно разбавляет краску, но существенный минус — это нарушение состава краски и связующего вещества.

5. Пинен.

Делается на основе скипидара, но не имеет запаха. Пинен очень качественно разводит краски, на нем удобно замешивать цвета, красочный слой получается прозрачный, небольшой густоты и быстро высыхает. Но если пользоваться при работе только пиненом, поверхность краски при высыхании станет матовой и не будет достаточно долговечной.

6. Тройник.

Это смесь трех составляющих: льняного масла, лака и разбавителя (обычно пинена). Именно тройник — наиболее оптимальный вариант, особенно если вы только начинаете постигать основы масляной живописи. Масло способствует хорошему смешиванию, лак придает блеск работе, пинен ускоряет высыхание.

Важная рекомендация при использовании растворителей: проветривайте помещение, потому что все растворители кроме льняного масла умеренно токсичны. Храните их в темном, прохладном месте и следите, чтобы крышки были плотно закручены.

Итак, масляных техник существует очень много. Каждый художник находит себя в чем-то своем, поэтому мы всегда рекомендуем ученикам экспериментировать, пробовать разное, чтобы понять, к чему лежит душа.

1. Лессировка — классика жанра.

Это стандартная техника нанесения красок тонким слоем поверх основного цвета, в результате чего получаются глубокие переливчатые цвета. Краски для лессировки нужны специальные – полупрозрачные.

Лессировку можно делать и через год и через 2 недели. Только если картина сохла небольшой отрезок времени, нужно быть аккуратнее с растворителем, чтобы не убрать предыдущий слой краски. Именно по сухому можно проработать лучше форму, добавить дополнительные блики, убрать лишнее, затемнить какие-то элементы.

Слоев лессировки может быть очень много. Например, старые мастера могли наносить по 40 лессировочных слоев.

2. Алла прима — техника написания за один присест.

Алла прима означает спонтанную живопись пастозной, т.е. густой, краской. Картина будет готова после первого сеанса, вам не надо ждать неделями, чтобы увидеть плод своей работы. Чаще всего краски смешиваются на палитре, где кажутся свежими и светящимися. Это удобный способ работы во время письма на пленэре, при спонтанной живописной передаче.

Главное достоинство техники — возможность написать полноценную картину за раз, порой на это уходит меньше часа.

3. Техника мастихина — живопись с помощью специального инструмента художника.

Первоначально мастихин использовался для смешения красок и снятия их излишков с картины, а также для очищения палитры. Теперь мастихин используют, чтобы писать рельефные, живые, эмоциональные работы. Картины пишутся быстро и смотрятся эффектно.

При всех своих достоинствах мастихиновая живопись не сложна и подвластна начинающим художникам, так как не требует детализации в картине. Конечно, необходимо набить руку, развить моторику, чтобы получалось максимально хорошо.

4. Техника сухой кисти — нежная техника.

Она подойдет тем, кто любит воздушные, нежные работы. Ее особенность в том, что на кисть набирается краска, а затем об бумажное полотенце снимаются излишки. Плотные слои краски не наносятся в данной технике. При работе сухой кистью важно наносить краски быстро, чтобы они не успевали высыхать, а вы могли вносить изменения в картину.

Вы сможете освоить любую технику живописи, если у вас за плечами прочная база. А чтобы пройти базу, не нужно идти в ВУЗ. Что же делать?

с этой статьей.

Какие цвета нам нужны?

В стандартный набор красок входят следующие цвета, из них мы и будем смешивать разные оттенки:

Белила титановые

Кадмий желтый светлый

Кадмий красный светлый

Краплак розовый

Умбра жженая

Ультрамарин светлый

Голубая ФЦ

Зеленая ФЦ

Как смешать теплые оттенки

Начинающие художники очень часто задают вопрос, как смешать английскую красную, умбру ленинградскую, сиену натуральную. Эти оттенки относятся к теплой группе.

Чтобы смешать теплые оттенки, возьмите кадмий красный светлый, кадмий желтый светлый, умбру жженую, белила, ультрамарин. В результате смешения вы получите оранжевый, английскую красную, сиену натуральную, неополитанскую телесную, умбру натуральную ленинградскую, охру светлую.

1. Оранжевый получаем путем смешивания красного и желтого.

2. Английскую красную получаем из красного и умбры жженой.

3. Сиену натуральную можно смешать из желтого, красного и умбры.

4. Неополитанскую телесную получаем из красного, белого и желтого.

5. Для получения умбры ленинградской смешайте ультрамарин, желтый, умбру жженую.

6. Охра светлая получится из смеси желтого, красного, белого и умбры.

Как смешать холодные оттенки

Итак, вы уже получили 6 новых оттенков теплой цветовой гаммы. Теперь будем смешивать холодные. Вам нужны краплак розовый, ультрамарин, голубая ФЦ, белила, зеленая ФЦ, умбра жженая. При смешивании вы получите розовый хинакридон, небесно-голубую, фиолетовую светлую, турецкую зеленую, индиго, кобальт синий средний.

1. Розовый хинакридон смешиваем из краплака розового и ультрамарина.

2. Небесно-голубая получается из смеси голубой и зеленой ФЦ с добавлением белил.

3. Фиолетовая светлая смешивается из краплака, белил и голубой ФЦ.

4. Для турецкой зеленой смешайте зеленую ФЦ с белилами.

5. Индиго получаем из голубой ФЦ, ультрамарина и умбры.

6. Кобальт синий средний смешивается из голубой ФЦ, ультрамарина, зеленой ФЦ и белил.

Ну что, друзья, из 8 тюбиков краски вы получили еще 12 оттенков. И это не предел.

Какие бывают холсты

Холсты отличаются:

• Зернистостью (мелкозернистые, среднезернистые и крупнозернистые)
• Материалом (хлопок, лен, синтетика)
• Основой (на подрамнике или на картоне)

Классический материал профессионального холста — это лён. Лён зарекомендовал себя на протяжении столетий. Но его существенный минус — это цена. Поэтому многие художники отдают предпочтение хлопковым холстам, которые тоже отлично себя проявили в работе. Синтетические холсты — это недавнее изобретение, поэтому неизвестно, как поведет себя такой холст через несколько лет. Профессиональные художники не рискуют создавать картины на таких холстах.

Что касается зернистости, то мелкозернистые холсты чаще выбирают для более тонкой живописи. Например, при написании портретов, а также при работе в технике лессировок.

Среднезернистый холст самый популярный, потому что его используют в разных жанрах и техниках. Крупнозернистый холст обычно используют для более пастозной, фактурной живописи.

Важно: холст должен быть покрыт грунтом, иначе вы не сможете на нем писать.

Чем заменить холст

Для тренировочных работ вовсе необязательно покупать холст. Можно воспользоваться другими твердыми основами. Легко заменить холст загрунтованным картоном или ДСП. В будущем тоже необязательно использовать покупной льняной холст. Обрамленные картины на ДСП также выглядят достойно. К тому же, льняной холст можно сделать и самостоятельно. Придется повозиться, но зато вы ощутите серьезную экономию.

Немного о грунтовке

Грунтовка основы является ключевой в подготовке холста. Масляные краски быстро впитываются, высыхают и темнеют, если ткань предварительно не подвергать обработке. Именно для этого нужен хороший грунт. Проще всего купить полностью готовый холст, заранее пропитанный и высушенный. Но если вы выбираете для обучения доску, фанеру и т.д., то вам нужно самим загрунтовать основу.

Грунт бывает клеевой, масляный и эмульсионный. Первый представляет собой слой раствора из клея и мела. Второй – создается из нескольких прослоек тонкотертой масляной краски цинковых или свинцовых белил поверх клеевого покрытия. Третий – смесь эмульсии и сухих порошков белил.

Наши художники отдают предпочтение акриловому грунту, а также грунту на основе ПВА.

1. Подчиняйте натюрморт какой-то геометрической фигуре. Все предметы натюрморта должны помещаться в фигуру (круг, овал, треугольник и т.д.).

2. Обязательно выделяйте центр композиции. На картине всегда есть главные и второстепенные предметы. Можно разместить их так, чтобы по краям оставалось место или какой-то предмет уходил за пределы картины (часть предмета изображена, а часть нет). Что не стоит точно делать — создавать работу, на которой края предметов совпадают с краем листа. Так создается ощущение тесноты, смещение композиции.

3. Соблюдайте ритм в картине. Для этого избегайте расположения предметов строго в ряд или друг под другом.

4. Следите за тем, чтобы контуры предметов не касались друг друга. Перекройте немного одним предметом другой. Либо можно нарисовать их на некотором расстоянии друг от друга.

5. Делайте фон менее активным, чем предметы натюрморта. Если есть драпировки, то они должны вести взгляд зрителя к центру композиции, а не отвлекать на себя внимание.

Ставить и писать натюрморты самостоятельно можно научиться даже без художественного образования.

1. Изучайте основы.

Не пугайтесь. Вам вовсе не нужно долго и упорно изучать все художественные премудрости. Достаточно изучить базовые понятия, такие как рисунок, композиция и цвет. Имея представление о главных законах этих трех китов, вы уже сможете писать картины самостоятельно.

2. Развивайте наблюдательность.

Посещайте выставки и музеи, рассматривайте картины художников и отмечайте, что особенно привлекло ваше внимание. Чем больше и чаще вы соприкасаетесь с предметами искусства, тем больше идей будет появляться в вашей голове.

3. Ищите вдохновение.

Кроме выставок идеи можно найти повсюду. Рассматривайте подборки фото на Pinterest, погружайтесь в свои детские воспоминания и листайте старые фотоальбомы, вспоминая все то, что уже лежит глубоко в душе. А также:

• гуляйте и обращайте внимание на окружение,
• путешествуйте и делайте быстрые зарисовки классных мест, вкусных завтраков, красивых локаций,
• введите привычку делать ежедневные наброски (маленькие эскизы, которые помогут побороть страх белого листа и отсутствия музы).

4. Понаблюдайте за собой.

Оцените свои предыдущие работы. Посмотрите, что чаще всего вы пишете: натюрморты, пейзажи, животных и т.д. Зная любимое направление, гораздо проще придумывать сюжеты.

Например, вы любите изображать животных. Разглядывая детские фото, вы увидели своего любимого кота, который спал у вас в ногах и ласкался, когда вы ели что-то вкусное. Вот уже у вас есть почва для будущего сюжета, где вы сможете показать домашнего любимца. Причем не просто показать, а наполнить сюжет ценными воспоминаниями, напомнить зрителю о таких простых и милых сердцу моментах, которые часто не замечаешь в ежедневной суете. Такая картина заставит остановиться, присмотреться и вспомнить что-то свое.

Картины, которые стали не просто повторением за другим художником, а вашим личным произведением, будут особенно дороги и вам, и тем, кто их увидит. Каждый художник рано или поздно начинает стремится к написанию своих сюжетов, потому что они ценятся гораздо выше и становятся настоящим лицом автора.

1. Рисуйте обычные параллельные линии.

Важно: рисуйте от руки без линейки. Рисуйте на обычном белом листе, НЕ в клеточку.

Может показаться, что это очень просто. Но когда вы начнете выполнять упражнение, увидите, что это не так. Начинайте с коротких параллельных линий, постепенно удлиняя их. Не переживайте, первые линии будут скорее всего немного неровные и под углом. Тренируйтесь и с каждым разом будет получаться лучше.

2. Это упражнение надо делать после того, как удалось рисовать ровные параллельные линии. Учимся делить линии на равные отрезки.

Начинайте с четного числа отрезков. Сначала попробуйте разделить вашу линию пополам. Потом каждую половину еще раз пополам. После такой тренировки пробуйте делить на нечетное количество отрезков. Сначала разделите свою ровную линию на три равные части, затем на пять и т.д. Такое упражнение поможет вам в будущем создавать симметричные предметы.

3. Рисуем геометрические фигуры и орнаменты. Да-да, это тоже отлично развивает глазомер.

Любой орнамент основан на чередовании каких-либо геометрических фигур. Начинайте с самого простого, вспоминайте, как на полях тетради чертили разные узоры. Например, змейку из квадратиков.

Также тренируйтесь делить геометрическую фигуру на равные части, как делали это с прямыми линиями.

Даже если эти упражнения вам показались простыми, обязательно попробуйте их выполнить. А потом поделитесь, сразу ли получилось добиться ровности и симметричности.

Мы знаем, что очень многие художники-самоучки однажды понимают необходимость освоения базы. Но в художественное училище или ВУЗ идти уже точно не хочется или не получается.

Зависть — это желание.

Желание — это побуждение к действию. Что хуже всего? Пустота. Хуже всего когда нет сил и желаний. Опустошенный человек приходит к психологу и говорит «я ничего не хочу». Вот это действительно плохо. А ещё хуже когда ты уже даже не идёшь за помощью.

Зависть можно не замечать и/или подавлять. Все не любят зависть. И ее отрицают. А психологи любят. Потому что если человек может завидовать значит он может желать. Значит есть силы!

Есть ресурс. Потенциал. Значит есть надежда. Нет хорошего без плохого. Контрасты неразлучны. Так и зависть лишь маркер поведения. А вот что именно вызывает зависть?

— Чему ты завидуешь? Точно ли тебе это нужно? Или только кажется?

— Какая потребность лежит под этим?

— Завидуешь деньгам? А может хочешь безопасности?

— Завидуешь худобе, а может хочешь быть не уверена в верности партнёра?

— Завидуешь статусу? А может хочешь чтоб принимали?

Если мы говорим конкретно про творческую зависть, то нужно понять что именно нас привлекает:

Успех, признание, деньги другого художника, который со стороны кажется таким успешным. Или завидуем именно его мастерству, тому, как ему удается на холсте создавать свои миры, в то время как мы пока не можем выразить свои?

Надо нащупать свою болезненную точку и признаться себе в том, что я завидую именно этому, значит я этого хочу! Если знаешь чего хочешь намного легче к этому придешь.

Хочется признания — значит пора показывать работы, идти на выставки, сделать свои визитки художника, начать говорить о себе. Вести свою страницу именно, как художнику — регулярно.

Хочется мастерства — значит надо оттачивать! По крупице собирать свою копилку навыков.

Главное использовать силу зависти во благо. Пусть она станет союзником, топливом. Это прекрасно, если вы творчески завидуете чужим достижениям и это вас подбадривает не застаиваться на месте.

Плохо, если зависть на находит выхода и начинает точить изнутри недовольством к себе и ненавистью к несправедливому миру.

Эмоции это наша энергия. Даже из «плохих» можно ее черпать на «хорошее». А ещё лучше перестать судить свои эмоции так черно-бело и дать себе шанс принять сложный коктейль своих переживаний.

Берегите себя и творите с радостью!

Простой карандаш — лакмусовая бумажка, который проявляет все пробелы в знаниях.

Что важно помнить, если вы решили изучить академический рисунок?

1. Не бойтесь рисовать плохо.

Сначала вам может показаться, что рука совсем не слушается. Не паникуйте. Это дело наживное. Больше практики и все получится. Это одна из задач академического рисунка — набить руку, заставить ее работать в гармонии с образами, которые приходят в голову.

2. Подбирайте качественные карандаши и ластик. Это ваши верные помощники. Купите карандаши разной твердости и обязательно правильно их заточите, чтобы грифель был длинный и острый.

3. Идите от простого к сложному. Начинайте с рисунков простых геометрических фигур таких как шар, куб, конус. Эти фигуры лежат в основе всех сложных предметов, поэтому сначала надо научиться рисовать правильно именно их. Для бОльшего понимания можно купить или сделать макеты белого цвета. Так легче увидеть светотень, соответственно проще учиться распределять свет и тень на предметах.

Рисовать могут многие, а профессионально изображать предметы и сюжеты различной сложности – единицы. Эти единицы изучили основы академического рисунка, куда входят знания законов перспективы; умение компоновать предметы на листе бумаги; способность передавать конструктивное и пропорциональное построение; правильно расставлять светотени и передавать на бумаге фактуру предметов.

Уж казалось бы эти картины, которые весят в музеях и печатаются в учебниках настолько ассоциируются с именами создателей, что никаких сомнений в их непогрешимости нет.

Сомнений то может и нет, но есть интересный факт! Эти талантливейшие живописцы не боялись признаться в своих трудностях и не стыдились опросить помощи у коллег!

Шишкин. Все знают его медвежат. Даже люди далекие от живописи помнят конфеты фабрики «Красный октябрь». Мишки это его визитная карточка — «Утро в сосновом бору».

А знаете ли вы, что самих известных медвежат писал вовсе не Шишкин!!! Уже по сухому их добавил Константин Савицкий, потому что Ивану они никак не давались! Он был мастером леса, но не анатомии живых существ

Еще одна известнейшая картина — «Прощание Пушкина с морем» Ивана Айвазовского тоже примечательна тем, что главного героя, Александра Сергеевича, написал Илья Репин. Айвазовский гениально написал море, но крупную фигуру на переднем плане писать побоялся и попросил своего друга.

«Охотники на привале» Василия Перова тоже не обошлись без помощи, Перов был заядлым охотником и отлично выписал всю экипировку троицы, а сам пейзаж ему помог писать Алексей Саврасов (автор известной картины «Грачи прилетели»)

И напоследок вспомним еще, что женскую фигуру на картине Исаака Левитана «Осенний день. Сокольники» ему помог написать друг-сокурсник Николай Чехов (брат известного писателя).

Надеюсь эти исторические примеры помогут вам менее строго судить себя! Развивайтесь в том направлении, которое ближе всего именно вам. Ради интереса можно пробовать все, но одинаково стараться везде преуспеть это невыполнимая миссия. Если вы совсем не умеете писать человеческие фигуры, но при этом у вас выходит божественная сирень значит так тому и быть!

Если захочется попробовать новое, то пусть это будет в радость и с удовольствием, а не из страха и стыда чего-то не уметь.

Очень дешево

Самая дешевая, которой можно нарисовать хорошие работы, — это пастель»Сонет». Лучше брать 48 оттенков. Те, кто работал пастелью, знают, что оттенков в пастели много не бывает. Мелками «Сонет» можно добиться отличной цветопередачи. Для небольших рисунков отлично подойдет. Не очень удобно тонировать большие участки листа, так как форма мелка круглая.

Оптимально

Немного дороже пастель «Mungio gallery». Ее можно купить и в наборе, и поштучно, что удобно, когда заканчиваются мелки определенные цвета. У этой марки большая цветовая палитра, можно подобрать оттенки для картин разных жанров. А при покупке поштучно на каждом мелке есть полная информация о мягкости и светоустойчивости.

Идеально

Самая дорогая и самая качественная из этих вариантов — пастель «Koh-i-Noor soft». У этой пастели хорошие насыщенные цвета. Есть интересные оттенки. Пастель хорошо ложится на бумагу, а также отлично смешивается и дает в итоге достойный цвет. Для начинающий художников это лучший вариант по цене и качеству.