Выберите СВОЙ ПАКЕТ

 

ЗНАКОМСТВО СО ШКОЛОЙ

ЛЮБИТЕЛЬ

ПУТЬ ХУДОЖНИКА

РЫВОК ЗА ГОД

Особенности сельского пейзажа

Особенности сельского пейзажа

Пейзаж — одно из наиболее любимых направлений живописи среди художников. Он нравится любителям искусства своим разнообразием, ведь каждый точно обнаружит любимый вид этого жанра.

Сельский пейзаж – это картины деревень и сел, пейзажи крестьянской жизни. В деревенских пейзажах художники делают ударение на единении с природой, гармоничное сосуществование человека и окружающего мира, простой и понятный сельский быт, любовь к родному краю.

Сельский или деревенский пейзаж стал популярен во времена развития стиля рококо. Картины с идиллическими изображениями пастушек, сельских обывателей стали репрезентативными работами своего времени. Разновидность развивалась не только в Западной Европе, но и в России. Направление деревенского пейзажа выбрали Питер Брейгель Старший, Франсуа Милле, Камиль Моро. Пример русской живописи – работы А.Венецианова, А.Саврасова, В.Полевова, А.Пластова, И.Левитана.

На технические особенности работ влияет стиль, в котором работал художник:

✔ Импрессионисты уделяли внимание цвету и особой передаче света, перспективы, работали мазками, создавая солнечные, весенние и зимние полотна, полные эмоций и динамики.
✔ Академисты и реалисты стремились к максимальной достоверности, использовали природные цвета и оттенки, работали акварелью и маслом.
✔ Барочные мастера наполняли пышностью даже изображения природы.
✔ Романтисты делали изображение светлым, радостным, воодушевляющим, весенним.

Мы приглашаем вас на курс Георгия Харченко, на котором вы окунетесь в детские воспоминания https://clck.ru/PrPK7

Что делать, если не получается самостоятельно сделать рисунок

Что делать, если не получается самостоятельно сделать рисунок

Юлия Капустина рассказывает, как перенести рисунок на пастельную бумагу, если вы не можете самостоятельно передать форму предмета. Например, вы только начинаете учиться рисовать цветы. Цветы очень отличаются по форме бутона, лепестков и листьев на стебле.

Юлия советует взять распечатанный референс, приложить его к бумаге, закрепить и твердым графитным карандашом обвести главные контуры цветка. Так у вас на пастельной бумаге отпечатается правильная форма, с которой вы и будете работать дальше в цвете.

Педагог считает, что совершенно не зазорно воспользоваться такой маленькой хитростью в начале своего пути в живописи. Гораздо лучше сделать обводку и получить красивый цветок, чем расстроиться и разочароваться в себе, если не выходит самостоятельно нарисовать форму. Со временем рука начнет слушаться лучше, и вы точно сможете передавать любой цветок.

А если вы обожаете цветы и хотите узнать тонкости изображения экзотических соцветий, приглашаем вас на курс «Краски экзотики в технике сухой пастели». Сегодня действует самая низкая стоимость. Выбирайте подходящий вам пакет по ссылке https://clck.ru/PrPAE

Метод фламандских мастеров

Метод фламандских мастеров

Когда появилась живопись маслом, мир живописи разделился на ДО и ПОСЛЕ. Основоположником считают голландского художника Ян Ван Эйка. Методом проб и ошибок он понял, что масло льняного семени и ореховое масло быстрее всего сохнут и создают более плотную пленку.

С самого начала стало понятно, что масляная живопись обладает рядом преимуществ: краски более яркие, прозрачные, живопись более устойчива к внешним воздействиям.

Древние мастера писали знаменитые голландские натюрморты, рынки, портреты. При этом, стали писать портреты не только на религиозные темы или членов королевской семьи, но и можно было заказать семейные портреты.

Картины фламандских мастеров сохранялись столетиями, а потому их опыт живописи перенимался из поколения в поколение. Метод фламандских мастеров заключался в следующем:

1. На гладко отшлифованный клеевой грунт переносился рисунок с картона. Картон брался размером с холст, на нем свинцовым карандашом делали рисунок и методом припороха переносили его на холст. Метод припороха заключался в том, что с помощью мелких иголок точками обводили рисунок. Затем картон прикладывали к холсту, посыпали его углем или графитом и губкой похлопывали, чтобы порошок проник на холст. Так появлялся детальный рисунок на самом холсте.

2. Далее темперными или масляными красками обводили рисунок. Так рисунок очень тонко уточнялся.

3. Следующим этапом становилась оттушевка в коричневых тонах. Делали оттушевку также либо темперой, либо маслом. Если оттушевка делалась темперой,это означало, что художник проходился по теням. Иногда он делал это с помощью штриховки. Маслом делались теневые растяжки. Все места бликов оставались нетронутыми.

4. После высыхания оттушевки прокладывался слой масляного лака.

5. Когда лак высыхал, начинались лессировки цветными красками. Их наносили очень тонкими слоями.

Благодаря такой поэтапной тщательной работе картины сохранялись столетиями. Существовало несколько разновидностей фламандского метода, у каждого художника были свои секреты, которые он открывал только лучшим ученикам.

Надежда Ильина обучает этим секретам на своих курсах и вебинарах. Приглашаем вас на курс «Фестиваль голландских натюрмортов», чтобы вместе создать шедевры на долгие годы 🌀 https://clck.ru/PrP55

Малые голландцы

Малые голландцы

Мы подготовили для вас что-то интересное. Давайте вспомним мастеров старины и их технику живописи. Это то самое искусство, которое сохраняется веками и становится настоящим наследием.

Известный нам теперь термин «малые голландцы» первым ввел в обращение француз Фелибьен Дидро. И имел он ввиду не маленький рост или юный возраст живописцев!

Подразумевался интерес художников к «малым» (низким) темам из повседневной жизни в противоположность искусству «большого» стиля на «высокие» исторические и мифологические сюжеты, а также небольшой, «кабинетный» формат картин.

Сейчас это кажется удивительным, но выбор сюжетов был поистине новаторским для того времени! Светский реализм, обращение к отображению в картинах реального окружающего мира и человека без подведения под определенный идеал, сложение развитой и очень дифференцированной системы жанров, разработка системы тональной живописи – вот что внесли малые голландцы в живопись!

Можно выделить два ведущих художественных центра малых голланцев: Харлем и Амстердам.

Малые голландцы выражали национальное своеобразие живописи своего времени. Все их сюжеты можно условно поделить на несколько групп:

⚡Бытовой жанр — самое яркое и самобытное явление голландской школы, открывшее для мирового искусства поэзию повседневной жизни частного человека.
⚡Пейзаж
⚡Интерьер
⚡Натюрморт

Остановимся немного подробнее на натюрморте, который для многих малых голландцев стал визитной карточкой.

✅ Наиболее характерный вид голландского натюрморта — «завтрак» — возник в творчестве харлемских живописцев, изображающих накрытый стол с яствами и посудой.
«Живописный» беспорядок и атмосфера уютного жилого интерьера, достигается передачей световоздушной среды, в колорите картин господствует серо-серебристый тон, заданный изображением серебряной или оловянной посуды.

✅ В Утрехте развился пышный и нарядный цветочный натюрморт, особенно прославившийся тщательностью письма и светлым колоритом.

✅ В Гааге, центре морского промысла, довели до совершенства изображение рыб и других обитателей моря.

✅ Университетский Лейден создал тип философского натюрморта «vanitas» (суета сует). В картинах рядом с предметами, воплощающими земную славу и богатство (доспехи, книги, атрибуты искусств, драгоценная утварь) или чувственные удовольствия (цветы, фрукты), соседствуют череп или песочные часы как напоминание о скоротечности жизни.

✅ Более демократичный «кухонный» натюрморт возник в Роттердаме. В середине столетия тема скромных «завтраков» преобразуется в роскошные «банкеты» и «десерты». Золоченые кубки, китайский фарфор и делфтский фаянс, ковровая скатерть, южные фрукты подчеркивают вкус к изяществу и богатству, утвердившийся в голландском обществе в середине столетия. Влияние рембрандтовской светотени заставляет краски на картинах светиться изнутри, поэтизируя предметный мир.

✅ Также стоит выделить изображения «охотничьих трофеев» и «птичьих дворов». Этот тип натюрморта особое распространение получил во второй половине — конце 17 века в связи с аристократизацией бюргерства: устройством поместий и развлечением охотой.

А теперь самое интересное 👉🏻 22 июля в 18.00 Надежда Ильина проведет открытый вебинар-спектакль, на котором вы погрузитесь в мир старинной живописи. Регистрируйтесь на вебинар по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=885630

Полезный прием малых голландцев и академистов

Полезный прием малых голландцев и академистов

Чтобы точно перенести изображение на холст, воспользуйтесь приёмом, которым пользовались еще малые голландцы. Надежда Ильина также с удовольствием пользуется им, чтобы максимально точно перенести картинку на холст.

Для этого распечатайте картинку, которая будет пропорциональна вашему холсту. Возьмите простой карандаш и линейку. Вам нужно расчертить картинку на сегменты, которые затем вы будете переносить на холст.

Сначала проведите диагональные оси, которые пересекают картину в середине. Затем через геометрический центр проведите горизонтальную и вертикальную линию. А далее добавьте более мелкие сегменты. Для этого делите каждый получившийся квадрат ещё на диагонали.

Профессиональные художники издавна пользовались этим методом. Например, художник сходил на зарисовки, ему понравилось, как получился пейзаж, и очень хочется четко передать это в своей картине. Зарисовок может быть размером с ладошку, а холст гораздо больше. Чтобы передать мельчайшие детали зарисовка, художник расчерчивал лист и точно переносил элементы на холст.

Малые голландцы делали много зарисовок фруктов, цветов, и когда приходил заказ, брались за линейку с карандашом, чтобы в точности передать все пропорции.

Мы приглашаем вас на вебинар-спектакль Надежды Ильиной, чтобы погрузиться в мир старинной живописи и создать атмосферный натюрморт 🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=885630

Живописные холмы

Живописные холмы

Холмы показывают такую мощь, силу и в то же время живописность, что любование ими дарит покой и чувство надежности. Георгий Харченко рассказал, что стоит учитывать при написании живописных холмов.

1. Те возвышенности, которые находятся ближе, имеют бежевый или коричневый цвет. Дальние скалы выглядят розовыми и синими. Для розового берите белила и краплак. Этим цветом намечаются камни.

2. Если на скалах что-то растет, линию роста деревьев, кустарников можно обозначить с помощью коричневого марса. Делайте ее неровной, чтобы скала смотрелась реалистично.

3. Смешайте ультрамарин и желтый, у вас получится грязный темно-зеленый цвет. Как раз такой цвет и нужен, чтобы не было чистых открытых красок. Этим цветом мазками обозначаем растительность.

4. Чтобы отделить ближние горы от дальнего плана, добавьте к смеси ультрамарина и желтого еще индиго. Обозначьте полученным цветом окантовку ближней горы.

5. С помощью смеси желтого, белого и бирюзового вы получите яркий зеленый цвет. Этим цветом мазками обозначаются верхушки деревьев на солнце.

6. Чтобы добавить теплоты верхушкам деревьев, добавьте к смеси цветов охру. Так, благодаря разнообразию оттенков, получается живописная горка.

7. Саму ближнюю гору без растительности закрашиваем охрой.

Пользуйтесь советами художника и пишите с вдохновением. А на ближайшем морском курсе вы сможете потренироваться в написании скал вместе с нашим мастером Георгием Харченко. Подробности программы смотрите по ссылке 🌀 https://vk.cc/awZm3P

Как выбрать мастихин

Как выбрать мастихин

Какой бы мастихин вы ни выбрали, при покупке обращайте внимание, чтобы лезвие было нержавеющим, тонким, упругим. Рукоятка должна плотно сидеть и быть удобной.

🎨 Мастихин для палитры. Такой мастихин имеет слегка изогнутую сталь. Краску таким мастихином на холст не наносят. Он служит для замешивания красок на палитре, может иметь форму шпателя, или быть прямым (нож). Еще он может применяться для удаления излишней краски и зачистки самой палитры.

🎨 Мастихин для живописи. Упругая гибкая сталь и большой изгиб доставляет удовольствие от процесса написания картины. Ручки могут быть деревянными или металлическими. У данного мастихина имеется несколько форм, позволяющие расширить возможности для импровизации в ходе творческого процесса. Формы бывают грушевидные, овальные, алмазные и другие. Помимо форм мастихины также имеют свой размер.

Для чего нужен большой изгиб? Чтобы ваша рука случайно не цепляла холст и не портила картину. Художники в основном используют короткое лезвие для нанесения угловых ударов, а длинное – для плавного и легкого нанесения краски на большие участки. Чтобы не повредить полотно, многие пользуются мастихином с закругленным лезвием, но естественно, такое лезвие не годится для соскабливания краски.

Какой мастихин купить новичку? Для начала купите два мастихина: один — с вытянутой лопаткой и заостренным кончиком, другой – с фигурным скосом (для мелких декоративных элементов). Если вам понравится такая техника, можете докупить мастихины других форм и размеров и поэкспериментировать с мазками. Для начала рекомендуем не брать слишком большой и слишком маленький размер мастихина — вы не сможете оценить его преимущество. Однозначно, мастихины из стали с деревянной или металлической ручкой будут лучше и долговечнее пластиковых.

То количество мастихинов, которое существует, вовсе необязательно каждому художнику. Есть наиболее распространенные, которые действительно пригодятся в работе. Мастихины бывают овальные, квадратные, ромбовидные и очень причудливых форм.

Мастихины в форме капли бывают широкие и узкие, с тупым или острым кончиком. Острый носик позволяет делать точечные мазки, широкие мастихины с тупым кончиком помогают делать крупные округлые мазки. Узким каплевидным мастихином также можно писать округлые мазки, но фактура больше получается именно в начале мазка.
Мастихином с геометрической формой удобно писать городской пейзаж, делать прямые линии, повернув на ребро.

Бывают веерообразные, волнообразные и другие мастихины. Они нужны для декоративных работ. В традиционной живописи они не очень подходят, так как созданы для определенных задач.

Присоединяйтесь к марафону с Александрой Черной, на котором сможете освоить этот замечательный инструмент, написать несколько этюдов и полноценную картину https://vk.com/app5898182_-194736196#u=1042637&s=869925

Главный закон живописности

Главный закон живописности

В основе живописной выразительности цвета лежит гармония, которая может основываться на различных цветовых отношениях. Но кроме нее есть ещё один принцип — это чередование тёплого и холодного. Благодаря данной динамике усиливается глубина цвета, живопись приобретает звучание и перестаёт быть «разукрашенной». Изучение отношений тепло-холодности необходимо для понимания того, как создаются поистине живописные картины.

Вы знаете, что цвета разделяют на теплые и холодные. Их так называют из-за впечатления, которое они производят. К тёплым относятся жёлтый, бежевый, оранжевый, красный, коричневый и множество производных от них оттенков. К холодным — синий, зелёный, фиолетовый. Для примера, синий символизирует пространство, прохладу, а оранжевый — уют, дом, тепло.

🎨 Чтобы обеспечить динамику теплых и холодных оттенков, совсем необязательно надо чередовать чистые цвета. Можно добавлять легкие оттенки. Например, в зелень деревьев в солнечный день добавить теплых желтых оттенков. Соответственно будет создаваться ощущение, что зеленый где-то холоднее, а где-то теплее.

✅ Изменение цвета на основе светотени — это один из способов привнести в живопись динамику тёплого и холодного. Поскольку любой предмет находится в общем контексте окружающей среды, мы должны добавлять оттенки окружения, когда изображаем свет и тень. Например, чтобы показать освещение, мы не берем чисто белый цвет, а используем желтый, или, если на картине голубое небо, то добавляем в смесь голубых оттенков. Если с теневой стороны у нас куст, то мы добавим в тень зеленых оттенков.

✅ Еще один способ обеспечить динамику — разложение цветового тона. Этим приемом пользовались импрессионисты. Например, вместо использования фиолетового, берутся красный и синий. Эти цвета оптически смешиваются в фиолетовый и в то же время обеспечивают нужную динамику теплого и холодного в картине.

Живопись оживает, если пользоваться законом тепло-холодности. Добиться нужного эффекта можно с помощью игры света и тени, а также разложением цветового тона.

На курсе Надежды Ильиной вы напишете 2 картины с сиренью. На примере этих живописных сюжетов вы поработаете над необходимым эффектом для придания картине живописности. Подробности курса и регистрация по ссылке  https://int.jmaslom.com/siren

Что прочитать тем, кто хочет научиться рисовать фигуру человека

Что прочитать тем, кто хочет научиться рисовать фигуру человека

Всегда прекрасно иметь под рукой книгу, особенно с личными пометками, чтобы иметь возможность быстро вернуться к важным основам и освежить в памяти полученную информацию.

Для тех, кто решил научиться грамотно изображать фигуру человека, мы рекомендуем книгу Джованни Чиварди «Рисование фигуры человека.
Полное руководство».

✅ Книжка помогает:

— Лучше разобраться в особенностях человеческого тела.
— Научиться рисовать реалистично тело и лицо.
— Понять особенности изображения обнаженной и одетой натуры.
— Узнать тонкости изображения отдельных частей тела.

Книгу советуют и новичкам, и профессионалам. Каждый найдет свое. Новички сразу получат грамотное руководство, а опытные художники повысят свой уровень мастерства и смогут усовершенствовать навыки рисования не только фигуры человека, но и портрета.

Кроме того, в книге огромное количество авторских иллюстраций, которые наглядно показывают все то, о чем пишет художник.

Если вы тоже хотите научиться делать живые, грамотные зарисовки фигур людей, разобраться в особенностях анатомии мужчин и женщин, пожилых и детей, то приглашаем вас на курс Кристины Горбуновой по зарисовкам человека. Подробнее программу курса смотрите по ссылке https://int.jmaslom.com/zarisovki2

Как написать водоём изумрудного цвета

Как написать водоём изумрудного цвета

Изумрудный цвет воды всегда завораживает. Если вы хотите создать картину с таким водоемом, вам пригодятся следующие советы Кристины Горбуновой 👇🏻

1. Смешайте изумрудную и голубую, закрасьте смесью верхнюю границы воды. Там, где падает свет, вода будет наиболее светло-изумрудного цвета. Для этого добавьте к смеси белила.

2. Для теневых участков в смеси должно быть больше изумрудной.
3. Места, где видны отражения ландшафта, будут еще темнее. Для этого в смесь добавляются индиго и голубая фц.

4. Для отражения в воде неба подойдут сложные фиолетовые оттенки. Можно взять готовый фиолетовый оттенок, немного белого и голубой. Затем сверху по первому слою добавьте голубой фц, чтобы создать нужный оттенок.


5. Дайте схватиться первому слою, а затем нанесите дополнительные штрихи. Проверьте, все ли в порядке с тоном. Доработайте при необходимости отражение в воде.

На четвертом потоке курса «Стихия воды» вас ждут новые увлекательные сюжеты и секреты, благодаря которым вы научитесь передавать движение воды, добиваться глубины и прозрачности. Смотрите программу подробнее по ссылке https://int.jmaslom.com/voda4

Академический рисунок куба

Академический рисунок куба

Изображение куба – самое простое и первое задание по изображению предметов в пространстве. До того, как получить это задание, студенты изучают законы перспективы и правила передачи тонов.

Во время работы над построением куба закладываются основы передачи объема и пространства. Уже на этом задании многие ученики делают много ошибок и даже этого не замечают. Если их вовремя не исправить, то они переползут на будущие работы.

❗ Итак, несколько правил, которыми профессионалы рекомендуют пользоваться, чтобы научиться правильно передавать куб.

1. При рисовании вам потребуется реальный куб белого цвета. В художественной школе используют гипсовое изделие. В домашних условиях его можно сделать из куска картона или бумаги. Сторона одной грани должна быть 10-15 см, поэтому понадобится несколько листов бумаги. Под изготовленный куб также положите белую или серую скатерть, чтобы тень от предмета была четко видна.

2. Обратите внимание на положение куба. Свет должен падать сверху и сбоку, чтобы две видимые грани хорошо освещались. Вы должны видеть три его грани, поэтому нужно, чтобы куб находился перед вами немного снизу. Учитывать нужно полностью все изображаемое пространство вместе со скатертью, а не только куб.

3. Рисуйте пространство целиком. В будущем вы планируете рисовать сюжеты, а не отдельные предметы, поэтому это так важно. Считайте это тренировкой к отображению целой видимой картины.

✅ Алгоритм рисования куба.

📌 Сначала легкими линиями изображаем положение куба на листе бумаги. Предмет вместе с тенью должен располагаться в центре листа. Рисуйте в первую очередь тонкими линиями грани куба, они у него параллельны. Но по законам отображения объема все параллельные линии в перспективе соединяются в одной точке на горизонте.

📌 По законам линейной перспективы надо изобразить 8 ребер, половина из которых направлена влево, а другая – вправо. Вопрос лишь в том, в какой точке пространства линии от ребер куба должны соединиться? Все параллельные линии сходятся в точку на горизонте, а он расположен на уровне глаз художника. Представьте, что за кубом нет стены, и вы видите схождение неба и земли, мысленно проведите линии границ ребер до горизонта.

📌 Поскольку мы смотрим на куб немного сверху, то и вертикальные линии в перспективе могут соединяться. Тем не менее в академическом рисунке линии могут быть просто параллельны. Также обратите внимание на то, что чем больше грань куба на рисунке повернута к зрителю, тем меньше сокращается расстояние в перспективе между гранями.

📌 Чтобы придать объема, нужно выделить ближайшие грани более жирно. Тон лучше набирать постепенно, сначала твердым карандашом, постепенно добавляя штрихи мягким грифелем. Чтобы не ошибиться с тоном, создавайте светотень сразу на всем рисунке. В этом случае ошибку в передачи тени, света и тонов можно будет увидеть на ранней стадии. При штриховке левой грани лучше использовать вертикальные штрихи. Для штриховки верхней и правой грани подойдут диагональные штрихи. В заключении добавьте больше контраста на передний край куба.

Академический рисунок — первый сектор на нашем фундаментальном курсе «Магистратура живописи». Без его изучения мы не можем двигаться дальше, так как сначала необходимо заложить хорошую основу, на которую будут постепенно накапливаться другие знания. Сектор ведет Юлия Капустина, и ученикам усердно приходится поработать, чтобы добиться нужного результата.

Хотите научиться писать грамотные картины? Вам точно к нам. Четыре профессионала набирают новый поток студентов, которые станут уверенными художниками. Предрегистрация на курс «Магистратура живописи» открыта. Бронируйте лучшие условия
🌀 https://vk.com/app5898182_-187791993#s=830388

На фото работа ученицы во время штудирования первого сектора.

Ах море, море! Секреты Айвазовского

Ах море, море! Секреты Айвазовского

В преддверии курса Кристины Горбуновой «Стихия воды 4.0» (https://int.jmaslom.com/voda4) поговорим о море. А именно о том, как добивался небывалой реалистичности на своих картинах Айвазовский.

Художник обладал небывалым талантом, родился и жил у моря, имел возможность наблюдать за состоянием стихии подолгу и вдумчиво. Но также он смог добиться высокого уровня мастерства в ремесле, к которому стремятся художники, пишущие море.

Удивительной живости и прозрачности Айвазовский добивался благодаря тончайшим лессировкам. Он писал масло, но порой его работы похожи на акварельные картины, настолько они легки и воздушны.

В результате лессировки изображение приобретает эту прозрачность, причем цвета кажутся очень насыщенными, но не за счет плотности мазка, а за счет особой глубины и тонкости. Виртуозная лессировка в исполнении Айвазовского — особая любовь для коллекционеров: большинство его картин в прекрасном состоянии, поскольку тончайшие красочные слои меньше подвержены растрескиванию.

Живописец создавал картины очень быстро, поэтому у его техники есть свои нюансы. Вот что пишет об этом Николай Барсамов, многолетний директор Феодосийской картинной галереи и крупнейший знаток творчества Айвазовского:

«…воду он иногда лессировал по полусухому подмалевку. Часто художник лессировал волны у их основания, чем придавал глубину и силу красочному тону и достигал эффекта прозрачной волны. Иногда лессировками утемнялись значительные плоскости картины. Но лессировка в живописи Айвазовского не была обязательным последним этапом работы, как это было у старых мастеров при трехслойном методе живописи. Вся живопись у него в основном проводилась в один прием, и лессировка часто применялась им как один из способов наложения красочного слоя на белый грунт при начале работы, а не только как завершающие прописки в конце работы. Лессировкой художник иногда пользовался на первом этапе работы, покрывая полупрозрачным слоем краски значительные плоскости картины и используя при этом белый грунт холста как светящуюся подкладку. Так иногда писал он воду. Умело распределяя красочный слой различной плотности по холсту, Айвазовский достигал правдивой передачи прозрачности воды».

И наверняка его особое отношение к любимому ремеслу позволяла создавать именно такие, дышащие и живые работы. Подойти с кистью к холсту было великой радостью для художника.

Научитесь и вы создавать прекрасные водные сюжеты вместе с Кристиной Горбуновой на 4-м потоке курса «Стихия воды». Посмотрите, какие интересные пакеты мы для вас приготовили https://int.jmaslom.com/voda4

На фото морская картина с курса Кристины.

Польза живописи с натуры

Польза живописи с натуры

Каждый профессиональный художник подтвердит пользу работы с натуры. Исследование объекта/предмета, изучение его со всех сторон, анализ формы, объёма, фактуры, цвета, влияние среды — всё это возможно только вживую.

Лето — замечательная возможность написать с натуры сочные, яркие картины, будь то цветы, пейзажи или спелые ягоды и фрукты.

Работа с натуры развивает объемно-пространственное и образное мышление. И это может быть полезным во многих сферах жизни. Если полагаться исключительно на фотографии, можно тратить время на воссоздание мировоззрения камеры, а не на свое собственно человеческое, индивидуальное, оригинальное восприятие увиденного.

За миллисекунду камера может запечатлеть абсолютную детализацию, но в снимке не хватит глубины. Прочувствовать ее можно только вживую. Мы превосходим камеру в глубине восприятия – оно трехмерно для нас и двухмерно для камеры.

Мы можем изучить всю сцену с тенями и ярким светом и увидеть ее в правильном свете благодаря движению нашего взгляда. Это очень значимо. Камеры, напротив, выбирают одну экспозицию, которая работает достаточно хорошо для всей сцены. В результате что-то неизбежно искажается, становясь слишком темным или слишком светлым. Художники, которые работают с фотографиями, часто копируют этот дефект. И могут даже не понимать, почему в итоге недовольны своей картиной.

Художникам стоит чаще работать с натуры. Подытожим почему👇🏻

1. Снимкам не хватает глубины, которую видит глаз.
2. Пространство в снимках кажется двухмерным из-за одинаковой резкости первого и второго плана.
3. Отсутствие тонких градаций в освещении и тенях.
4. Другое понимание перспективы. Это чувствуется особенно сильно.

Расскажите, пишете ли вы с натуры? Как работать нравится больше: по фото или вживую?

Лето набирает обороты, и мы готовим для вас много интересного. 25 июня состоится открытый вебинар с Надеждой Ильиной, на котором вы напишете сочную арбузную дольку. Регистрируйтесь на вебинар по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=860301

Чеснок поэтапно сухой пастелью

Чеснок поэтапно сухой пастелью

Юлия Капустина подготовила пошаговый фотоурок. Рисуем чеснок 👇🏻

1. Делаем набросок лёгкими линиями светлым карандашом или мелком (Бумагу специально лучше выбрать потемнее, чтобы наш готовый рисунок смотрелся контрастнее и не сливался с фоном)

2. «Заливаем» наш чеснок и падающие тени основными цветом, игнорируя детали


3. Растушёвываем пальцем пигмент до однородного пятна, постепенно добавляем дополнительные оттенки, чтобы сделать тени и рефлексы на чесноке, и придать ему объём


4. Начинаем прорисовать детали — отдельные зубчики и другие характерные мелочи (здесь удобно воспользоваться пастельным карандашом). Передний план прорисовываем более тщательно, задний слегка обобщаем. Чесночок готов!

На курсе Юлии «Сочная классика» вы напишете выразительные натюрморты под руководством нашего педагога. Смотрите, какие картины вас ждут по ссылке https://int.jmaslom.com/classic2

Иллюзия глубины и присутствия в картинах канадского гиперреалиста

Иллюзия глубины и присутствия в картинах канадского гиперреалиста

«Мое основное желание — создать иллюзию глубины и присутствия, которой очень сложно добиться фотографией,» — так говорит художник-гиперреалист из Канады Джейсон де Грааф.

И надо сказать, он отлично справляется со своей задачей. Посмотрите на его работы на фото 👇🏻

Художник специализируется на натюрмортах, которые пишет акриловыми красками. Его путь в гиперреализме начался после того, как в колледже, где Джейсон учился на дизайнера и иллюстратора, состоялась встреча с педагогом-иллюстратором, который показал свою картину. Молодой Джейсон де Грааф просто не поверил, что так можно рисовать. С тех пор он решил посвятить себя изучению всех нюансов гиперреалистической живописи.

Кропотливыми тонкими мазками художник создает свои гиперреалистические сюжеты. Значительная часть его работ построена на отражении в предметах.

Чтобы сделать картину наиболее правдоподобной, Джейсон фотографирует сначала композицию, а затем долгими часами воспроизводит фото в картине. Критики, специализирующиеся на гиперреализме, дают положительные отзывы на работы де Граафа и называют их картинами с постоянно ускользающей точкой равновесия.

«Мои картины посвящены постановке альтернативной реальности и иллюзии правдоподобия, с помощью которых я отражаю своё уникальное видение. В своих картинах я пытаюсь использовать объекты в качестве коммуникационного средства, чтобы рассказать историю или намекнуть на что-то сверх того, что на самом деле написано. Поэтому я изображаю предметы, которые имеют значение для меня».

Уже на этой неделе вы сами сможете насладиться гиперреализмом и написать вкусную картину с ягодами вместе с Надеждой Ильиной на открытом мастер-классе. Регистрация по ссылке
🌀 https://m.vk.com/app5898182_-36773250#s=820465

Легенда о двух художника-гиперреалистах

Легенда о двух художника-гиперреалистах

Есть такая красивая легенда о двух древнегреческих художниках и их состязании. В древности в Афинах 2 художника поспорили кто напишет самую лучшую картину и будет признан безупречным мастером. Целый год трудились живописцы над своими творениями и результат их работы был представлен на городской площади.

Собралась целая толпа ценителей искусства и просто любопытных, чтобы узнать, чем разрешился поединок и посмотреть на великолепные картины. Первый художник сбросил покрывало со своей картины и восхищённые зрители увидели чашу, наполненную сочными виноградными гроздьями на столе. Как только картина была открыта, птицы слетелись, чтобы склевать нарисованный виноград. Художник был польщён, а зрители замерли в немом восторге.

Но второй мастер не спешил демонстрировать своё творение. Тогда первый художник спросил, почему он не убирает покрывало с картины. “Сделай это сам” — ответил мастер. Коснувшись рукой ткани, первый художник был поражён — покрывало, накрывающее работу, было нарисовано, это и была сама картина. Изумлению зрителей не было предела.

Так кто же победил, спросите вы. Есть две версии окончания этой истории. В первом случае, победу присудили второму автору, в награду за то, что он смог ввести в заблуждение не только птиц, но даже профессионального художника, а это показатель величайшего мастерства. Но мне больше нравится вторая версия.

Никто не смог взять на себя смелость выбрать победителя, так как безусловный талант и мастерство продемонстрировали оба художника. Так и остались оба шедевра стоять на площади, поражая жителей города своей правдой жизни, красотой и великолепием. Через некоторое время первый художник всё же решил узнать мнение местных жителей о своём полотне. Горожане ответили: “Конечно, изображение прекрасно, но ведь это всего лишь копия живого натюрморта. Настоящий виноград можно съесть, чтобы утолить голод или изготовить из него вино, а картина, не несущая никакого смысла и просто копирующая жизнь, в этом случае, бесполезна”.

⚡ Как мы видим из легенды, гиперреализм существует очень давно, и всегда был доказательством мастерства художника. И суть не в обычном копировании, а в способности усилить акценты и подчеркнуть главное.

Приглашаем вас на открытый вебинар Надежды Ильиной, на котором вы напишите картину со спелыми ягодами
🌀 https://m.vk.com/app5898182_-36773250#s=820465

На фото картина художника Педро Кампоса

Картины, похожие на фото высококлассной камеры

Картины, похожие на фото высококлассной камеры

Гиперреализм заставляет задуматься, картина или фотография перед тобой. Одним из художников, который поражает зрителя правдоподобностью своих картин, является итальянец Джоаккино Пассини.

Его первая выставка состоялась, когда живописцу было всего 17 лет. С тех пор за годы творчества Джоаккино стал участником и организатором множества выставок в разных уголках земли. Итальянский художник на удивление не сталкивался с жесткой критикой, а его работы всегда находили отклик в сердцах зрителя.

Гиперреализм — необычное искусство, его понимают немногие, критикуют и даже порой не считают творчеством. Тем не менее, натюрморты Джоаккино Пассини привлекают многих любителей искусства. Ведь они так похожи на настоящие натюрморты.

Он уделяет внимание каждой мелочи, будь то капелька росы или лепесток. Главным в творчестве гиперреалистов считается демонстрация мастерства художника, который может создать картину, внешне не отличимую от фото. И, взглянув на работы Пассини, вы согласитесь, что он достиг этой цели.

Также напоминаем вам, что вы тоже можете написать удивительную работу с ягодами в стиле гиперреализма на открытом вебинаре Надежды Ильиной, который состоится 4 июня. Регистрация на вебинар доступна по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=820465

Живопись малярной краской

Живопись малярной краской

Лучиано Вентроне — художник-гиперреалист, чьи картины заставляют вырабатываться слюну. Настолько его натюрморты правдоподобны и вкусны.

Сам художник считает своей целью — сделать мир более осязаемым, чем его видит человеческий глаз.

«У меня очень сложная техника. Важно поставить правильное освещение, уловить малейшие нюансы цвета. Кроме того, я работаю ядовитыми красками, их готовят по старинной технологии. Если такая краска попадет на кожу, может быть ожог», — говорит Лучиано.

Художник пишет цветы, фрукты, ягоды. Их отмечают за невероятную тщательность исполнения. Подобная техника близка итальянской манере живописи XVI-XVII веков. Лучиано Вентроне утверждает, что секрет его успеха в умении сочетать открытия мастеров прошлого с новейшими тенденциями фотореализма. Это открывает ему окно в иной, параллельный мир.

И сейчас он помнит женщину, которая дала ему первые цветные карандаши. Лучиано настолько проникся творчеством и его магией, что, несмотря на всевозможные финансовые сложности в семье, он всё же смог получить достойное художественное образование.

Долго он творил только по душевному порыву, отражал на холсте свои переживания, эмоции, увиденное в путешествиях. Но постепенно он он начал осознавать, что мало просто нарисовать эмоцию или объект. Важно сделать так, чтобы ощущалась философия картины в содержании, а в форме был идеальный порядок. Так он увлекся теорией живописи и пришел к реализму, который плавно перешел к гиперреализму.

Художник считает, что все эмоциональные переживания надо выразить в процессе подготовки к написанию шедевра. То есть фотосессия, которая предшествует живописи, — идеальный период для эмоций художника. А вот работа над картиной должна вестись в холодном рассудке, чтобы не отвлекаться от важных деталей.

Прикоснитесь к мастерству художников-гиперреалистов на открытом мастер-классе Надежды Ильиной. Регистрация на мастер-класс доступна по ссылке
🌀 https://m.vk.com/app5898182_-36773250#s=820465

Вкуснейшие гиперреалистические натюрморты

Вкуснейшие гиперреалистические натюрморты

В преддверии нашего открытого вебинара по гиперреализму с Надеждой Ильиной мы решили познакомить вас с некоторыми художниками, которые пишут в этом стиле.

Если вы посмотрите на натюрморты итальянского гиперреалиста Роберто Бернарди, вам сразу захочется полакомиться тем, что так мастерски изображает художник. Его произведения отличаются поразительной детализацией и реалистичностью.

Художник начал рисовать очень рано. Его первые работы появились в начале 80-х годов. Сначала Роберто писал пейзажи и портреты, а потом обратил внимание на новый вид искусства — гиперреализм и продолжил работать в этом стиле.

Уже в 1994 году состоялась его первая персональная выставка, которая получила общественное признание. Картины художника побывали на многих выставках в музеях Европы и США, а творчество Роберто Бернарди было по достоинству отмечено в многочисленных статьях, обзорах и публикациях в популярных газетах и журналах.

Непосвященному зрителю трудно поверить, что перед ним не работа фотографа. Даже при дотошном рассмотрении картины художника легко спутать с фотографиями.

Сам Роберто выбрал данное направление, так как понял, что гиперреализм помогает ему расти профессионально, оттачивая технику живописца. Кроме того, он получает настоящее удовольствие, создавая горы фруктов и сладостей, которые выглядят так реалистично. Этот процесс для него — что-то вроде разновидности медитации, результатом которой доволен не только он сам, но и многочисленные поклонники его гиперреалистичного творчества.

На фото вы видите ягодный сюжет Роберто Бернарди.

А мы приглашаем вас на бесплатный вебинар Надежды Ильиной, на котором напишем вкусные ягодки https://m.vk.com/app5898182_-36773250#s=820465

Главные характеристики гиперреализма

Главные характеристики гиперреализма

«Гиперреализм — это симуляция реальности, иллюзия, ложная действительность, фотографическая передача того, чего никогда не существовало,» — такую трактовку дает социолог и культуролог Жан Бодрийяр.

Картины в этом стиле являются отображением реальных объектов с дополнительными, тонкими деталями, именно они создают иллюзию действительности. Часто реальность выглядит более «глянцевой» и «причесанной» в изображении художника-гиперреалиста.

Вот что важно знать об этом стиле, если вы решили себя в нем попробовать:

✅ Гиперреализм имитирует реальные формы.

✅ Отличительной чертой является внешняя реалистичность и гипертрофированность.

✅ Для стиля характерны прагматизм и натурализм.

✅ Гиперреализм сильно связан с искусством фотографии, при выборе сюжета очень важны качественные цифровые фото (ведь писать вы можете неделями, и, если объектом является цветок или фрукт, он может уже совсем потерять изначальную форму и т.п.).

✅ Используется различная техника для нанесения на холст изображений людей и предметов.

✅ Для увеличения реалистичности художник переносит на холст изображения реальной одежды и текстиля, узнаваемые марки и бренды (при изображении людей или городской среды).

✅ Часто выбираются сюжеты сложные с точки зрения фигуративности, построения композиции.

✅ Можно наблюдать отказ от эмоционального воплощения реальности, характерны беспристрастность, точность, документализм.

✅ В деталях живописи иногда могут быть преувеличения, этим стиль и отличается от техники фотореализма.

✅ Порой изображения кажутся статичными, холодными, отчужденными.

✅ Иногда мы можем видеть упрощение фактур при помощи техник лессировки и аэрографии.

Если вы хотите попробовать себя в роли художника-гиперреалиста или уже влюбились в этот стиль и с удовольствием совершенствуетесь в нем, у нас отличная новость 😃 Надежда Ильина готовит для вас увлекательный вебинар, на котором вы будете учиться писать ягоды в технике гиперреализма. Регистрация на вебинар по ссылке https://vk.com/app5898182_-36773250#s=820465

Какие цвета использовать для белых пионов

Какие цвета использовать для белых пионов

Пионы — одна из самых любимых тем наших подписчиков. Чудесные цветы, которые радуют глаз своей пышностью и красотой. Георгий Харченко рассказывает, какие краски можно использовать при написании белых пионов.

1. Для фона того места, где будут пионы, используем охру светлую.

2. Середину (глубину) цветов сделаем темнее дополнительно охрой желтой.

3. Белый в тени получается с помощью смешения белил с серой и желтой краской. Этой смесью покрываем цветы вокруг их середины.

4. Теперь пальцем возьмите краплак красный и поставьте эти яркие пятна в середине цветков.

5. Далее с помощью мастихина создаем фактурные лепестки смесью цветов из пункта 3.

6. Лепестки, на которые падает свет пишем с помощью белил, немного добавив серого.

7. Постепенно двигаемся от более темного к светлому. Самые светлые лепестки пишутся в конце. Для этого к белилам добавляем совсем чуть-чуть желтого, чтобы сделать цвет немного теплее.

2 июня стартует бесплатный марафон Георгия Харченко и Александры Черной, на котором вы насладитесь цветочными сюжетами. Еще не с нами? Тогда регистрируйтесь по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-194736196#s=829221

Важные детали для тех, кто пишет маслом

Важные детали для тех, кто пишет маслом

Для тех, кто только начинает постигать основы масляной живописи, пригодятся следующие советы художников:

1. Всегда покупайте побольше белил, так как они часто используются при смешивании красок и, соответственно, быстро расходуются.

2. Чтобы писать было приятно, а качество работ радовало, останавливайте свой выбор на хороших красках и инструментах для живописи.

3. В рисовании масляными красками есть правило: густое на жидкое. Для первого слоя покупайте растворитель. Наносите густой слой поверх него.

4. Чтобы нанести второй слой, стоит подождать примерно 3 дня.

5. Мольберт настраивают по росту и вашему положению так, чтобы сидеть было без дискомфорта и труда.

6. Масляные краски тяжело вывести с ткани, поэтому одевайте для творчества то, что не жалко.

7. Для придания рисунку реалистичности определите, где будет источник света. Так вы сможете легко изобразить затемнённые и освещённые участки, тени, полутени, блики.

8. Учитесь составлять смеси красок. Добавляйте слои краски так, чтобы соседствующие краски можно было смешать плоской кистью. Мазок должен идти по направлению смешивания.

9. Пишите при хорошем освещении, иначе цвета потом могут оказаться не теми, какими казались при специфическом свете.

10. Старайтесь не использовать цвет “Чёрная слоновая кость” для фоновых покрытий, так как он очень долго сохнет.

11. Оставшуюся краску можно сохранить в небольшой ёмкости, закрытой пищевой плёнкой. Можете смело пользоваться ею в следующий раз.

12. Хорошо очищайте кисти. Если на них останется краска и засохнет, то вряд ли вы сможете как-то исправить ситуацию, чтобы снова пользоваться инструментом.

13. Масляную краску с рук можно удалить оливковым или детским маслом.

Хотите больше разобраться в масле? Писать картины с пониманием важных основ? Тогда присоединяйтесь к курсу двух наших художников «Живопись маслом: легкий старт». Подробнее по ссылке https://int.jmaslom.com/oilpainting

Поддержка начинающим художникам

Поддержка начинающим художникам

Начинающим художникам всегда сложно. Кажется, что никогда не прийти к тому уровню, которого достигли матерые живописцы. Но все когда-то начинали. Мы собрали рекомендации для начинающих и продолжающих живописцев, которые помогут вам творить:

1. Во время работы над картиной помните, о чем она.

2. Будьте организованы.

3. Если у вас неприятности, вспомните о судьбах тех, кто создавал великое искусство.

4. Выражения вроде «Какой я несчастный!» вам не помогут.

5. Пытайтесь найти то, чему можно поучиться у больших художников: не нужно искать в их произведениях недостатки.

6. Всматривайтесь и наблюдайте окружающую жизнь.

7. Преодолевайте ошибки вашей наблюдательности, подчеркивая контрасты и характерное.

8. Критики – неудавшиеся художники.

9. Держитесь подальше от заносчивых и высокомерных художников.

10. Если вы не можете решить, над чем работать дальше, напишите автопортрет.

11. Никогда не говорите: «Это мне не под силу!». Подобные мысли мешают потенциальному развитию.

Если вы только начинаете свое знакомство с масляной живописью, делайте это под руководством профессионалов. Смотрите подробности курса «Живопись маслом: легкий старт» по ссылке https://int.jmaslom.com/oilpainting

Что купить, чтобы начать писать маслом

Что купить, чтобы начать писать маслом

Мы составили список необходимого для художников, которые положили начало своему знакомству с маслом. Если у наших опытных художников будут дополнения и советы, будем рады вашим комментариям. Наверняка они помогут в начале пути вашим молодым коллегам ❤

1. Холст
Живопись маслом интересна тем, что в качестве холста можно легко использовать доски, фанеру, стекло и даже металл. Как правило, начинающему художнику советуют льняное полотно средней или мелкой зернистости. Оно прочное и долговечное. Известно, что большинство выдающихся живописцев в России выбирали именно такой вариант. Но холст из хлопка тоже хорош и дешевле льняного.

❗ Покупая холст, обратите внимание на его поверхность. Ткань должна быть ровной, без узелков и других выпуклых фрагментов. Важно, чтобы на материи не было пропусков нитей, а их толщина всюду была однородной.

2. Грунт
Грунтовка основы является ключевой в подготовке холста. Масляные краски быстро впитываются, высыхают и темнеют, если ткань предварительно не подвергать обработке. Именно для этого нужен хороший грунт. Проще всего купить полностью готовый холст, заранее пропитанный и высушенный. Но если вы выбираете для обучения доску, фанеру и т.д., то вам нужно самим загрунтовать основу.

❗ Грунт бывает клеевой, масляный и эмульсионный. Первый представляет собой слой раствора из клея и мела. Второй – создается из нескольких прослоек тонкотертой масляной краски цинковых или свинцовых белил поверх клеевого покрытия. Третий – смесь эмульсии и сухих порошков того же белила.

Покрытие ткани должно быть ровным, гладким и прочным. Шероховатость говорит о том, что раствор для основы был плохо размешан или пересушен.

3. Масляные краски
Для живописи маслом начинающему художнику понадобится набор максимум из 8-10 основных цветов. Выполняя последующие работы, вы сможете понять, какие оттенки расходуются быстрее. Написать картину можно, пользуясь всего парой тюбиков, поэтому не торопитесь приобретать сразу большую гамму.

❗ Лучше уделить внимание качеству красок, их производной составляющей. Так, например, существуют масляные краски их семян льна, мака, подсолнечника, ореха и конопли. Чаще всего используют масло льна, так как оно образует стойкую и прочную пленку при высыхании. Краски на основе орехового масла хороши тем, что при высыхании практически не темнеют. Маковые масла на много прозрачнее и сохнут медленно, поэтому их применяют реже. А вот масло подсолнечника или конопли, не смотря на длительный срок высыхания и зеленовато-желтый оттенок, не растекается и в конечном результате превращается в хорошую защитную пленку.

Подбирая материалы для живописи, подумайте, что вы будете писать и какого масштаба. Это поможет выбрать не только цветовую гамму, но и значительно сократит ваши расходы.

4. Кисти
Выбирать кисти для рисования нужно, опираясь на тонкость будущей работы и на технику ее исполнения. Можно один и тот же пейзаж написать несчетное количество раз самыми разными методами, как узкими и аккуратными штрихами, так и хаотичными грубыми мазками. Обязательно купите одну крупную плоскую кисть, одну среднюю круглую и несколько тонких для «ювелирных» деталей.

5. Мольберт
Мольберт помогает установить холст в надежном положении, на удобной для вашего роста высоте. Кроме этого, оставляя картину в закрепленном положении на уровне глаз, вы сможете хорошо рассмотреть детали и недоработки. Некоторые художники свои готовые работы не снимают с мольберта определенное время, так как по истечении срока и частого созерцания свежей работы, возникает желание и потребность что-то изменить, исправить, подкорректировать.

Мольберты бывают разной формы, высоты и размера. На что следует обратить внимание при покупке — это прочность всех креплений и длина ножек. А для начала можно использовать стул, который будет служить опорой холсту.

6. Лаки
Рассматривая товары для художника, вы наверняка заметите художественные лаки. Это специальный раствор смолы в скипидаре, спирте или масле. Он помогает улучшить живописные свойства готовой картины, а так же способствует длительному ее хранению.

Покрывать работу лаком не обязательно. Однако нанеся на рисунок это покрытие, вы будете удивлены насыщенностью красок и оттенками, а также уверенными в том, что холст не потускнеет со временем. Высохший защитный слой лака позволит легко вытирать картину от пыли.

Так называемые «живописные» лаки созданы из мягких видов смол. Некоторые из них пригодны для разжижения масляных красок. На первых порах мы не советуем экспериментировать с лаками самостоятельно без предварительной консультации с опытными художниками. Иначе вы можете ненароком испортить свою работу.

9. Мастихины
Мастихины предназначены для того, чтобы наносить и снимать краски с холста, а так же переносить их на палитре. Достаточно иметь мастихин в одном экземпляре.

10. Палитра
В качестве палитры можно использовать дерево, стекло или кафель. Профессиональная палитра из тонкого листа дерева хороша тем, что в ней есть специальное отверстие для пальца и она на порядок легче любого стеклянного или кафельного квадрата. С ней ваша рука не будет уставать в процессе длительной работы. Кроме этого, широкая палитра помещает все нужные оттенки. Даже если вы решите отложить занятие на короткое время, по его истечении инструмент напомнит об используемых цветах и гаммах. Выбирая палитру в магазине, примеряйте ее на своей ладони.

Мы продолжаем наше знакомство с масляной живописью на новом курсе, который ведут два художника — Юлия Капустина и Надежда Ильина. Подробности программы смотрите по ссылке https://int.jmaslom.com/oilpainting

В природе не бывает чистых цветов

В природе не бывает чистых цветов

Для тех, кто хочет хорошо рисовать, важно помнить одну из главных вещей живописи: в природе не бывает чистых цветов. Подробнее об этом рассказывает Надежда Ильина.

В природе НЕТ чистых цветов, потому что все предметы переотражаются друг в друге. Появляется эффект цветовых рефлексов.

Другими словами, цвет — это ощущение, которое получает человек при попадании ему в глаз световых лучей.

Эти же лучи попадают и на окружающие предметы… Смешиваются и переотражаются, а соответственно, влияют друг на друга.

Немного углубимся… Ещё интересно, что поток света с одним и тем же спектральным составом вызовет разные ощущения у разных людей в силу того, что у них различаются характеристики восприятия глаза, и для каждого из них цвет будет разным. Отсюда следует, что споры, «какой цвет на самом деле», бессмысленны — смысл имеет только измерение того, каков «на самом деле» состав излучения… И индивидуальное вИдение художника.

Интересна история художника Клода Моне.

Ему было 72, когда врачи поставили диагноз: катаракта обоих глаз, острота зрения левого глаза — одна десятая нормы, правый глаз способен различать только свет.

Нужна операция.

Но кто решится?? Делать операцию на глазах Великого мастера?

«Откуда я знаю, может, они дадут мне другие глаза? А мне нужны глаза Моне! Как иначе я продолжу работать?»

Операция сделали. И Великий Моне… Начал видеть мир абсолютно по-другому! Лишившись хрусталика на левом глазу, Моне вновь обрел зрение, но стал видеть ультрафиолет как голубой или лиловый цвет, отчего его картины обрели новые цвета. Например, рисуя знаменитые «Водяные лилии», Моне видел лилии голубоватыми в ультрафиолетовом диапазоне, в отличие от обычных людей, для которых они были просто белыми.

Хотите написать 2 картины Клода Моне? Тогда обязательно регистрируйтесь на открытые вебинары Надежды Ильиной 🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=803016
На фото работа ученицы Надежды.

Жизнь Клода Моне. Факты

Жизнь Клода Моне. Факты

Мы знаем, как вы любите импрессионизм, поэтому запускаем второй поток курса Надежды Ильиной «Бунтари в живописи». Предрегистрация уже открыта 🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=801175
На фото работа ученицы Надежды Ильиной.

А пока что давайте вспомним про великого мастера, чье имя сохранилось в истории искусства.

1. Клод Моне – автор картины, которая дала название целому направлению в искусстве. Оно возникло из-за ироничного отзыва парижского журналиста Леруа на выставку молодых художников в так называемом «Салоне отверженных».

Будущие импрессионисты организовали альтернативную официальному Салону выставку, на которой в числе других работ была представлена картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца». Взяв за основу название картины Моне, Леруа озаглавил свою статью «Выставка импрессионистов».” Impression” в переводе с французского означает “впечатление” Критик не понял и не принял новый взгляд и новую манеру живописи, этот отзыв был написан в форме фельетона. Тем не менее, название закрепилось и стало термином, обозначающим не только направление в живописи, но и в литературе, музыке, во всей мировой культуре.

2. Все началось с карикатур
Современники называли Моне «живописцем света», но начало его карьеры было связано с графикой. А точнее — с созданием карикатур. Четырнадцатилетний подросток настолько точно и с юмором изображал посетителей бакалейной лавки своих родителей в нормандском городе Гавре, что у него не было отбоя от заказчиков. Работы юного карикатуриста постоянно экспонировались в витрине единственного в городе художественного магазина.

3. Открытие пленэра
Однажды Клод увидел рядом со своими работами пейзажи художника Эжена Будена. Юному карикатуристу они совсем не понравились. Но вскоре мальчик познакомился с Буденом. Благодаря ему Моне открыл для себя живопись на пленэре. Так очарование живой природы на полотне удавалось передавать более живо и непосредственно. Впоследствии живопись на пленэре стала одним из основных принципов импрессионистов.

4. Жизнь великого художника могла неожиданно прерваться
Новое искусство, даже точнее, новый взгляд на окружающий мир долго не находил признания у современников Клода Моне. Художник и его семья бедствовали. Им грозила потеря всего имущества из-за долгов кредиторам. От отчаянья Моне был близок к самоубийству. Его спас гаврский коммерсант и художник-любитель Луи Годибер. В 1868 году он приобрел у кредиторов несколько картин Моне, дал возможность семье художника спокойно жить в доме, расположенном в живописном предместье Парижа — Сен-Мишель де Буживаль. К счастью, как ни было бы сложно, в самые трагические моменты жизни Клода Моне всегда находились люди, которые поддерживали художника. Это и меценат Жорж Дебелио, и коллекционер Поль Дюран-Рюэль, и коммерсант Эрнесто Ошаде. Ангел-хранитель не оставлял Моне.

5. Картина «Женщины в саду»
Моделью для всех четырех персонажей одной из ранних работ Моне «Женщины в саду» была одна Камилла. Эту работу не приняли в Салон. Но спустя годы, уже в 1921 году французское правительство посчитало для себя честью приобрести это полотно за 200 тысяч франков.

6. Долгожданный успех
1879 год был переломным для Моне. В выставочном зале журнала «Современная жизнь» прошла выставка художника. Она была на редкость успешной. Все 18 выставленных полотен были встречены очень благожелательно и нашли своих покупателей. Последовали выставки в Париже, Нью-Йорке. Импрессионизм занял достойное место, картины Моне стали приобретать богатейшие коллекционеры.

7. Сад в Живерни
Моне писал: «После живописи и садоводства я больше ничего не умею делать», но в этих сферах у него не было равных. Как только у Моне появилась возможность приобрести собственный дом в городке Живерни, художник создает сад. С этих пор именно он становится и источником вдохновения, и мастерской художника. Поэт – символист Гюстав Канн говорил, что, увидев художника в его саду, он понял, как такой великий садовник стал таким замечательным художником. 43 года своей долгой жизни художник посвятил формированию своего сада.

8. Дом в Живерни
Дом художника был таким же необычным, как и его великолепный сад. Стены комнат были раскрашены в разные цвета. Дом украшала одна из самых больших в Европе коллекций японской графики, которую очень ценили художники — импрессионисты.

9. Моне грозила слепота
1911 год был трагическим для Моне. Умирает его вторая жена и верный друг Алис, с которой они прожили вместе 30 лет. С 1908 года художника беспокоит катаракта, ему грозит слепота. После успешной операции по удалению катаракты художник пишет целую серию работ, где он рисует кувшинки в своем саду. Интересно, что у Моне меняется восприятие цвета. Он словно бы начинает видеть невидимый для всех ультрафиолетовый цвет. Из-за этого художник окрашивает кувшинки в необычные лилово-сиреневые оттенки цвета.

10. Полотна Моне – одни из самых дорогих в мире
Картины Клода Моне находятся на третьем месте в рейтинге самых дорогих полотен в мире. Таковы результаты аукционов произведений искусства 2015 года. Средняя стоимость произведений художника составляет 7 миллионов долларов.

Напишите смелые, грамотные картины вместе с Надеждой Ильиной на ее курсе. Проходите предрегистрацию, чтобы обучаться выгодно 🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=801175

Особенности написания отражения

Особенности написания отражения

Чтобы пейзаж, на котором есть водная поверхность, написать реалистично, нужно знать, как правильно делать отражение. 5 важных советов:

1. Отражение предмета должны идти строго под самим предметом. Оно не искажается вбок. С помощью метода визирования вы можете четко передать отражение на воде.

2. Отражение всегда темнее, чем сам предмет.

3. Отражение предмета никогда не бывает таким же чётким, как сам предмет. Оно всегда немного размазано.

4. Если у вас есть берег, который нужно отразить в воде, помните, что отражение не будет по ширине такое же как сам берег. Когда мы смотрим на берег, мы видим, как он уходит вдаль. В отражении этого нет. В отражении мы видим только береговую линию, а она достаточно тонкая.

5. Исходя из предыдущего пункта вытекает этот. Если на берегу растут деревья, мы должны высоту дерева намечать не от места его роста, а от самой береговой линии. Именно такая высота будет в отражении.

Отработать этот навык на практике вы сможете на открытом вебинаре Георгия Харченко. Регистрация на вебинар по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-172955253#s=795689

Как пишется туман маслом

Как пишется туман маслом

Для тех, кто никогда не писал туман маслом, это может показаться нелегкой задачей. Пройдемся по шагам, как создаются такие картины.

1. Делаем подмалевок. Закрашиваем весь холст основными цветами. Смесью голубой и белой краски можно заложить основу под туман на заднем плане.

2. Следующим этапом прорисовываем детально картину. Туман, который клубится по земле, создается на этом этапе. Для этого нужно нанести прозрачные слои белил и растушевать их.

3. Теперь надо полностью завершить все элементы картины, чтобы следующим этапом доработать туман.

4. Создание тумана проще делать по просохшему нижнему слою. Оттенки в тумане могут быть разнообразными. Обычно у тумана сизо-голубой оттенок. Если же есть солнечный свет, то верхние части тумана могут окрашиваться под цвет его лучей с помощью желтых и оранжевых оттенков.

Если вы хотите больше узнать о таком состоянии природы, как туман, регистрируйтесь на открытый вебинар Георгия Харченко 🌀 https://vk.com/app5898182_-172955253#s=795689

Море при ясной погоде

Море при ясной погоде

Море вдохновляет в любую погоду и время года. Им можно любоваться бесконечно, будь то штормовые волны или полный штиль.

Для художника море — огромный простор для экспериментов. Сегодня прислушаемся к рекомендациям Георгия Харченко, чтобы передать всю прелесть моря, которое мы наблюдаем ясным днем.

Сделайте подложку небесно-голубой краской.

1. Чем глубже, тем темнее. Чтобы показать глубину, можно использовать следующий замес: бирюзовая краска + голубая + немного белил.

2. Ближе к берегу глубина меньше. Где-то виден песок. Здесь оттенок воды будет светлее. К бирюзовой краске добавьте турецкую голубую и вы получите прекрасный оттенок.

3. Если хотите сделать легкую волну, возьмите голубую и добавьте немного охры. Получится слегка зеленоватый оттенок, который отлично разбавит спокойное море лёгкой волной и прибавит картине динамичности.

4. Для пены в белила добавьте немного жёлтой светлой, чтобы получить нежный золотистый оттенок.

На новом курсе Георгия вы напишете две сюжетные картины с морем: солнечным днем и ночное море с дорожкой от луны. Подробнее о курсе смотрите по ссылке https://int.jmaslom.com/iloveu

Сколько сохнет картина в технике флюид арт

Сколько сохнет картина в технике флюид арт

Картина жидким акрилом создается гораздо быстрее, чем происходит процесс высыхания. Обычно такие картины высыхают за 24 — 72 часа. Полная прочность набирается от недели до двух. На процесс влияют температура и влажность воздуха, а также используемые материалы и сам планшет.

Идеальной считает температура 18-24 градуса, влажность от 50%. Пористые основы, такие как, холст, ткань, бумага, поглощают воду из краски, поэтому способствуют более быстрому высыханию.

Вот какие стадии высыхания выделяют во флюид арт:

1. Это непосредственно жидкий акрил, который выливают на холст из стаканчика. Краска податлива и легко распределяется по поверхности холста. На воздухе вода, растворители или летучие вещества начинают быстро покидать краску. Испарение летучих веществ – это процесс высыхания. Для жидкого акрила данная стадия может длиться от нескольких часов до нескольких дней.

2. Образование пленки. Происходит примерно за 8 часов. Когда испарятся самые легкие летучие вещества, краска начнет формировать пленку из пигмента и связующего вещества на поверхности картины. Там, где акрил ляжет тонко (на углах и краях), пленка будет образовываться быстрее, а на внутренних участках дольше.

3. Следующая стадия характеризуется тем, что дотрагивание до поверхности не портит картину. В то же время под верхним слоем краска может быть еще недостаточно сухой. Эта стадия обычно длится до 24 часов.

4. Твердое состояние обычно появляется через 48 часов. Однако краска достаточно не схватилась с холстом, поэтому резкие наклоны, нанесение дополнительных слоев нежелательно. Это может привести к отслаиванию или растрескиванию краски.

5. Последний этап, когда краска полностью затвердела, длится от 72 часов. К этому моменту вода, летучие вещества и растворители полностью испаряются. Картина готова к нанесению дополнительных слоев, лака или эпоксидки. Акриловая краска может продолжать отверждаться в течение нескольких недель и выделять незначительные количества летучих веществ.

Присоединяйтесь к курсу Надежды Ильиной и создайте три интересных работы, которые станут оригинальным украшением вашего интерьера. Предрегистрация на курс
🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=761639

P.S. Картина курса «Флюид Арт: от техники к преподаванию»

Как сделать ячейки в жидком акриле

Как сделать ячейки в жидком акриле

Вы наблюдали, что на картинах в технике флюид арт бывают интересные ячейки разной формы и размеров. Сегодня о том, с помощью чего они получаются.

Они могут появляться сами благодаря разной плотности используемых оттенков. Но в то же время можно контролировать количество и размер ячеек с помощью силиконового масла.

Когда вы смешали краску с растворителем, добавьте несколько капель силиконового масла (если оно у вас в спрее, то пшикнете пару раз). Затем перемешайте палочкой смесь. Помните, что чем дольше вы размешиваете, тем меньше будут ячейки. Таким образом, лучше заранее продумать, какой цвет должен иметь большие ячейки, а какой — мелкие.

Кроме того, размер ячеек зависит и от вязкости силикона. Если он менее вязкий, то ячейки будут больше. Высокая вязкость силикона дает более четкие и мелкие ячейки.

💥 Силикон можно добавлять не в стаканчик со смесью, а на саму картину, например, пипеткой.

Когда вы распределили силиконовое масло по поверхности, пройдитесь газовой горелкой над ячейками. Так силикон поднимется, поскольку верхняя акриловая пленка растворится из-за тепла. Пламя надо держать на расстоянии 5-10 см и не стоять долго над одним местом, чтобы не разрушить пигмент.

Погрузитесь в арт-терапию жидким акрилом вместе с Надеждой Ильиной на новом курсе по флюид арт. Предрегистрация доступна по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=761639

P.S. На фото — картина с нового курса.

Пишем морской берег

Пишем морской берег

С каждым днем все теплее, постепенно появляются мечты о море. Как приятно пройтись босиком по мокрому песочку, чтобы ноги обдавали набегающие волны.

Георгий Харченко дает совет, как написать такой влажный берег.  Сначала то место, где у вас будет берег, покройте смесью из охры светлой с добавлением английской красной и марса коричневого темного. Если вы до этого делали фон для неба и моря голубой краской, и она подмешивается в смесь, не страшно. Совсем необязательно кисть вытирать дочиста.

Дальше в эту же смесь добавьте ультрамарина и белил, так вы сделаете берег более плоским. Темнее остаются места, где мы лучше видим песок, куда почти не накатывает вода. Для таких мест в смеси должно быть больше охры и английской красной.

Когда начинаете детальнее прорабатывать берег, чтобы создать тонкий слой воды, смешайте белый с ультрамарином и совсем немного добавьте марса. Сухой кистью нанесите смесь на холст.

Далее смесью белил с охрой сделайте полосы полупрозрачной пены. Важно не давить на кисть, а легким движением проводить полосы. Если пена получается слишком белая, можно разбавить каплей синей краски.

Это основа, которую необходимо сделать, дальше ставьте акценты в зависимости от самой картины 👍🏻

На новом курсе Георгия «Я люблю тебя, сюжетная картина!» вы напишете нежный морской сюжет с детьми, которые гуляют по берегу моря. Мокрый песок, следы на нем и морская прибрежная пена — пишите это вместе с профессионалом. Подробнее программу курса можно посмотреть по ссылке https://int.jmaslom.com/iloveu

На чем рисовать жидким акрилом

На чем рисовать жидким акрилом

О красках и разбавители для техники Флюид Арт мы поговорили. Теперь узнаем, на чем же можно рисовать.

Можно использовать практически любую поверхность, предварительно загрунтовав ее акриловым грунтом. Основу для рисования часто называют планшетом или артбордом. Основные виды планшетов, которые можно встретить в магазинах для творчества, это:

— холст на подрамнике,
— планшет из фанеры на подрамнике из МДФ,
— планшет из ЛХДФ на подрамнике из МДФ,
— планшет из МДФ,
— заготовка для подноса, разделочной доски и пр. из массива дерева или фанеры.

В магазинах для творчества представлено довольно большое разнообразие планшетов. Можно выбрать любой формы и размера. Если вы выбираете холст, обратите внимание, чтобы полотно было туго натянуто. Иначе оно может провиснуть под тяжестью краски и испортить картину.

Мы уже отметили, что важно покрыть основу акриловым грунтом. Это нужно для того чтобы краска не впиталась в нее и не потеряла яркость. Перед началом процесса максимально ровно расположите планшет. Желательно, чтобы он лежал на четырех подпорках одинаковой высоты, например, на стаканах. Если вы не хотите, чтобы акриловая краска стекала по определенным местам основы – просто заклейте эти места малярным скотчем и полиэтиленовой пленкой. Также можно вырезать и наклеить какой-нибудь рисунок или фигуры, на которые не будет попадать краска.

Кроме краски, разбавителя и планшета вам также понадобятся одноразовые стаканчики и палочки, которыми вы будете перемешиваться краску.

Не так много материалов нужно, чтобы начать знакомство с интересной техникой Флюид Арт. Проходите регистрацию на открытый вебинар Надежды Ильиной и обучайтесь под руководством профессионала
🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=777122

Покрытие картины лаком

Покрытие картины лаком

Не секрет, что логическим завершением масляной картины является покрытие ее лаком после полного высыхания. В художественных магазинах вы можете увидеть разных производителей, которые выпускают лак в банке или в спрее. Что лучше использовать и как это делать правильно?

Обратите внимание, на каждом флаконе с лаком написано, что рекомендуется покрывать картину через полгода. Но если ваша картина подсохла, ее можно покрыть лаком и через месяц.

Положите картину на горизонтальную поверхность, нанесите лак и распределите его по всей поверхности с помощью кисточки или губки. Как только ваша картина покрыта тонким слоем лака, не спешите ее ставить снова в вертикальное положение. Пусть она полежит. Только через час можно ее повесить или поставить.

Если вы используете именно лак-спрей, то распыляйте его на расстоянии 20-30 см от картины (при этом картина также должна лежать). Я считаю, что спрей удобен, только если вам необходимо покрыть лаком сразу несколько картин. В таком случае вы используете балончик полностью.

Если же вы побрызгаете одну картину и отложите лак до следующего раза, то он может застыть в самом распылителе. А это чревато тем, что лак не будет так хорошо распыляться и на картину будут лететь отдельные капли лака. Обязательно учитывайте это.

Одного слоя вполне достаточно для покрытия. Есть матовые и глянцевые лаки, поэтому каждый выбирает то, что ему больше по душе.

На новом курсе Георгия Харченко «Я люблю тебя, сюжетная картина!» вы напишете атмосферные работы, которые буду дарить хорошее настроение долгие годы https://int.jmaslom.com/iloveu

Разбавитель для техники флюид арт

Разбавитель для техники флюид арт

Продолжим пополнять свои копилки знаний о технике Флюид Арт, которая хороша как для новичков, так и для опытных художников. Рисование жидким акрилом способно окрылить начинающих художников и подарить твердую уверенность в принятом решении творить. А опытным живописцам Флюид Арт подарит возможность разгрузить мозг, перестать думать о классических законах живописи и просто погрузиться в абстрактное искусство без строгих правил.

Итак, какой же разбавитель выбирают художники для этой техники.

✅ Разбавить акрил можно водой в соотношении 1:1. Если добавить воды больше, то акрил может потерять свои свойства. Используя в качестве разбавителя воду, помните, что она не только изменяет консистенцию, но уменьшает плотность пигмента. Из-за этого цвета становятся более блеклыми и не такими яркими. Если разбавлять акрил водой, будет очень сложно добиться четких контуров рисунка, так как цвета начнут смешиваться, и местами может образовываться грязь. Также при высыхании на поверхности акрила могут появиться трещины из-за быстрого испарения воды.

✅ В качестве разбавителя часто используют клей ПВА. Если вы только начинаете рисовать и ищите экономичный вариант, клей ПВА в сочетании с водой может стать хорошим вариантом для экспериментов. Клей сохраняет связующие свойства акрила, но делает краску менее яркой и может давать желтизну. Поэтому если вы используете в работе яркие пигменты, металлики, с клеем ПВА вы можете получить не тот результат, на который рассчитывали. Если вы все-таки решили использовать клей, выбирайте более качественный, не самый дешевый и применяйте его в сочетании с водой и специальным разбавителем.

✅ Чтобы не было негативных последствий, которые возникают при разбавлении водой и клеем ПВА, можно использовать специальный разбавитель или кондиционер Флоетрол (Floetrol). Благодаря этому компоненту акрил получает необходимые свойства для жидкой заливки.

1. Краска становится текучей и пластичной.
2. Сохраняется яркость и блеск.
3. Предотвращается появление трещин во время высыхания.
4. Сохраняется прилипание акрила к поверхности.
5. Формируется четкий рисунок.

Часто мастера комбинируют разные виды разбавителей и смешивают одновременно профессиональный медиум, воду и клей ПВА. Только с практикой вы придете к идеальному соотношению. Главное — помните, что вода не должна составлять более 30% от общего объема, чтобы не испортить свойства краски.

Учение всегда проходит легче и быстрее в компании профессионального художника, который имеет опыт работы в этой технике и систематизировал все знания. Напишите свою картину на открытом вебинаре Надежды Ильиной. Регистрация на вебинар по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=777122

Что художнику нужно знать для наработки мастерства

Что художнику нужно знать для наработки мастерства

Есть определенный фундамент, необходимый всем, кто стремится к мастерству. Как прийти к грамотно написанным картинам? Советы от Надежды Ильиной.

1. Учитесь выделять центр композиции. Особенно это важно для тех, кто хочет генерировать собственные сюжеты. Когда вы пишете по референсу, за вас центр композиции продумал автор. Если же вы сами придумываете сюжет, необходимо научиться выделять его самостоятельно.

2. Учитесь делать разбор в тоне. Важно уметь определять, что темнее, а что светлее в работе.

3. Передавайте объем. Неважно, что вы пишете: портрет, пейзаж, натюрморт, животное, — предметы и объекты должны быть объемными.

4. Изучайте конструкцию предметов. Художнику необходимо понимать, из чего состоит предмет, как происходит переход одного элемента в другой.

5. Изучайте законы световоздушной и линейной перспектив. Это особенно нужно при написании пейзажей.

6. Разбирайтесь в анатомии и пропорциях. Вам нужно понимать строение черепа, тела, пропорции лица и т.д. Здесь важно как моно больше практиковаться, чтобы в дальнейшем работать интуитивно.

7. Учитесь работать с цветом: смешивать, правильно расставлять блики, рефлексы, делать отражение.

Это минимальная база, необходимая художнику для написания грамотных картин. Если вы хотите усвоить необходимую базу и найти свой авторский стиль, приглашаем вас на курс Надежды Ильиной «Свобода» https://int.jmaslom.com/svoboda3

Флюид Арт — жидкое искусство

Флюид Арт — жидкое искусство

Флюид Арт называют еще искусством потока. Это название справедливо не только потому, что рисуют жидким акрилом, но оно также характеризует состояние художника в момент творчества. Ощущение потока гарантированно во время происходящего волшебства с жидким акрилом.

Краску на холст наносят с помощью заливки, разбрызгивания и другими методами. Акриловые краски взаимодействуют друг с другом и рождают неповторимые картины. Это взаимодействие позволяет раскрыть бесконечные творческие возможности, ведь пигменты смешиваются совершенно по-разному. Одно лишь наблюдение за смешением краски на холсте завораживает.

Основными компонентами для Флюид Арт являются акриловые краски и разбавитель. Акриловая краска смешивается с разбавителем до консистенции, похожей на жидкий мед. В смесь можно добавить силиконовое масло для создания клеток, ячеек, имитирующих пузыри или дырочки, а также разнообразные металлики, блестки, поталь, растворы для создания трещин и пр.

Далее смесь цветов выливают на холст и аккуратно наклоняют в разные стороны, чтобы краски смешались и сформировали рисунок. Изображение зависит от техники нанесения и вашей задумки. В итоге вы получите уникальное произведение искусства, которое нельзя в точности повторить снова. Флюид Арт дает безграничные возможности для фантазии: цветовые комбинации, различные добавки и наполнители, и, конечно, разнообразные техники.

Для техники подойдут любые акриловые краски, но помните, что качественные краски сохраняются гораздо дольше и не растрескиваются. Тем не менее, если вы впервые собираетесь попробовать эту технику, то подойдут и недорогие отечественные краски.

Готовы попробовать необычную абстрактную технику? Проходите предрегистрацию на новый курс Надежды Ильиной по Флюид Арт
🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=761639

Законы написания пейзажа

Законы написания пейзажа

Пейзаж — это прежде всего пространство. Даже в густом лесу есть разные планы: деревья спереди, на втором плане и вдалеке. Какими же средствами можно передать пространственные планы в живописи? Всё самое важное о написании пейзажа расскажет Георгий Харченко.

1. Разбивка на планы.
Разделите изображаемый вид на условные планы. Например, деревья спереди — первый план, поляна — второй, а полоса леса у горизонта — третий. Пространственных планов может быть разное количество, но не стоит усердствовать.

2. Линейная перспектива.
Согласно ее законам, все предметы при удалении уменьшаются в размерах. Это значит, что деревья спереди крупнее тех, которые на втором плане, а самые дальние деревья сливаются в сплошную полосу леса. На деревьях спереди можно прописать отдельные листочки, но не нужно слишком детализировать даже первый план, потому что листья и на первом плане сливаются в группы. Вдалеке же такое обобщение заметно сильнее.

3. Воздушная перспектива.
В соответствии с ее законами все предметы не только уменьшаются на заднем плане, но и становятся менее четкими. Воздушная масса, которая находится между зрителем и предметом вдалеке, меняет вид объекта. Чем больше расстояние между зрителем и предметом, тем больше это проявляется. Предметы практически исчезают, как будто погружаются в туман.

Из-за воздушной перспективы темные силуэты становятся светлее, а светлые темнее. В пейзажах художники сталкиваются с этим постоянно. Чтобы приблизить предмет, его делают более контрастным. Чтобы удалить, предмет делается размытым. Например, трава на переднем плане будет более сочной, чем у линии горизонта.

Чтобы пейзажи получались максимально реалистичными, художники используют разные приёмы, придумывают новые способы путём экспериментов. Тем не менее, есть некоторые традиционные средства, которые используются в живописи.

Например, чтобы приблизить ствол дерева, его пишут крупными мазками. Такая «грубая» работа создает иллюзию, будто дерево совсем рядом. Для этого можно использовать мастихин, чтобы красочный слой стал более рельефным.

Для дальнего плана растирают кистью красочную массу и избегают четких мазков.

На первом плане лучше сочетать полупрозрачные слои краски с пастозными, а на дальнем использовать больше непрозрачных слоев с добавлением белил. Из-за белил цвет теряет свою насыщенность, погружается будто в дымку, а именно это и нужно на дальнем плане.

Что же касается проработки деталей и обобщения, то это достигается путем использования разных кистей и мастихина. Большая кисть помогает писать обобщенно, тонкая — прорисовывать детали. Ребро плоской кисти делают мазки четкими, острыми. Кончиком мастихина также прописываются детали, а плоскость инструмента помогает обобщать, растирать, смазывать.

Помните о законах написания пейзажа, и тогда ваши работы будут максимально реалистичны.

Приглашаем вас на открытые вебинары с Георгием, которые состоятся 28 и 29 апреля. Регистрация по ссылке https://vk.com/app5898182_-172955253#s=764602

Чему художника учат этюды

Чему художника учат этюды

Как считает Надежда Ильина, этюды — это лучший способ расписаться. Во время работы над этюдом нет страха испортить лист. Этюды помогают набить руку. Когда вы пишете этюд с натуры, вы лучше чувствуете цвета. А это, в свою очередь, помогает прийти к своему колориту.

Благодаря частым тренировкам вы заметите, что у вас сформируется свой набор красок, который вы чаще используете. А это уже хорошая основа, которая положит начало отличию ваших работ от других авторов. По характерной цветовой гамме вы будете выделяться.

Этюд помогает увидеть объем, разнообразие оттенков и настоящие цвета, которые есть в природе. Чтобы начать путь к своему стилю, делайте больше этюдов, записывайте словами, что бы вы хотели передать на картине. Можно даже написать маленькую историю, чтобы войти в то состояние, которое будет передано на работе.

Если вы чувствуете, что хотите написать картину, но у вас нет времени сейчас на это, сделайте быстрые наброски и запишите словами, что нужно будет изобразить. Потом благодаря этим записям вы вернетесь к сюжету и вспомните свои ощущения, которые хотели передать.

Путь к своему стилю в сопровождении профессионального художника гораздо проще. Присоединяйтесь к курсу Надежды «Свобода», чтобы стать узнаваемым живописцем https://int.jmaslom.com/svoboda3

Живописное небо

Живописное небо

Небо в картине всегда занимает особое место. С помощью разных цветовых сочетаний мы можем сделать его ярким, жизнерадостным или хмурым, предвещающем бурю. Георгий Харченко делится одним из способов написания живописного неба.

1. Сначала покройте холст голубой краской. Затем начинайте работу с оттенками. Смешайте голубой с белилами и нанесите полностью поверх голубой краски, чтобы сделать цвет неба более сложным. Наносить краску можно в разных направлениях.

2. К горизонту небо всегда сгущается. Чтобы показать более густое небо, нужно смешать синий, белый и совсем немного краплака (буквально на кончике кисти). В итоге получается легкий фиолетовый цвет, который мы и наносим на нижнюю часть неба.

3. Можно с помощью белил добавить облаков, чтобы небо казалось более подвижным. Облака постепенно проваливаются в нижний слой, то есть верхняя часть облака всегда больше очерчена, чем нижняя. Если облака получились слишком густыми, то проредите их голубой краской.

4. Добавить живописности можно с помощью следующего приема: смешайте белый, немного желтого и каплю краплака, получится нежно-розовый цвет. Нанесите его точечно в разных местах по небу.

Хотите обучаться под руководством нашего маэстро? Тогда записывайтесь на открытые вебинары Георгия по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-172955253#s=764602

Акрил и его преимущества

Акрил и его преимущества

К акриловым относят краски, изготовленные с использованием различных полиакрилатов — полимеров сложных эфиров, соответственно, акриловой кислоты и иных схожих с ней соединений. Данные красящие вещества растворены в воде. Акриловые краски чаще всего применяются в целях покраски различных частей зданий, помещений, а также в живописи.

После высыхания акриловая краска приобретает высокую степень устойчивости к влаге. Картина, написанная художником с помощью акрила, долго хранится в первозданном виде. Единственное, нужно учитывать, что акриловые краски становятся немного темнее после высыхания.

Преимущества акрила 👇🏻

— вода, находящаяся в составе этих красок, высыхает очень быстро;

— «акрил» не образует трещин при высыхании;

— акрил не требует закрепления с помощью специальных веществ и лаков;

— это универсальная краска, с помощью которой можно рисовать не только на холсте, но и на стекле, деревянных поверхностях, металлах.

С помощью разных объемов воды или специальных наполнителей художник может сделать картину похожей на написанную маслом или акварелью. Кроме того, в качестве основы картины живописцы часто используют акриловую краску, а поверх нее кладут масляную.

Писали вы когда-нибудь акрилом? И хотите ли попробовать?

Скоро Надежда Ильина проведет для вас открытый вебинар, на котором вы сможете написать картину акрилом. Также напоминаем, что открыта предрегистрация на новый курс Надежды «Флюид Арт: от техники к преподаванию» 🌀 https://vk.com/app5898182_-36773250#s=761639

Важность световоздушной перспективы

Важность световоздушной перспективы

Уже 28 и 29 апреля Георгий Харченко проведет открытые вебинары, в ходе которых вы напишете романтическую сюжетную картину
🌀 https://vk.com/app5898182_-172955253#s=764602

Вы же помните, что знания световоздушной перспективы особенно важны при написании пейзажа? Поэтому мы решили напомнить несколько правил, которые нужно учитывать, чтобы написать грамотную работу.

1. Близкие предметы воспринимаются чётко, детально. Дальние предметы мы воспринимаем обобщенно.

2. Контуры у предметов, находящихся близко, мы видим отчётливо. Контуры дальних предметов — мягко.

3. Светлые предметы на большом расстоянии кажутся темнее. Тёмные, наоборот, воспринимаются светлее.

4. Все близкие предметы кажутся объемными, а дальние — плоскими.

5. Все предметы, расположенные вдалеке, становятся не такими насыщенными и принимают цвет воздушной дымки (молочно-бледный, голубой, фиолетовый).

6. Ближние предметы кажутся многоцветными, а дальние — одноцветными.

Все эти изменения важны при написании картины, чтобы правильно передать пространство и освещенность. Регистрируйтесь на бесплатные вебинары и оттачивайте знания на практике
🌀 https://vk.com/app5898182_-172955253#s=764602

Как перестать писать замученные картины

Как перестать писать замученные картины

Случалось ли, что вы смотрите на свою картину, которую долго продумывали, прописывали каждую деталь, и понимаете: она НЕ вдохновляет. Смотришь и нет чувства полета, легкости и наслаждения от созерцания…

Напротив, картина выглядит вымученной. Будто вам пришлось все силы отдать, при этом вы не испытывали удовольствия от процесса создания. Почему так происходит? Причины, конечно, могут быть разные. Но чаще всего происходит следующее 👇🏻

Вы стараетесь поместить в картину все, что вам нравится. Красивое раскидистое дерево, прекрасная беседка, бегущий ручей, довольная собака, … Вам хочется показать красоту каждого предмета, и вы все помещаете в один сюжет. Но этого слишком много. Картина выходит перенасыщенной. В ней нет воздуха и пространства, а значит, нет жизни.

Для художника важно уметь вовремя остановиться. Определиться, что главное и на чем хочется сделать акцент. Все остальное второстепенно. Избегайте выписывания каждой детали, тогда картина будет выглядеть свежо 👍🏻

Если вы хотите писать собственные сюжеты, найти свой стиль и стать узнаваемым, то вам пора на курс Надежды Ильиной «Свобода». Совсем скоро стартует 3 поток https://int.jmaslom.com/svoboda3

О мастихине в вопросах и ответах от Александры Черной

О мастихине в вопросах и ответах от Александры Черной

Инструмент, позволяющий создавать эмоциональные картины. Конечно же, это мастихин. После проведения первых мастер-классов в этой технике оказалось, что многие обходят его стороной. Кто-то не понимает, как можно отойти от привычного инструмента — кисти. Кто-то однажды попробовал писать мастихином, но опыт оказался неудачным. Напишите внизу в комментариях, почему ВЫ обходите мастихин стороной? Был ли уже неудачный опыт? Очень интересно будет почитать ваши ответы 👇🏻

Александра Чёрная влюблена в него и знакомит вас с мастихином, чтобы и вы могли прочувствовать всю прелесть работы с ним.

Александра отвечает на 3 вопроса, которые ей часто задают 🙋‍♀

1. Особенности работы с мастихином?

Желательно мастихином работать быстро и по-сырому. Для него лучше уложить на холст тонкий слой вещества краски с разбавителем или маслом в начале, чтобы потом было удобно двигать и укладывать краску мастихином. Удобнее им писать на холсте, натянутом на подрамник, чтобы поверхность холста немного прогибалась от нажатия мастихином.
Если приходится делать второй слой по высохшему слою краски, уложенному мастихином, то нужно брать ещё жирнее слой краски на мастихин, чтобы без сопротивления уложить его поверх.

2. Преимущества мастихина?

С мастихином можно не владеть рисунком и умением построения предметов. Можно брать зрителя техникой исполнения. Мастихин подходит тем, кто не усидчив или любит быстрый результат. Мастихин — это эффектная пастозная (густая) живопись.

3. Что даёт владение мастихином?

Владение мастихином — это сплошная психология и работа над собой. Я очень часто на своих занятиях наблюдала, как люди не готовы себя менять или, сталкиваясь с трудностями, не желали их решать. Мастихином, как правило, начинают писать темпераментные люди, у кого нет синдрома отличницы и кто может сделать и простить себе ошибки. Люди, более философского склада ума, более решительные и лёгкие.
Мастихин даёт возможность убрать страхи в себе, научиться получать удовольствие от жизни. Узнать себя с той стороны, которую подавляли или не замечали.

Если вы хотите научиться передавать эмоции в картине, писать быстро и выразительно, приглашаем вас на курс Александры «Мастихин для новичков: учимся передавать эмоции» https://int.jmaslom.com/new_mastihin

Как найти индивидуальность

Как найти индивидуальность

Художники, которые стремятся прийти к своему стилю, писать картины так, чтобы была видна их индивидуальность, должны выполнять как минимум 2 действия.

Во-первых, важно смотреть опыт других художников и перенимать его. Нет ничего стыдного в копировании. Каждый профессиональный живописец подтвердит, что это важный этап в становлении художника. При поиске необходимо перенимать накопленный до вас опыт.

Здесь важно понять, что именно вам нравится в тех художниках, которых вы копируете. Возможно, вас привлекает контрастность освещения, характер мазка, умение писать пейзаж и т.д. То же самое относится к мастер-классам. Через МК вы перенимаете опыт художника. Для вас важно анализировать и определять то, что вас привлекает. После таких учебных работ и выделения понравившегося переходите к самостоятельным работам, добавляя в них себя. Например, вы перенимаете опыт Шишкина писать листву, а потом используете его приемы в новых обстоятельствах.

Во-вторых, необходимо смотреть вокруг, так как окружающий мир дает много идей для воплощения. Будьте пытливы, придумывайте сюжеты на основе увиденного. Записывайте, зарисовывайте идеи и откладывайте их на будущее. Ярким примером такого пытливого взгляда служит картина Репина “Бурлаки на Волге”. Художник был впечатлен увиденным и заметил, насколько разный характер проявляется у бурлаков. Он решил зарисовать эти особенности. От первого эскиза и до готовой картины прошло 4 года. Работа была сразу продана. Так наблюдательность помогает появляться новым сюжетам. Кроме того, важен сам процесс создания: было сделано множество эскизов, на которых прорабатывались мельчайшие детали. Только когда весь паззл сложился в голове Ильи Репина, тогда он исполнил задумку на холсте.

Так работают все профессиональные художники. Они развивают наблюдательность, делают эскизы, продумывают весь сюжет и только после этого переходят к чистовому варианту.

Если вы стремитесь найти свою индивидуальность, стать узнаваемым автором, регистрируйтесь на 3 поток курса Надежды Ильиной «Свобода» https://int.jmaslom.com/svoboda3

Сколько нужно времени создать картину мастихином

Сколько нужно времени создать картину мастихином

Вам интересно, как долго зарождается сюжет в голове профессионального художника? Сколько проходит времени от идеи до воплощения. Александра Черная рассказывает о себе.

Как правило от зарождения идеи в моей голове до начала написания работы на холсте может пройти от 2 дней до нескольких месяцев. Я не начну картину, пока визуально не напишу ее в своей голове, вплоть до того, какие цвета я буду смешивать на том или ином участке холста.

И только тогда, когда в моей голове сложится полностью схема по написанию работы и терпеть уже станет невыносимо, я высвобождаю день на написание картины и приступаю. В 90% случаев я пишу за 1 сеанс по сырому. Даже когда метровый холст.

Я выжимаю всю себя на холст и эмоционально опустошаюсь. Иногда моя задумка не выходит, я остаюсь недовольна результатом и счищаю краску с холста. Если мое довольство все-таки перевешивает, то я оставляю холст до следующего дня и на свежую голову оцениваю свой результат. Как правило, уже оставляю краску на холсте и немного дорабатываю, либо картина высыхает в первоначальном варианте.

Для всех, кто хочет эмоций Александра создала курс «Мастихин для новичков: учимся передавать эмоции». Подробнее о курсе по ссылке https://int.jmaslom.com/new_mastihin

Этапы работы над авторской картиной

Этапы работы над авторской картиной

Не знаете, из каких этапов состоит путь к созданию авторской картины? Надежда Ильина рассказывает, что и в какой последовательности делает художник, чтобы в итоге написать СВОЮ картину.

✅ Делает наброски (эскизы). Это быстрая зарисовка в карандаше, она помогает расположить элементы на холсте. Например, вы хотите написать этюд. Значит, вам нужно продумать размер холста, очертить рамку для эскиза и в нее вместить те предметы, которые будут в работе. В первую очередь, на этом этапе продумывается композиция.

✅ Аналитические зарисовки картины. Они необходимы, чтобы понять конструкцию. Таким образом, вы отдельно можете зарисовать разные элементы будущей работы. Для натюрморта это может быть зарисовка виноградин, вишни, фруктов, сосудов, чтобы понять форму, распределить светотень и т.д.

✅ Этюд. В этюде вы изучаете выбранный вариант композиции в цвете. Вы сможете подобрать колорит, посмешивать краски, чтобы увидеть, какой именно итог вы хотите видеть. Этюд необходим для понимания цветового решения.

✅ Картина. После всех вышеперечисленных этапов вы переходите к написанию самого шедевра. В вашей голове уже сложился паззл, вы видите, какой будет итог, а потому смело на чистовую пишете.

Если вы хотите найти свой стиль, регистрируйтесь на 3 поток курса Надежды Ильиной «Свобода», чтобы пройти путь быстрее под руководством профессионального художника https://int.jmaslom.com/svoboda3

Поэтапный рисунок сухой пастелью

Поэтапный рисунок сухой пастелью

Порадуем себя вкуснейшим десертом от Юлии Капустиной. Чтобы нарисовать аппетитную пироженку следуйте рецепту:

1. Нам понадобится несколько оттенков охристых мелков! Заложите пятном основу и тщательно растушуйте её! Не забывайте о тенях и свете.

2. Теперь колдуем над начинкой. Возьмём мелочки вкусных ванильных оттенков для крема. Он должен получиться довольно густым, чтобы хорошо держать форму.

3. Ну и конечно же будет здорово посыпать наше пирожное сверху орешками и сахарной пудрой!

Вот, что вам понадобится для работы: 1 лист бумаги Canson cветлого оттенка, сухая пастель охристых, коричневых и бежевых тонов, влажные салфетки, клячка.

Если вы хотите изучить пастель от А до Я, записывайтесь на курс Юлии Капустиной https://clck.ru/MtSrz

Как написать гору

Как написать гору

Давно мы не писали горы 😉 Давайте наверстывать. А чтобы создание картины далось легче, на помощь спешат советы Вугара Мамедова.

1. Поставьте несколько цветовых пятен на месте неба и горы. Если на небе предполагаются облака, освещаемые солнцем, то эти места можно обозначить фиолетовыми или красноватыми оттенками.

2. Наметьте контур горы.

3. Закрасьте основание горы более темными оттенками, например темно-синим, коричневым. Верхушка будет светлее. Здесь может быть серый оттенок, немного коричневого.

4. Небо закрасьте голубым (смесь ультрамарина с белилами), а там, где облака пользуйтесь нужной смесью. Например, краплака красного с белилами. С помощью белил с оранжевым вы можете обозначить мягкие края облаков.

5. Снег, лежащий в тени, обозначьте нежно-сиреневым цветом. Более светлые участки отметьте светло-серым.

6. Теперь пришла пора поработать мастихином. Для снега в тени берем ультрамарин, белила, можно добавить голубую фц и краплак. Оттенок должен быть темно-голубой.

7. Серый цвет необходимо нанести дополнительно на то место, где есть впадина у горы. Смесью оранжевого и сиены обозначьте камни на склоне, которые оголились от снега.

8. Скользящими движениями обозначьте самые светлые участки с помощью белил.

Для всех желающих понять тонкости работы над пейзажем Вугар Мамедов записал видеокурс. Подробнее и курсе и регистрация по ссылке https://int.jmaslom.com/mamedov

Совет Вугара Мамедова при написании рассвета

Совет Вугара Мамедова при написании рассвета

Небо — это всегда огромное разнообразие для художника. Каждый раз его можно написать по-разному. Сегодня один из способов написания светящегося рассвета от Вугара Мамедова.

1. Наметьте белилами то место, где у вас будет солнце. Нарисуйте небольшой круг. Это будет самое светлое пятно.

2. Смешайте белила и желтый средний. С помощью смеси создается ореол вокруг белого. Здесь стоит оговориться, что не нужно привязываться к определенным краскам. Если нет желтого среднего, вполне можно использовать светлый желтый или даже лимонный.

3. Следующий круг будет с оттенком оранжевого. Так получается плавный переход от самого светлого к более насыщенному, светящемуся оттенку. А дальше уже идет оттенок неба, который вы хотите передать в своей работе. Он может быть с сиреневыми отголосками.

4. Чтобы сгладить все переходы на солнце, возьмите широкую синтетическую кисть. Это может быть строительная кисточка. Важно, чтобы кисть была мягкой, так как щетина оставляет следы. Этой кисточкой пройдитесь по всем цветовым переходам, чтобы цвета плавно переходили один в другой. Главный момент — не прыгать с места на место, не делать резких движений. Действуйте именно на стыке двух цветов, затем плавно переходите к границе следующий оттенков.

Приглашаем вас на видеокурс Вугара «Этапы грамотной работы над созданием пейзажа» https://int.jmaslom.com/mamedov

Какую бумагу выбрать для сухой пастели

Какую бумагу выбрать для сухой пастели

Вы уже подготовили необходимые материалы для курса по сухой пастели, который стартует 17 апреля https://clck.ru/MtSrz? Если вы растерялись и не знаете, какой бумаге отдать предпочтение, то вот небольшой обзор от Юлии Капустиной 👇🏻

Для начала, нужно отметить, что результат в пастели очень зависит от качества материалов. Поэтому лучше купить пару листов качественной бумаги и основной набор мелков, которые помогут создавать хорошие рисунки. Если бумага не очень качественная, то выразительный рисунок получится на ней только при наличии очень дорогой, профессиональной пастели.

Итак, описание разной бумаги, которую могут использовать для пастельных рисунков.

1. Акварельная бумага.

Не лучший вариант для пастели, так как её фактура слишком выражена. На такой фактуре нельзя сделать детализированный рисунок. Кроме того, такая выраженность делает заметными «поры», которые образуется от мазка. На картине это смотрится некрасиво. Сам белый цвет акварельной бумаги тоже не подходит.

2. Бумага марки Fabriano.

Эту бумагу Юлия не очень любит, так как она не вбирает в себя несколько слоев пастели, а пастель — послойная техника. Поэтому бумага должна хорошо держать минимум 2-3 слоя. Некоторые ученики, которые выбирают эту марку, жалуются, что рисунок получается замыленным, а не ярким, как хотелось бы.

3. Наждачная бумага.

Если вы её выбираете для творчества, отдайте предпочтение более зернистой бумаге (например, 220). По цвету выбирайте серый или чёрный. В целом, эта бумага гораздо лучше, чем два первых варианта.

4. Бумага Lana.

Такая бумага по структуре больше похожа на холст для живописи. Она так же не держит нужное количество слоев пастели, поэтому её нежелательно использовать для работы.

5. Бумага Canson Mi-Teintes.

Это профессиональная бумага, которая хорошо подходит для творчества пастелью. Здесь более крупные соты, чем в предыдущем варианте. Она хорошо держит несколько слоев пастели, а при растушёвке пигмент отлично заполняет соты. Эту бумагу можно найти в обычных художественных магазинах. Стоит она так же, как Lana и Fabriano, но по качеству превосходит их. Юлия отдаёт предпочтение марке этой бумаги под номером 431, так как этот цвет отлично подходит под любой сюжет. Обязательно обращайте внимание на наклейку на самой бумаге, потому что часто на стойке с надписью Canson лежит совершенно другая бумага.

6. Бумага Velur (Хамимюле)

Идеально подходит для пастели. Здесь используются другие приёмы при рисовании, чем в работе с другими материалами, потому что эта бумага имеет другую фактуру. На ней не нужно растушёвывать пигмент, мелок сразу заполняет бархатистую поверхность, не оставляет следов, пор. Бумага специфичная, к ней нужно привыкнуть. Также её не всегда можно найти. В крупных городах смотрите такую бумагу в больших магазинах для художников, например, «Арт-Квартал». В целом, она обычно продаётся в интернет-магазинах для художников. Из минусов — цена, которая значительно отличается от цен на другие виды бумаги.

Ждем вас на курсе «Пастель от А до Я». Подробности и регистрация по ссылке https://clck.ru/MtSrz

Необходимость эскиза

Необходимость эскиза

Надежда Ильина советует всем начинающим художникам делать маленькие эскизы картин, которые вы хотели бы написать. Когда у вас возник в голове образ, не торопитесь его сразу же переносить на большой холст, потому что впоследствии может оказаться, что вы где-то не рассчитали пространство; необходимо подвинуть то, что уже написано, или не хватает воздушности.

Для того, чтобы избежать ошибок, возьмите за правило делать эскизы своих будущих картин. Совсем небольшой участок нужно выделить на листе и прорисовать все те детали, которые будут на итоговой работе.

Всегда очерчивайте участок, где прорисовываете нюансы, чтобы вы четко понимали, где что начинается и заканчивается. Сделайте как минимум две-три зарисовки, а затем лучшую переносите на холст.

Делайте эскиз к каждой работе, потому что в итоге это сэкономит ваше время и силы при создании итоговой большой картины. Вы уже заранее будет видеть композицию, проработаете ошибки, возникшие на эскизе, а также сможете собрать целую коллекцию для вдохновения на будущее.

Для самых терпеливых Надежда рекомендует также во время работы над эскизом продумывать тон (что темнее, а что светлее), например, при написании человека с фонариком нужно понимать, что фон будет тёмным, а фигура светлая. Если же вы пишите портрет, который пронизан солнечным светом, то ситуация будет обратная: фигура человека более темная, чем задний фон.

Такие нюансы нужно для себя понимать заранее, на этапе создания эскиза. Можно маленький эскиз нарисовать красками, чтобы раскинуть все цветовые пятна, и уверенно приступить к работе на большом холсте.
Это самый верный путь при создании картины.

Приглашаем вас на марафон Надежды Ильиной, который станет первой ступенью по созданию вашей авторской работы «Моя первая авторская картина: 12 шагов от идеи до эскиза». Участие бесплатное. Регистрируйтесь на марафон по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-193376737#s=715830

Как сохранить работу, написанную сухой пастелью

Как сохранить работу, написанную сухой пастелью

Техника пастели приобрела широкую популярность и достигла своего расцвета в XVIII веке. Однако, художников постоянно волновала проблема сохранности произведений.

Еще Д.Дидро высказывал знаменитому пастелисту М.К. де Латуру свои опасения, что взмах крыльев времени не оставит ничего от славы великого мастера и драгоценная пыль исчезнет с поверхности, и часть ее рассеется в воздухе. К счастью, его опасения не оправдались. Пастель оказалась достаточно выносливой.

Как же сохранить работу, написанную пастелью? 👇🏻

Перед тем, как подобрать раму и паспарту для картины, необходимо зафиксировать пастель, чтобы она не осыпалась. Современным художникам предоставляется выбор уже готовых фиксативов фабричного производства, они продаются в художественных магазинах. К примеру, закрепитель итальянской фирмы «Ferrario». Некоторые используют обычный лак для волос, но он может затемнить работу или даже оставить на ней мелкие капли.

Фиксатив наносится в несколько этапов, иначе бумага от обилия влаги начнет деформироваться, да и для самой пастели это вовсе не желательно. Однако, не все художники закрепляли свои произведения, считая, что даже минимальное количество влаги в соприкосновении с пастелью безвозвратно изменяет её очарование.

Главную роль в сохранении пастели играет, безусловно стекло. Пастель, как правило, нуждается в паспарту – листе картона или плотной бумаги, имеющих «окно», в которое вставляется сама работа. В этом случае паспарту выполняет роль не только самого оформления, но и предохраняет красочный слой от излишнего соприкосновения со стеклом.

При соблюдении правил хранения и окантовки ваша пастель никогда не потеряет своего первоначального очарования и сохранит колористическую гамму, природную бархатистость и пушистость.

Если вы хотите написать нежнейшие работы этим материалом, приглашаем вас на курс Юлии Капустиной «Пастель от А до Я». Предрегистрация доступна по ссылке https://vk.com/app5898182_-169064466#s=715621

Особенности написания северного неба

Особенности написания северного неба

Елена Зыкова продолжает делиться полезностями по работе с акварелью. Сегодня вы узнаете об особенностях написания северного неба.

В северном пейзаже все совсем иначе, чем в южном. Здесь преобладают спокойные цвета, свет от полутени едва отличается. При написании вечернего пейзажа даже белые предметы никогда не будут белого цвета, а поскольку работа акварелью идет от светлого к темному, то важно помнить, что в такой работе не нужно оставлять белые, не тронутые краской места.

Например, для написания неба вы можете использовать замес любых желтых и красных цветов, добавив в них немного синего. Если на листе вы видите, что небо получается слишком ярким, смочите еще раз кисть и растяните краску. Тем самым вы сделаете цвет менее интенсивным. Также при написания неба помните о том, что это самое светлое пятно на картине.

Голубую часть неба или отражение его в воде можно написать с помощью смеси ультрамарина, серого и краплака. Получится спокойный сероватый цвет. Если на небе есть облака, то используйте ту же смесь, но сделайте ее гуще. Параллельно облака переносятся и на отражение. Кроме того, в воде могут отражаться и те облака, которые не видны нам на небе, но мы понимаем, что они есть выше. Дальние облака всегда светлее тех, что ближе. Чтобы сделать их не такими насыщенными просто легко разгоняйте краску влажной кистью.

На новом курсе «Состояния воды акварелью» вместе с Еленой вы сможете написать северный пейзаж, обращая внимания на все особенности при работе с ним. Переходите по ссылке, чтобы посмотреть сюжеты курса 🌀 https://int.jmaslom.com/water

Рисуем розу по шагам пастелью

Рисуем розу по шагам пастелью

Весна всегда ассоциируется с цветами. Давайте добавим цветочного настроения с помощью сухой пастели. Юлия Капустина показывает по шагам, как нарисовать розу👇🏻

1. Пишем на темной бумаге, чтобы подчеркнуть яркость цветка. Намечаем контур светлым пастельным карандашом.
2. Наносим пастельными мелками основные цветовые отношения.
3. Аккуратно растушевываем пальцами пастель, размываем границы.

4. Усиливаем более яркие оттенки на лепестках и листьях.
5. Добавляем блики на листьях и высветляем сердцевину бутона на кончиках лепестков.
6. Аккуратно подчеркиваем линией пастельного карандаша все необходимые детали.


Очень скоро Юлия проведет марафон по пастели «Где цветок — там и мелок». Участие бесплатное. Проходите регистрацию на марафон по ссылке https://vk.com/app5898182_-169064466#s=715561

Особенности написания деревьев вдалеке акварелью

Особенности написания деревьев вдалеке акварелью

Как вы помните, акварельные приемы предлагают широкие возможности для художников. Сегодня Елена Зыкова расскажет несколько особенностей, как написать деревья в пейзаже.

1. Если вы пишете пейзаж, где на дальнем плане группы деревьев, то самую дальнюю линию можно изобразить следующим образом👇🏻

Смешайте нужные цвета в зависимости от самого пейзажа. Например, для вечернего пейзажа это может быть смесь ультрамарина и сиены натуральной. У вас получится совсем легкий намек на зеленый оттенок. Добавьте побольше воды. При этом, сам лист также должен быть достаточно влажный. Затем поставьте точку там, где необходимо изобразить дерево, и посмотрите, насколько широко растекается точка. Если она слишком расползается, подсушите лист. Если совсем не растекается, то смочите бумагу. Так точечно нанесите ряд деревьев в линию. Делайте деревья разной высоты, чтобы смотрелось более естественно.

2. Те деревья, которые находятся чуть ближе, имеют более интенсивный оттенок. Поэтому смесь остается прежней, но воды в ней теперь должно быть меньше. За счет меньшего количества воды, краска уже не будет настолько растекаться, как при написании самых дальних деревьев. Вы точечно изображаете растительность, формируя кроны. Если у вас есть солнце в пейзаже, то немного добавьте на макушки деревьев желтого или оранжевого цвета.

3. Если есть деревья, которые находятся ближе к зрителю, то они становятся еще темнее, теплее.

Поскольку акварель растекается на влажном листе, то важно знать такой момент👉🏻 Если вы наблюдаете за тем, как растекается краска и понимаете, что хотите оставить именно этот вариант, не хотите ждать, как дальше изменится результат, то просто зафиксируйте феном тот момент, который словили.

На новом курсе Елены Зыковой вы научитесь писать акварелью разные состояния воды. Регистрируйтесь на курс по ссылке https://int.jmaslom.com/water

Маскировочная жидкость для акварели

Маскировочная жидкость для акварели

В отличие от других техник в акварели нужно заранее продумывать, какие места в картине остаются белыми. Уже исходя из этого планируется ход работы. Например, на фото вы видите котенка, у которого определенные участки шерсти, усики, блики на глазках белого цвета.

Чтобы сохранить чистый белый цвет по окончании работы, можно воспользоваться специальной маскировочной жидкостью. Она продается в художественных магазинах в разных баночках. Маскировочная жидкость представляет собой жидкую резину. Если ее нанести на лист и дать высохнуть, она превратиться в резину. Важно — наносить жидкость нужно на чистый лист. Чтобы маскировка быстрее высохла, можно подсушить ее феном.

По сухой маскировке вы можете писать свою картину, а в конце работы аккуратно удалить ее с листа. Так вы сохраните необходимые участки чистого белого цвета.

Очень удобна маскировочная жидкость в баночке с тонким наконечником. Прямо ею рисуйте по бумаге в нужных местах. Если же баночка без наконечника, то используйте тонкую кисточку для нанесения белых линий. Для этих целей подходит только синтетика. Чтобы не испортить кисточку, смочите ее предварительно в густом мыльном растворе. После окончания работы, остатки маскировочной жидкости с нее легко удалятся.

Если вы хотите погрузиться в тонкости акварельной техники, регистрируйтесь на курс «Состояния воды акварелью» https://int.jmaslom.com/water

Особенности написания пейзажа в яркий солнечный день

Особенности написания пейзажа в яркий солнечный день

Сегодня Елена Зыкова расскажет об особенностях пейзажа при ярком солнечном свете. На первый взгляд может показаться, что южные пейзажи отличаются яркостью. Ведь на юге много света и солнца, значит, краски должны играть разными оттенками. Но оказывается все иначе.

Света и солнца действительно много. Но такое освещение высветляет все предметы и лишает их яркости. Все яркие предметы становятся похожи друг на друга. При этом, тени очень темные, практически черные. Цвет предмета проявляется только в полутенях.

Чтобы было понятнее, можно провести аналогию с фотографией. Возможно, вы замечали, что когда фотографируете предмет на ярком солнце, предметы становятся белыми. То же самое получается с картиной. На такие особенности не обращаешь внимание, пока не начинаешь рисовать на пленэре в солнечный день. Поэтому, когда вы рисуете южный пейзаж при ярком солнце, то все освещенные предметы делайте бледными.

Например, как можно при таком освещении написать песок на пляже 👉🏻 Возьмите немного желтой охры и золотистый. Прикиньте на палитре, сколько необходимо добавить воды, чтобы цвет был как можно светлее. Освещенные места делайте еще светлее, убирая смоченной широкой кистью пигмент. Затем добавьте в смесь какой-нибудь цвет потемнее и получившимся оттенком создайте объем. Этот оттенок обозначит полутень. А самые затемненные места сделайте, например, с помощью смеси ультрамарина и краплака. Смешиваясь на бумаге с предыдущим цветом, они дадут естественные тени.

На  курсе «Состояния воды акварелью» вы сможете потренироваться писать южные и северные пейзажи. Подробнее о курсе и регистрация по ссылке https://int.jmaslom.com/water

Как правильно учиться по вебинарам. Совет Елены Зыковой

Как правильно учиться по вебинарам. Совет Елены Зыковой

Каждый ученик выбирает для себя способы наиболее эффективного обучения. Сегодня Елена Зыкова дает вам совет, как можно обучаться по вебинарам (если есть запись).

✅ Первый раз просто просмотрите мастер-класс. Слушайте и смотрите внимательно, что делает художник. Так у вас выстраивается логический план действий. Вы начинаете понимать, что и почему нужно делать.

✅ Второй раз снова включите мастер-класс и пишите вместе с художником. Ставьте при необходимости урок на паузу. Таким образом, вы пишите вместе с художником.

✅ А вот третий раз напишите картину полностью самостоятельно. Причем сделать это надо сразу после предыдущего. У вас на экране может быть итоговая картинка либо вы можете распечатать ее. На листе цвета будут выглядеть совсем иначе, поэтому удобнее для начинающего художника именно бумажный носитель.

Таким образом, у вас есть предыдущая работа, которая служит эскизом, и теперь вы приступаете к чистовому варианту. В таком случае вы можете видеть, что хотите что-то изменить или дополнить. Например, сделать гладь воды более насыщенной или небо светлее.

Наш педагог-акварелист Елена Зыкова подготовила для вас новый курс, на котором вы сможете изучить детали написания воды в разных состояниях. Предрегистрация на курс уже открыта
🌀 https://vk.com/app5898182_-186385707#s=704749

Создаем картину по шагам

Создаем картину по шагам

Для тех, кто хочет не только рисовать по референсам, но и создавать свои работы, Кристина Горбунова разработала насыщенный курс «Тушь: фантазируй — воплощай», на котором вы будете учиться работать этим интересным материалом. А пока что напомним этапы при создании картины.

1. Определите линию горизонта. Помните, что она не может быть посередине листа (либо ниже, либо выше).

2. Решите, сколько планов будет.
Обычно их три, но можно обойтись двумя планами.

3. Определить, что будет в центре композиции.
Центр не может быть размещен слишком низко или высоко.

4. Продумайте возможные варианты размещения тех предметов, которые вы хотите изобразить. Выберите наиболее понравившийся и набросайте его.

5. Теперь пришло время работать тушью.
Закрашивая рисунок, помните о тональных отношениях. Чтобы получить оттенок посветлее, добавляйте больше воды. Проверяйте получившийся тон на отдельном листе.

6. Делайте заливку быстро, чтобы тушь не успевала высыхать. Контуры обводите пером.

7. Доделайте последние штрихи, мелкие детали и, конечно, тени.

 

Создавайте свою сюжеты тушью после прохождения увлекательного курса Кристины Горбуновой «Тушь: фантазируй — воплощай» https://int.jmaslom.com/tush2

Оформление графики

Оформление графики

Представьте, что вы уже нарисовали интересные графические работы. Возможно, у вас в папочках даже хранятся неоформленные картины. Как же их красиво оформить, чтобы они стали достойным украшением на стенах?

Практически всегда графика оформляется в паспарту. Для бывалых художников здесь не возникнет вопросов, а вот новички могут впервые слышать «паспарту». Поэтому поясняем.

Паспарту — кусок картона или бумаги с вырезанным в его середине четырёхугольным, овальным или круглым отверстием под рамку, в которую вставляют фотографию, рисунок или гравюру. Это позволяет свободнее подбирать размер рамки под размер изображения. Кроме того, на паспарту часто располагают поясняющие подписи, автограф изображённого.

Есть способ довольно просто оформить работу в паспарту без вырезаний. Для этого в художественном магазине купите любую цветную бумагу для пастели. Выбирайте тот цвет, который вам нравится, потому что для графических работ подходит любой оттенок.

Здесь важно купить лист больше, чем картинка. Например, если вы рисуете на листе формата А5, для паспарту вам нужна бумага размера А4. Затем посередине приклеиваете ваш рисунок и помещаете в раму под стекло. Все, теперь ваша работа получила достойное оформление 👍🏻

Создать картины, достойные хорошего оформления, вы сможете на курсе Кристины Горбуновой «Тушь: фантазируй — воплощай». Подробнее о курсе и регистрация по ссылке https://int.jmaslom.com/tush2

Материалы, которые используют в декоративной живописи

Материалы, которые используют в декоративной живописи

Уже завтра ученики вместе с Надеждой Ильиной начнут постигать азы декоративной живописи и создадут 3 интерьерных работы https://int.jmaslom.com/interier А сегодня мы поговорим о том, с помощью каких материалов можно создавать интерьерные работы.

На самом деле, для этого жанра подойдут любые краски. Можно творить маслом, гуашью, акрилом, темперой, силикатными и восковыми красками.

В качестве основы используется не только привычный холст, но и металл, дерево, разные ткани, стекло и древесина. Для росписи применяются ткани, имеющие белую или светлую однотонную окраску.

Применяются такие ткани:
— хлопчатобумажные (бязь, ситец, мадаполам, шифон);
— льняные (полотно, холст);
— шелковые (крепдешин, креп-шифон, креп-жоржет, натуральный шелк, ацетатные ткани);
— штапельные и смешанные ткани.

Можно использовать соль с некоторыми видами красок. Применяется при выполнении свободной росписи путем посыпания ее на влажные участки. Так как соль поглощает (впитывает) влагу, происходит изменение цвета и светлоты нанесенного красочного слоя. На основе появляются причудливые и оригинальные по форме
фактуры. Зернистость соли влияет на результат, так, к примеру, соли
крупного помола и «Экстра» создают более резкие высвечивания красочного слоя.

С помощью краскораспылитель или аэрограф распыляют краски по поверхности холста. Некоторые мастера пользуются трубочка для коктейля. Этот инструмент применяется в свободной росписи для раздувания капли краски: краска перемещается, создавая эффект паутины или веток дерева.

Активно применяется поталь и текстурная паста при создании декоративной работы. Вы можете внести неповторимые элементы благодаря этим материалам, а как это сделать, расскажет Надежда Ильина на курсе «Интерьерная живопись». Регистрируйтесь и создавайте интересные работы 🌀 https://int.jmaslom.com/interier

Разные фактуры тушью. Кирпич

Разные фактуры тушью. Кирпич

Чтобы передать фактуру кирпича тушью, воспользуйтесь советами Кристины Горбуновой

1. Сначала наметьте контур того предмета, который рисуете. Труба, кирпичный дом и т.д.
Делайте это карандашом, соблюдая пропорции. При необходимости убирайте лишнее резинкой. Делайте кирпичики разных размеров.

2. Затем обведите контур с помощью пера.
Помните, что не стоит набирать много туши, чтобы не получились случайные кляксы. Для этого тушь можно наливать прямо в крышечку, туда и обмакивать перо.

3. Подчеркните объемность кирпичика.
Для этого отдельные линии сделайте жирнее с помощью пера. Какие-то линии делайте толще, какие-то тоньше.

4. Теперь пришло время поработать кистью.
Кирпичи должны быть достаточно темные. Тем не менее, не стоит их делать по тональности все одинаковыми. Некоторые кирпичи делайте темнее, некоторые чуть светлее. Это зависит от того, откуда падает свет.

5. Пространство между кирпичиками может оставаться незакрашенным. Только теневую часть делайте сероватой для объемности.

6. Дополнительные пятна на передних кирпичиках.
Добавьте темных пятен на те кирпичи, которые находятся спереди. Можно закрашивать не весь кирпич, а его часть, имитируя сколы.

Если вы хотите убедиться, что тушью можно создавать очень интересные работы, обязательно присоединяйтесь к курсу Кристины «Тушь: фантазируй, воплощай». Предрегистрация доступна по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-179638833#s=683506

Как нарисовать дерево тушью

Как нарисовать дерево тушью

Сегодня Кристина Горбунова расскажет вариант, как нарисовать тушью дерево. На фото вы видите работу ученицы Кристины.

1. Делаем заливку и формируем крону.
Разведите тушь водой, чтобы заливка получалась не очень темная. Точных пропорций нет, делайте по ощущениям. Важно, чтобы она не была слишком темной или, наоборот, светлой.

2. Дайте несколько минут подсохнуть заливке.
Это нужно для того, чтобы следующий слой не растекался по слишком влажной бумаге.

3. Прорисовываем крону.
Теперь нужно взять более насыщенный оттенок туши и мелкими мазками прорисовать крону. Они должны быть короткими и чем-то напоминать форму дельфина. Участки, которые лучше освещены на кроне, прорисовывайте более светлее.

4. Всегда держим в голове форму дерева и принцип распределения света и тени.
Чем дальше дерево, тем меньше тональная разница между светом и тенью. Старайтесь, чтобы мазки небыли одинаковыми.

5. Выделяем нижний контур.
Нижний контур может быть темнее, так как под деревом — падающая тень.

Если вы хотите убедиться, что тушью можно создавать очень интересные работы, обязательно присоединяйтесь к курсу Кристины «Тушь: фантазируй, воплощай». Предрегистрация доступна по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-179638833#s=683506

Подойдет ли дешевая тушь

Подойдет ли дешевая тушь

Когда художник делает первые шаги в графике, он теряется в выборе материалов. Кристина Горбунова считает, что рисовать тушью очень бюджетно, поэтому можете смело пробовать себя в роли графика и не бояться за свой кошелек. На фото — работа ученицы Кристины👍🏻

Тушь — основной инструмент, который нам необходим. Есть дешевые и дорогие варианты. К дешевым можно отнести тушь фирмы Koh-i-noor. Маленький пузырек такой туши обойдется примерно в 50 рублей. Ее очень легко найти в канцелярских магазинах. Она отлично подойдет для первых шагов, а также для тех, кто чувствует себя уже довольно уверенно в рисовании тушью.

Даже опытные художники используют этот недорогой вариант для заливок. Более дорогие фирмы просто жалко использовать на заливку, их лучше приберечь для прорисовки деталей.

❗ Единственное, что надо помнить, — откройте пузырек с тушью в магазине и понюхайте ее. Если вы чувствуете неприятный запах, значит, тушь уже начала портиться и скоро она совсем станет непригодной для рисования. Не покупайте ее. Также, поскольку она на водной основе, то очень быстро портится или засыхает на солнце и в тепле. Храните ее в холодильнике или на подоконнике, куда не попадают солнечные лучи.

Из примеров дорогой туши можно отметить «Kandahar» английского производства. Это очень качественная водостойкая тушь, которая практически не выгорает на свету. Есть и более дорогие варианты, но на них тратиться уже лучше тогда, когда вы уверены в своем мастерстве.

Если вы не успели записаться на курс по туши в прошлый раз и очень хотите освоить этот материал, ловите возможность обучаться по самой выгодной цене после прохождения предрегистрации
🌀 https://vk.com/app5898182_-179638833#s=683506

Этапы при создании интерьерной картины

Этапы при создании интерьерной картины

Конечно, каждый художник приходит к тому способу написания и использует те техники, которые ему особенно по душе. Мы же разберем основные этапы при создании интерьерной картины, которые стоит использовать начинающим интерьерным живописцам.

1. Эскиз
Это очень важный этап. Тут устанавливается местоположение элемента на холсте, вырабатываются его основные пропорции.

2. Зарисовка тематически выбранных предметов
Художник рисует формы, пропорции, характер дополнительных элементов картины. Художник переходит от более крупных деталей к мелким с учетом законов перспективы.

3. Стилизация элементов декоративной живописи
Что такое стилизация? Это понятие включает в себя следующее:

— простоту линий и форм;
— обобщенность всех элементов картины;
— символический посыл;
— соблюдение законов геометрии;
— красочность;
— передачу ощущений.

4. Выбор цветовой гаммы
На этом этапе устанавливается основной цвет, тональные переходы, игра теней и контрастов и т.д.

5. Формирование целостного рисунка

Если вы хотите создать интересные интерьерные работы, которые украсят ваш дом или станут отличным подарком, регистрируйтесь на новый курс Надежды Ильиной 🌀 https://int.jmaslom.com/interier

Композиция в декоративной живописи

Композиция в декоративной живописи

От того, как автор видит композицию будущей картины, зависит и восприятие ее зрителями. Обычно художник всегда пытается передать в картине идею, дать зрителям общий посыл. Поэтому и основной элемент, и подчиняющиеся ему детали несут одинаково важную роль.

✅ Особенности декоративной живописи в том, что способы построения композиции таких картин делятся на два типа:

1. Художник сосредоточен на одном конкретном предмете. Этот предмет доминантный, а все остальные предметы, изображенные на картине, дополняют и подчиняются ему. Если вы видите такую картину, то сразу сразу же сфокусируете взгляд на том конкретном, особенности которого и стремился передать автор.

2. Художник передает «единый ансамбль». В таком случае нет доминирующей составляющей. Все предметы органично сосуществуют на полотне и дополняют друг друга. При взгляде на такую работу, вы сразу поймете: особенность ее в том, что ни на одной детали невозможно задержать долгий взгляд, так как они не самостоятельны и плавно перетекают в другие элементы.

Каким бы ни был способ построения композиции, уверенно можно сказать одно: интерьерная картина дополнит и украсит любое помещение. Создавайте свои интерьерные картины вместе с Надеждой Ильиной на курсе по интерьерной живописи — записывайтесь на бесплатный вебинар по ссылке 🌀 https://int.jmaslom.com/kak_stat

Особенности создания интерьерной работы

Особенности создания интерьерной работы

Вот что нужно помнить, если вы хотите написать интересную картину для интерьера 👇🏻 Это характерные особенности интерьерной живописи.

1. Изменяются пропорции между предметами или внутри одного предмета. Может нарушаться пространственная перспектива или полностью отсутствовать.

2. Форма преобразовывается через усиление наиболее характерного. Один объект лучше выделяется, контрастируя с другим.

3. Частично или полностью отказываются от объемной формы предметов (сочетание объема и плоскости, или плоское силуэтное изображение). Один и тот же объект может изображаться под разным ракурсом.

4. Поиск новых колористических гамм: выявление декоративно-экспрессионистических возможностей цвета, использование активных сочетаний основных цветов, выявление фактур, локальных цветовых пятен, присутствие черного или цветного контура.

5. Орнаментация плоскости. Все части, детали, линии объекта сплетаются в единый орнаментальный узор.

6. Аналитический подход или творческая интерпретация натуры, т. е. способ изображения предметов, разложением его на простейшие объемы, показывая внутреннюю структуру предмета.

Несмотря на условность, интерьерная живопись рассказывает о природе, людях, истории. Более подробно изучить особенности интерьерной живописи и на практике применить их вы сможете на бесплатном вебинаре Надежды Ильиной. Регистрация на вебинар по ссылке https://int.jmaslom.com/kak_stat

Интерьерная живопись

Интерьерная живопись

Интерьерная живопись призвана украшать. Многие считают ее несерьезной, потому что художники склонны излишне упрощать при написании интерьерных картин. На самом деле, она требует применения все тех же законов живописи.

Интерьерные картины характеризуются изысканными, отточенными деталями. Такая живопись довольно популярна среди покупателей, так как она не имеет глубокого смысла и понятна зрителю. Итак, цель интерьерной живописи — создание гармоничного сосуществования картины с другими деталями интерьера.

Чаще всего художник работает разными красками, но может выбрать для картины тушь или карандаш.

Интерьерное искусство имеет определенные рамки. Художник должен уделить особое внимание уплощению пространства, колориту, стилизации. Важно логически продумать композицию таких работ. Интерьерная работа может быть большого формата, а может состоять из нескольких маленьких картин, связанных между собой и дополняющих друг друга.

Такие картины служат отличным подарком. Надежда Ильина подготовила замечательный курс, после прохождения которого вы станете обладателем 3-х интересных картин и создадите основу для самостоятельной работы в стиле «Интерьерная живопись».
Предрегистрация уже доступна по ссылке 🌀 https://int.jmaslom.com/pred_inter

Перо для туши. Что важно знать

Перо для туши. Что важно знать

Если вы хотите поэкспериментировать в графике с помощью туши и пера, то эта информация вам точно пригодится. На фото вы видите работу нашей ученицы, которая рисовала вместе с Кристиной Горбуновой.

1. Перьев существует очень много. Если у вас где-то в закромах сохранились старые советские перья, вы смело можете рисовать ими. Главное, чтобы они не были испорчены.

2. По ширине перья отличаются. Есть более тонкие, есть шире. Для начала купите одно тонкое перо. Дальше будете видеть, что вам понадобится еще.

3. Чтобы начать работу с пером, его нужно окунуть в чернила и рисовать, как обычной ручкой. Важно. Не набирайте много чернил, чтобы не оставлять на листе кляксы.

4. Для работы пером обязательно берите гладкую бумагу. Например, ватман, который можно порезать на разные размеры.

5. Так как перо царапает бумагу при соприкосновении, остаются вмятины, куда впитывается тушь. Поэтому исправить рисунок, нанесенный тушью, не получится.

6. С помощью пера в первую очередь научитесь делать разные штрихи. В том числе мелкие параллельные, которыми можно усилить тон.

7. Если вы прекращаете работу с пером, сразу помойте его и сухо вытрите. Если этого не сделать, оно может со временем заржаветь. Также в выемке может засыхать оставшаяся тушь, а потому вам трудно будет работать пером в следующий раз.

8. Если в вашем пере держатель деревянный, лучше снимайте наконечник и промывайте его отдельно, чтобы лишний раз не мочить дерево.

Тушь — тот материал, который используется уже очень давно, но для нас он в новинку. Если вы хотите научиться создавать интересные работы тушью, вам скоро представится такая возможность с Кристиной Горбуновой. А пока что вступайте в группу Кристины, чтобы быть в курсе всех новостей 🌀 https://vk.com/gorbunova.jivopismaslom

Академический рисунок. Линейная перспектива

Академический рисунок. Линейная перспектива

Сегодня вспомним о важном понятии для художников — линейной перспективе. Если не знаешь ее законов, рисунок не может получиться удачным. Увы😞 На фото вы видите результат работы ученицы Юлии Капустиной.

Вы знаете, что под перспективой понимается учет тех искажений предметов, которые нам кажутся. Например, 2 параллельных рельса кажутся сходящимися в одну точку — точку схода.

Линейная перспектива может быть прямой и обратной. Прямая линейная перспектива — это вид перспективы, который рассчитан на неподвижную точку зрения и предполагает единую точку схода на линии горизонта. Основывалась теория линейной перспективы на законах оптики и, конечно, подтверждалась на практике. Долгое время только прямая линейная перспектива считалась единственно верной. Сейчас также чаще используется прямая линейная перспектива, поскольку она предлагает наиболее реалистичное изображение предметов.

💥 Итак, самое главное: наличие точки схода и уменьшение объектов по мере их удаления. Для этого важно с самого начала наметить горизонт и набросать примерно объекты с учетом этих нюансов.

Обратная линейная перспектива представляет собой вид перспективы, когда объекты по мере удаления увеличиваются в размерах. Получается так, что точка схода будет НЕ на горизонте, а внутри зрителя. Эта перспектива появилась при создании фресок, мозаик, миниатюр. Несмотря на то, что она подвергалась критике и высказывались предположения о безграмотности художников, удалось подтвердить факт точной математической равноценности ее прямой перспективе. То же самое, но наоборот.

Обратная линейная перспектива имела большее символическое объяснение, согласно которому такая работа ориентирована на зрителя.

Поделитесь, пожалуйста, создавали вы когда-нибудь работы с использованием обратной перспективы? И легко ли вам определить точку схода при построении прямой линейной перспективы?

Разобраться со всеми видами перспектив, в том числе и с линейной, вы сможете на курсе Юлии Капустиной «Академический рисунок». Проходите предрегистрацию по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-187791993#s=612392

Как написать горы

Как написать горы

В преддверии нашего курса «Энциклопедия пейзажа» https://vk.cc/amhPsm поговорим о горах.

Если вам предстоит написать горный массив, вы можете воспользоваться следующим замесом:

✅ Белила
✅ Ультрамарин
✅ Английская красная

Балансируйте, чтобы получался не синий и не красный. Получится приближенный к фиолетовому цвет. На этот цвет вы уже потом будете добавлять другие оттенки в зависимости от самой картинки.
Соответственно те участки горы, которые находятся в тени, будут более темные. Для этого нужно добавлять чуть больше ультрамарина. Для участков посветлее, замешиваем больше белил.

Кстати, этот же замес с добавлением капли индиго отлично подойдет и для теневых участков воды, где хочется показать рябь👍🏻

Ещё один вариант для начального цветового пятна, поверх которого будет снег:

Для начала можно покрыть весь холст охрой, она будет давать теплый оттенок. Затем для той части холста, где у вас идет горный массив, смешайте белила, индиго, небесно-голубую и немного марса коричневого темного. У вас должен получиться сложный серый цвет, им закрасьте основную часть горы.

Немного другой базовый цвет будет у массива, который уходит вдаль. Для этого смешайте белила, марс и индиго. Затем кисточкой с белилами наметьте очертания снега, чтобы рисунок получился сложным, интересным. И теперь наступает очередь мастихина. Добавьте в белила совсем каплю охры, чтобы снег имел солнечный оттенок и наносите краску на холст по намеченным линиям. Вы еще будете добавлять и другие цвета в зависимости от того, какую часть горы пишете и где она находится. Но чтобы начать, подойдут упомянутые цвета.

На курсе «Энциклопедия пейзажа» ученики напишут прекрасный горный пейзаж и на практике отработают навык смешивания необходимых цветов для горного массива. Присоединяйтесь в ряды наших учеников по ссылке 🌀 https://vk.cc/amhPsm

Старинные техники живописи

Старинные техники живописи

Вы знали, что до 15 века живопись писалась только водными клеевыми красками? Цветной порошок пигмента разводился на основе связующего вещества, например, животного клея либо яичного желтка. Наверняка вы знаете, что акварель готовилась на меду и разводилась водой.

А с 15 века появляется живопись маслом. Красочный пигмент делали на основе масляного связующего. Это была Фламандская манера живописи. Метод был разработан художником Ян Ван Эйком и часто использовался художниками вплоть до 19 века. Сейчас, в 21 веке, его продолжают изучать из-за качества и долговечности живописи.

💥 Если очень кратко, то особенность фламандского метода заключается в следующем: высокое качество живописи и сохранность обеспечивались тем, что живопись писалась полупрозрачными, тонкими лессировочными слоями краски на белом клеевом грунте. В светах грунт просвечивал. Картины, написанные таким методом, не темнели.

Знание материалов живописи и умение ими пользоваться позволяло живописцам давать гарантии на долговечность их произведений.

✅ Так, Дюрер в 1509 году писал о своей картине: «Я знаю, что если Вы будете её опрятно содержать, то она 500 лет будет чиста и свежа»

Как же мастера писали так, что могли гарантировать сохранность на 500 лет вперёд?

Последовательность работы была такой 👇🏻

1. На белый и гладко отшлифованный клеевой грунт переводился рисунок, который исполнялся предварительно в натуральную величину картины отдельно на бумаге. Это называлось «картон». Данное условие было необходимо, так как писать непосредственно на грунте избегали, чтобы не нарушить его белизны, игравшей большое значение во фламандской живописи.

2. Затем рисунок обводился углем, растертым с гумми-арабиком, а также свинцовым карандашом, пером или кистью. В последнем случае художник работал особыми чернилами, приготовленными из красок. Далее рисунок оттушевывался прозрачной коричневой краской таким образом, чтобы грунт просвечивал через нее.

3. Следующий шаг — слои лака и цветных лессировок. Их количество могло быть от 1 до 40 слоёв!

Весь процесс подобен волшебству, когда постепенно из-под рук художника выходит удивительная и долговечная работа. Хотите узнать, интересные факты, как художники писали в старину?

Совсем скоро начнется курс Надежды Ильиной  «Женская живопись». Предрегистрация доступна по ссылке https://vk.com/app5898182_-172955689#s=655272

Как правильно нарисовать эллипсы

Как правильно нарисовать эллипсы

В начале обучения всегда довольно трудно правильно нарисовать эллипсы. Поговорим сегодня об этом. А на фото вы видите работу ученицы Юлии Капустиной по академическому рисунку.

1. Эллипс — это лежащий в плоскости круг. У зрителя должно создаваться ощущение округлой формы при взгляде на рисунок. Если его нет, знать нужно исправлять, где-то допущена ошибка в построении эллипса.

2. Эллипс касается 4-мя точками направляющих, в которые заключен: верх, низ, право, лево.

3. Раскрытие эллипсов зависит от линии горизонта. Чем дальше эллипс удален от линии горизонта, тем его раскрытие больше. На самой линии горизонта эллипс превращается просто в линию. Линия горизонта находится всегда на уровне глаз.

4. Несмотря на то, что эллипс похож на овал, он таковым не является. Наше восприятие так искажается из-за линейной перспективы. Ближняя к нам часть круга крупнее, чем вторая половина (здесь вспоминаем, что чем дальше предмет от нас, тем он мельче). При построении эллипса серединная линия будет чуть выше середины, если линия горизонта находится над объектом. И наоборот.

5. Левая и правая части эллипса всегда одинаковы. Чтобы эллипс получился симметричным, можно ориентироваться на линии крестовины (вертикальная и горизонтальная линии, которые пересекаются посередине).

6. Только после освоения эллипсов в горизонтальной плоскости, можно переходить к построению эллипсов в вертикальной плоскости. Помните, что эллипс может располагаться в любом положении в пространстве. И тут, чтобы правильно его нарисовать, нужно подключать логику: определить наклон плоскости, ее расположение в пространстве.

Если вы чувствуете, что ваш академические знания далеки от совершенства, проходите предрегистрацию на курс Юлии Капустиной по академическому рисунку
🌀 https://vk.com/app5898182_-187791993#s=612392

Рисование геометрических тел

Рисование геометрических тел

Сегодня поговорим об основе основ — умении рисовать геометрические тела. Тут косенько, тут кривенько — это не пройдет в академическом рисунке. Для вдохновения прилагаем работу ученицы Юлии Капустиной.

Упражнения по рисованию простых геометрических тел помогают начинающему художнику не отвлекаться на детали, которые встречаются в более сложных формах. Например, в архитектуре или теле человека. Вы можете полностью сосредоточиться на изобразительной грамоте.

Если вы усвоили правильное построение простых геометрических тел, это вам поможет в будущем понимать сложные конструкции. Чтобы научиться грамотно передавать форму предмета, надо осознать его конструкцию, то есть то, что скрыто от глаз. Под конструкцией понимается соотношение частей предмета.

Любая форма состоит из плоских фигур: прямоугольников, треугольников, ромбов, трапеций и других многоугольников, которые отграничивают ее от окружающего пространства. Задача художника — правильно понять, как эти поверхности сочетаются между собой и образуют цельную форму.

Чтобы эту форму правильно изображать, начинающие художники учатся рисовать такие фигуры в перспективе. Тогда не составляет особого труда выделять на плоскости объемные тела, ограниченные этими плоскими фигурами. Плоские геометрические фигуры служат основой понимания конструктивного построения объемных тел.

Например, квадрат помогает понять построение куба, прямоугольник — построение призмы, параллелепипеда, треугольник — пирамиды, трапеция — усеченного конуса, круг представляется шаром, цилиндром и конусом, а эллипсовидные фигуры — шарообразными (яйцевидными) формами.

Для художника обязательно пройти этап составления геометрического натюрморта, где он сразу размещает несколько геометрических форм на листе.

На этом пути 3 этапа.

1. Компоновка.
Здесь важно соотнести размер предметов между собой, а также обратить внимание на высоту-ширину с помощью метода визирования. Далее намечаются границы каждого предмета в виде квадратов.

2. Уточнение формы.
Тут идет работа над прорисовкой каждой фигуры. Для куба отмечается положение ближайшего к художнику ребра, видимых плоскостей, а также намечаются скрытые грани. Важно, чтобы линии не «заваливались» и были ровными,чтобы фигура получилась устойчивой. Помните про угол зрения и изображайте плоскости в перспективном сокращение.

Построение конуса начинается с изображения диаметра основания и определения его центра, из которого рисуется перпендикулярная линия вверх до вершины фигуры. Затем обозначают боковую поверхность конуса и его основание, которое на рисунке принимает форму эллипса.

Чтобы изобразить шар, нужно вписать окружность в квадрат, ограничивающий размеры фигуры, который был нарисован на этапе компоновки.

На этом этапе обозначается плоскость, чтобы не казалось, что группа висит в воздухе.

3. Работа над объемностью фигур.
Здесь идет проработка в тоне. С этой целью используются штриховка и растушевка.

Поделитесь, как у вас дела обстоят с геометрическими фигурами?

Если хотите больше практики, чтобы в итоге ваши предметы были ровными, проходите предрегистрацию на курс Юлии Капустиной «Академический рисунок»
🌀 https://vk.com/app5898182_-187791993#s=612392

Что важно учитывать, когда пишешь волны

Что важно учитывать, когда пишешь волны

Реалистично написать волну порой не так просто, как кажется. Кто как не Георгий Харченко может дать дельные советы по написанию волн. Отработать все советы на практике вы сможете на курсе «Энциклопедия пейзажа» 🌀 https://vk.cc/amhPsm

1. Избегайте на заднем плане большого количества морских барашков.

2. При написании волны у берега придерживайтесь следующего принципа: верхний гребень волны должен быть светлее, чем нижний.

3. Чтобы добавить прозрачности верхней части волны, используйте светло-бирюзовый.

4. Избегайте линейности, делайте переход от волны к волне ассиметрично.

5. Разбивайте расстояние между волнами. Расстояния должны быть разные по длине.

6. Делайте волны пластичными, не заостряйте их верх.

7. Старайтесь плавно идти с помощью растяжек от нижней части волны к верхней, чтобы избежать резкого перехода от темного к светлому.

8. Полосы на волне должны быть того же цвета, что и тень от волны.

Что самое сложное для вас в морских пейзажах?

Хотите научиться писать любой морской (и не только) пейзаж? Тогда добро пожаловать на убойный курс Георгия Харченко и Надежды Ильиной «Энциклопедия пейзажа» 🌀 https://vk.cc/amhPsm

Виды пейзажей

Виды пейзажей

Пейзаж — одно из наиболее любимых направлений живописи среди художников. Он нравится любителям искусства своим разнообразием, ведь каждый точно обнаружит любимый вид этого жанра.

Итак, какие же бывают пейзажи.

1. Природный – пейзаж с изображением природного ландшафта лесов, полей, рек, явлений природы в разные времена года. Природные пейзажи делятся на горный, лесной, морской.

2. Городской –пейзаж города. Его еще называют «урбанистический пейзаж». Представляет собой виды улиц и кварталов, на которых встречаются жители и транспорт.

3. Парковый (усадебный) — пейзаж обжитой человеком природы, обустроенной для приятного время провождения. Для него характерны аккуратные дорожки и удобные скамьи, романтичные фонари, изящные статуи и фрагменты архитектуры.

4. Сельский – картины деревень и сел, пейзажи крестьянской жизни. В деревенских пейзажах художники делают ударение на единении с природой, гармоничное сосуществование человека и окружающего мира, простой и понятный сельский быт, любовь к родному краю.

5. Лирический пейзаж, который еще носит название «пейзаж настроения». Такие пейзажи выразительно передают зрителю настроения и впечатления художника от природы в момент написания картины.

6. Архитектурный – пейзаж, который призван показать красоту зданий и сооружений и их фрагментов. Каменные мосты, церкви, крепости, маяки — объект внимания художника.

Расскажите, а какие виды пейзажей больше всего любите вы?

Присоединяйтесь к курсу Георгия Харченко и Надежды Ильиной «Энциклопедия пейзажа», и вы сможете писать любой пейзаж самостоятельно https://vk.cc/amhPsm

Как нарисовать лес и разные породы деревьев

Как нарисовать лес и разные породы деревьев

Пространство в лесу заполнено ветками, листвой, корягами, поэтому с лесным пейзажем могут возникать определенные сложности. Придерживайтесь общих правил, чтобы вам было легче писать лесной пейзаж.

✅ Формы стволов и веток не имеют идеальных пропорций, они неровные, с изгибами, тем не менее, они тоже подчиняются линейной перспективе. На первом плане стволы деревьев крупнее, на заднем — мельче. Одно дерево закрывает другое, так же как одна ветка может закрывать часть соседней. На первом плане деревья настолько высокие, что выходят за рамки полотна. Это погружает зрителя в картину, он находится как будто в лесу, а не просто наблюдает со стороны.

Обобщайте отдельные ветки и листья в массы. Они не должны быть одинаковых размеров, так как природа динамична. Мы передаем динамичность с помощью разных размеров: больших, средних и малых.

Если художник понимает природные формы, ему проще передать объем. Например, в основе стволов деревьев лежит цилиндр. Конечно, он с неровностями, к тому же дерево покрыто корой, и у каждой породы дерева она имеет свои особенности. Но понимая форму, легче сделать светотень на стволе. Таким же образом, зная форму массы листьев, веток, проще работать со светотенью на этих элементах.

В природе огромное разнообразие деревьев. Для художника особенно важно обращать внимание на внешние особенности: форма ствола, веток, листьев, кроны в целом. Вспомним характерные особенности некоторых видов деревьев.

1. Береза.
В средней полосе у берёзы ствол обычно прямой, стройный, а в других местностях ствол может раздваиваться у корня. Крона чаще всего вытянутой формы, но встречаются и с раскидистой.Кора белая с трещинами, которые и образуют темные штрихи (это трещины, через которые виден внутренний слой). Такие отметины встречаются в местах, откуда растут ветви. Они могут быть прямолинейной или треугольной формы.

2. Ель.
Ствол ели прямой, ветви слегка изогнуты вверх. Снизу старые ветви опускаются вниз и образуют «лапы». Крона по форме напоминает треугольник или конус и состоит из ярусов.
Важно отметить, как освещается дерево, чтобы передать его объем: внутри еловые «лапы» уходят в тень, а внешние ветви делают более светлыми, так как на них падает гораздо больше света. Еловая хвоя в целом темная и насыщенная.

3. Сосна.
Ствол сосны обычно прямой, но бывает и изгибающийся. Кора дерева рыжего цвет, а чем ближе ствол к земле, тем она становится темнее, цвет переходит в серо-коричневый. Около земли слой коры более грубый, растрескивающийся, в середине чешуйчатый.
У молодых сосен крона треугольная, конусообразная, а у зрелых округлая. У многолетних старых сосен ветви могут быть извилистыми. Обычно сосновые ветви не устремляются слишком вверх, а направлены в стороны от ствола.
Иголки у сосны длиннее еловых, поэтому крона кажется более пушистой.

4. Клён.
Ствол клена может изгибаться и разветвляться. Кора тёмного цвета. Верхушка кроны у клена округлая, но может быть и неправильной формы. Лист, как известно, имеет остроконечную форму, похожую на звезду.

5. Ива.
У плакучей ивы ветви более гибкие, чем у обычной, поэтому ее ветви спускаются вниз. Для ивы характерно постоянно разветвление ствола и крупных ветвей. Листья узкие и продолговатые. Цвет листвы необычный: с одной стороны — зеленый, с другой — серо-зеленый. Поэтому общий колорит дерева передается с помощью серо-голубых оттенков.

6. Дуб.
Ствол дерева мощный. У старых деревьев в основании он может достигать очень больших размеров. Однако в засушливых местах даже старые дубы могут походить на молодые деревья. Ствол и ветки дуба имеют извилистую и корявую форму. Кора отличается грубостью и плотностью. Форма листьев волнистая, а цвет темно-зеленый, насыщенный.

Пишите идеальные пейзажи с нашими художниками Надеждой Ильиной и Георгием Харченко на фундаментальном курсе по пейзажам. Пройти предрегистрацию уже можно по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=604261

Тональная перспектива

Тональная перспектива

Сегодня ответим на вопрос, который вы задавали о том, что такое «тональная перспектива». На фото работа ученицы Юлии Капустиной. Продолжаем восхищаться и радоваться вашим успехам 👏🏻

Погружаясь в живопись, художник сталкивается с огромным количеством новых понятий. Одним из таких понятий является перспектива.

В общем понимании, перспектива — это такое изображение предметов на плоскости, которое учитывает кажущееся сокращение их размеров, очертаний и форм, наблюдаемых в реальности. Есть разные виды перспектив.

Для тональной перспективы характерно изменение цвета и тона предмета, его контрастности при удалении в пространстве. Особенность тональной перспективы — наличие точки схода для вертикальных граней, которые находятся выше или ниже линии горизонта.

Лучше всего тональная перспектива видна в академических работах, а также в реалистических произведениях живописи и графики. Именно эти работы относятся к тональной живописи, где отношения по светлоте более важны.

Дальний план картины может быть высветленным или затемненным, это зависит от авторской идеи. Поэтому предметы, которые уходят вдаль, художник делает либо наиболее светлыми, либо темными. Так, чтобы они постепенно соответствовали тону самых дальних участков. Таким способом изменяется глубина пространства.

Тональная перспектива основывается на понимании того, что предметы по мере их удаления теряют четкость очертаний, изменяют окраску. Они как будто находятся в тумане. Чем больше толща воздуха от первого к последнему плану, тем менее четкими становятся предметы, тем больше изменяется их тон и цвет.

Все виды перспективы требуют особого изучения и практики. Если вы понимаете, что вам нужно набить руку, чтобы лучше все усвоить, приглашаем вас на курс Юлии Капустиной по академическому рисунку. Проходите предрегистрацию по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-187791993#s=612392

Как добиться реалистичности предметов

Как добиться реалистичности предметов

Сегодня мы поговорим о том, что важно помнить при написании картины, чтобы предметы выглядели реалистично. На курсе Юлии Капустиной «Восточные натюрморты» 🌀https://vk.cc/aiHGbY вы поработаете над этим более плотно, а сейчас пройдемся по основам.

Чтобы предметы были реалистичны, необходимо помнить следующее:

1.Если освещение теплое, то в тени появляются холодные оттенки, и наоборот, если освещение холодное, в тени появятся теплые оттенки. Например, если мы рисуем при ярком солнечном свете в безоблачный день пейзаж, то в тени могут присутствовать теплые оттенки, так как дневной свет чаще всего бывает белого, голубоватого или лимонного оттенка и считается холодным светом. На восходе и закате солнечный свет, как правило, теплый – ярко желтый или оранжевый, поэтому в тени появляются холодные синеватые и голубоватые оттенки.

Точно так же, если мы рисуем при электрической лампе накаливания натюрморт, то тени заметно похолодеют, вы увидите оттенки синего, фиолетового или даже зеленого. Также и в пламени костра или свечи, которые дают теплое освещение, в тенях появляются холодные оттенки. Однако, при использовании люминесцентной лампы с холодным светом (от 4000 K) тени станут заметно теплее, как и при холодном лунном свете.

2. В тени появляются оттенки противоположные на цветовом спектре локальному цвету предмета. Это простое правило означает, что в собственной тени предмета мы можем увидеть оттенки дополнительного цвета. Например, вы рисуете натюрморт с красным яблоком, персиком и синим виноградом. Дополнительным цветом для красного будет зеленый цвет, для желтого — фиолетовый, для синего — оранжевый. Именно поэтому в тенях вы сможете наблюдать оттенки зеленого, фиолетового и оранжевого цвета соответственно.

Если обратиться к цветовому кругу, то эти пары будут такими: желтый и фиолетовый, зеленый и красный, синий и оранжевый. И промежуточные между ними, соответственно.

3. Освещенный теплым светом предмет, имеющий теплый локальный цвет, на свету становится еще ярче и насыщеннее, а предмет, имеющий холодный локальный цвет, становится ближе к ахроматическому цвету, равному по тону.

Предмет, имеющий холодный локальный цвет, становится еще ярче, звонче и насыщеннее. Например, мы рисуем апельсин, освещенный лампой с теплым светом. На свету участок апельсина будет казаться еще ярче и насыщеннее, чем он есть, в то время, как в тени оранжевый цвет не только заметно станет холоднее, но и потеряет цветность. Такого эффекта можно добиться при помощи синей краски. Многим известно, что дополнительные цвета, положенные на холсте рядом, усиливают друг друга. Но не все знают, что дополнительные цвета при смешивании друг с другом на палитре нейтрализуют друг друга. Если же этот апельсин мы осветим дневным холодным светом, то на свету его цвет станет более блеклым, в то время как в тени появятся «горящие оттенки».

Эти простые правила позволяют предугадать, какой цвет появится в тени или на свету и правильно подобрать оттенки для смешивания.
Приятного вам рисования 🎨

Если вы любите восточные мотивы, присоединяйтесь к курсу Юлии Капустиной и наслаждайтесь любимой темой, а также становитесь более уверенным художником 🌀 https://vk.cc/aiHGbY

P.S. На фото — еще немного закулисья самого колоритного курса нашей школы.

Особенности акварели

Особенности акварели

Вы все больше узнаете об акварели. Сегодня очередная порция полезностей. Давайте узнаем особенности этого материала, которым всегда так интересно писать.

1. Акварель – клеевая водорастворимая краска. Связующее вещество — легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин, а в медовой акварели – натуральный мед. В качестве пластификатора в них добавляют глицерин и инвертированный сахар, которые удерживают влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Еще одна добавка к профессиональным акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она не дает краскам скатываться в капли и облегчает рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

2. Ключевая, самая важная особенность данных красок — прозрачность. Способы применения акварели и потрясающие результаты полностью основаны на прозрачности. Причина всему — мельчайшие пигментные частицы, разглядеть которые невооруженным глазом невозможно. Это достигается благодаря тончайшему помолу красящих пигментов и их ровному распределению по поверхности. Расстояние между частицами должно быть достаточным, чтобы пропускать свет к поверхности и отраженный свет. Когда белая бумага просвечивает через слой краски, это придает живописи светимость и блеск.

3. Оттенки изменяются путем нанесения слоев краски поверх предыдущих. Это довольно непросто. Художник должен хорошо представлять себе результат, так как исправить работу не получится. В акварели трудно писать тремя основными цветами. При механическом смешении цветов свойства акварели значительно теряются, снижается прозрачность и чистота. Прозрачность акварели расширяет цветовую палитру эти красок до внушительных размеров.

4. Путем наложения слоев одного цвета друг на друга художники добиваются насыщенности цвета. Акварелью нельзя писать пастозно, так как теряется смысл акварельной живописи.

Погружайтесь в акварельное волшебство вместе с Юлией Капустиной на новом курсе по фуд-зарисовкам. На фото — новая вкуснятина от художницы. Предрегистрация на курс по ссылке  https://vk.com/app5898182_-169064466#s=619762

Световоздушная перспектива

Световоздушная перспектива

Что это такое и почему это важно учитывать? Надежда Ильина умеет легко и понятно доносить сложные определения. Итак, предлагаем узнать, а кому-то вспомнить о световоздушной перспективе, ведь умение ее передать — одно из важных условий удачной работы.

Световоздушная перспектива — это пространство и «воздух» в картине.

Смысл заключается в следующем:

Чем дальше от нас предмет, тем больше воздуха между нами и предметом. А воздух не идеально прозрачный. Он имеет плотность. Влажность. В прямом смысле слова, в воздухе летают мельчайшие капли воды… И, как маленькие зеркала, переотражают в себе цвет неба, воды и земли.

Очертания предметов, которые дальше от нас, теряют четкость, ясность, приобретают мягкий, расплывчатый характер. Чем выше влажность, тем сильнее помутнение воздуха и более заметное изменение очертаний. В туманный день уже на небольшом расстоянии трудно различать отдельные предметы.

То же самое происходит в пыльном или задымленном воздухе.
Все цвета на расстоянии становятся менее цветными.
Черные предметы на расстоянии окутываются голубым воздухом, кажутся синими. Переотражённые во влажности воздуха оттенки голубого неба застилают темный предмет.
Светлые предметы, особенно белые, заметны издалека. Их отраженный свет проникает сквозь воздушный слой на большое расстояние.

Светотеневые контрасты, резкие на переднем плане, постепенно смягчаются и на большом расстоянии сливаются в один общий тон.

На новом совместном курсе Георгия Харченко и Надежды Ильиной вы досконально изучите законы световоздушной перспективы и потренируетесь на разных пейзажах. Хотите уверенно писать пейзаж любой сложности? Пройдите предрегистрацию, чтобы обучаться на самых выгодных условиях
🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=604261

Как выбрать источник света для натюрморта

Как выбрать источник света для натюрморта

При изображении натюрморта нужно определить вид освещения —естественный или искусственный — и угол падения света. Особенно актуально эта информация для всех, кто собирается на новый курс Юлии Капустиной «Восточные натюрморты» 🌀 https://vk.cc/aiHGbY

1. Если в комнате есть окно — лучше всего подойдет выходящее на северную сторону, — то можно работать в холодном свете, не меняющемся на протяжении дня. Если окно очень большое и дает рассеянный свет, его можно частично загородить, оставив открытой лишь его часть.

2. Если окно выходит на южную или западную сторону, свет бывает слишком интенсивным, меняется в полдень и ближе к вечеру и идеален только в определенное время суток.
С освещением из западного окна, если утра был хороший свет, а к середине дня работать было уже невозможно.При удачном расположении окна естественный свет может быть оптимальным решением, но такое освещение подходит не всегда.

3. Резкий искусственный свет помогает новичкам разглядеть общие формы. Сложность его использования в том, что нужно несколько источников: для постановки и для рабочей поверхности. А из-за дополнительного освещения в помещении могут возникать рассеянные рефлексы и мешать работе.

4. Одно из решений проблемы — световой куб (лайтбокс), неполный короб (обычно с тремя боковыми сторонами и верхней), который не дает случайному свету попасть на постановку. Можно сделать простой световой куб из дерева или пенопласта, блокирующий свет из других частей помещения.

5. Чтобы осветить постановку, прикрепите лампу с гибкой
ножкой на прищепке или струбцине к лайтбоксу или столу и отрегулируйте направление света. Бывают разные виды лампочек, с теплым и холодным светом. Выберите те, что вам больше нравятся. Самым естественным (и не слишком ярким) будет холодный свет, равномерный, мягко заливающий предметы. Чем больше мощность источника, тем выше контраст между светом и тенью на объектах.

6. Также очень важен угол падения света. Большинство художников освещают объекты (натюрморты, фигуры и портреты) сверху, что соответствует привычному направлению солнечного света. Свет, направленный на объект под углом, называется рисующим , и образуемые им тени описывают объем объекта. Фронтальный свет делает объекты плоскими, придает им двумерную графичную форму, привлекая внимание к контурам.

7. Если писать цилиндр без верхнего и нижнего эллипсов, освещенный фронтально, то он будет выглядеть как прямоугольник. Плоский свет, падающий спереди, образует крупные общие светлые формы, требующие утонченных цветов и линий.

8. Художники разных эпох писали бледные, плоские изображения, желая придать одухотворенность объектам за счет отсутствия падающей тени. Есть и современные работы, где модель освещена ярким солнцем, нейтрализующим меланхоличное кьяроскуро. Если объект освещен наполовину, а другая половина в тени, он будет казаться плоским, поскольку исчезает третье измерение.

Приглашаем вас вместе учиться, практиковаться, создавать свои натюрморты правильно на курсе Юлии Капустиной «Восточные натюрморты» 🌀 https://vk.cc/aiHGbY

Основы академического рисунка. Фактуры

Основы академического рисунка. Фактуры

Сегодня продолжаем говорить об основах академического рисунка и поговорим о фактуре предметов. На фото — работа ученицы Юлии Капустиной . Вдохновляет, верно?👍🏻

При выполнении рисунка художник должен научиться передавать фактуру металла, стекла, ткани и остальных предметов. На рисунке должна быть видна прозрачность бокала, гладкость шелка, бархатистость персика, воздушность облаков. Художники добиваются этих целей с помощью разных видов штриховки и тушевки, пятен, линий и светотени.

К основным свойствам фактуры относятся рельефность, блеск и рисунок неровностей. По рельефности фактуры материалов делят на два основных типа — ровные и рельефные, каждый из типов делится на гладкие и шероховатые. По признаку блеска можно выделить — зеркальную, глянцевую и матовую фактуры.

Карандаш — это гибкий инструмент, который помогает достигать цели с помощью разных приемов. Линия карандаша может быть широкой и узкой. То есть, уделяя внимание фактуре, вы рисуете либо кончиком карандаша, либо плоскостью грифеля. Как результат, линия может быть широкой и мягкой или узкой и острой.

Штрих может быть прямой, волнистый, изогнутый. Вы можете делать штриховку в одном направлении или в разных. Соединение отдельных линий или заштрихованных участков тоже отличается. Густо положенные параллельные штрихи дают тоновое пятно. Изменяя нажим карандаша, направление штрихов, их размеры, можно передать самую разнообразную фактуру.

Если нужно передать шероховатость предмета, то она лучше заметна на грубой бумаге с помощью мягкого карандаша. Таким же образом можно и передать шерсть животного, делая короткие штрихи. Гладкие предметы, наоборот, лучше рисовать твердым карандашом.

Художники всегда стремились сделать зрительную иллюзию осязаемой. Чтобы передать фактуру, они экспериментировали с материалами и постоянно открывали новые горизонты. Художники придавали предметам поверхностные качества. Кто-то показывал тончайшие фактурные нюансы, а кто-то делал намек на эти качества, пользуясь минимумом изобразительных приемов.

Если вы пока что не знакомы с видами штриховки, ловите подсказку и тренируйтесь в исполнении каждого вида.

1. Простая однослойная зигзагом — это штриховка, когда рука двигается вправо-влево, не отрываясь от холста.

2. Двухслойная штриховка, при которой одна штриховка накладывается на другую. Главное, чтобы угол пересечения не был 90 градусов, иначе получится решетка на листе.

3. Есть такой вид штриховки, когда рука плавно отрывается от листа после того, как нарисована линия. Каждый новый штрих рисуется самостоятельно, а соединяются они между собой очень мягко и незаметно.

4. Штрих по окружности рисуется примерно так же, как и в предыдущем случае, только штрихи получаются закругленные.

5. Следующая разновидность штрихов тоже округлая, но количество слоев может изменяться. Слой может накладываться один на другой в разных направлениях.

6. Пересечение штрихов под острым углом. Рука для каждого штриха отрывается от листа.

7. Вид штриховки, когда слои пересекаются под разными углами. Количество слоев штриховки и угол произвольны. Такая штриховка хороша при изображении драпировок.

8. Однослойная штриховка под разным углом. Используется для изображения геометрически неправильных форм, например, скал.

Совсем скоро состоится курс Юлии Капустиной «Академический рисунок», на котором вы научитесь необходимым навыком, чтобы грамотно передавать любую фактуру. Проходите предрегистрацию на курс по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-187791993#s=612392

Типы выкрасок для акварели

Типы выкрасок для акварели

Почему художники советуют делать выкраски? Потому что так можно понять особенности цвета и увидеть, как он раскрывается на бумаге. Бумагу лучше использовать ту, на которой вы планируете писать, так как бумага также отличается по качеству и составу.

Итак, можно делать выкраски нескольких видов.

1. Сделать выкраску каждого цвета и подписать его.

Так вы увидите разницу красок между собой. Они могут отличаться количеством пигментов. В каких-то цветах — только один пигмент, в других добавлено 2-3 пигмента. Названия добавленных пигментов есть на каждом тюбике или кювете.

Знать количество пигмента хорошо для будущего смешивания. Чем больше пигментов смешивается, тем более грязным получается цвет. Также нужно помнить, что на палитре несколько смешанных пигментов могут смотреться неплохо, а на бумаге после высыхания проявятся.

2. Выкраски по группам цветов.

Очень полезная вещь, которая пригодится при написании подобных иллюстраций, где весь фокус — на разнообразии оттенков одного цвета. Так вы можете делать выкраски всех фиолетовых, синих, красных и т.д.

3. Еще один вид выкраски — смешивание цветов между собой.

Довольно длительное занятие, но очень увлекательное. Сразу есть под рукой варианты смешивания и видно, какой результат после высыхания краски.

Поэкспериментировать вдоволь с акварелью и влюбиться в нее вы сможете на курсе Юлии Капустиной «Сладкая жизнь». Предрегистрация на курс по ссылке
🌀 https://vk.com/app5898182_-169064466#s=619762

Что важно знать, чтобы написать пейзаж

Что важно знать, чтобы написать пейзаж

Природа — бесконечный источник вдохновения. Наверное, мало художников на земле, кто ни разу не написал пейзаж. Сегодня поделимся с вами основами основ для написания грамотного пейзажа.

1. Тоновое решение в пейзаже.

Когда вы собираетесь взяться за пейзаж, важно создать успешную композицию и распределить светотень. Если вы правильно разобрались со светом и тенью, зритель сможет воспринять картину. Если же баланс нарушен, то мозг нам сразу это подсказывает, и мы понимаем, что что-то в пейзаже не то.

Как правило, самое светлое место в пейзаже — это небо. Чуть темнее — ровные поверхности земли. Еще темнее то, что под наклоном. Самые темные участки — это вертикальные поверхности.

2. Цвет освещения влияет на остальные цвета в картине.

В солнечную погоду все остальное также кажется теплее и светлее, предметы становятся желтее. В пасмурную или облачную погоду цвета других предметов будут приглушенными.

3. Влияние воздушной перспективы.

При написании пейзажа важно знать законы воздушной перспективы. О них мы еще поговорим подробнее. Тут важно помнить, что в природе есть предметы, которые расположены от нас очень далеко. Между нами находится слой воздуха, поэтому чем дальше объект, тем он светлее и менее яркий.

4. Линейная перспектива.

В сочетании с законами воздушной перспективы линейная поможет создать правильно воспринимаемую картину. Главное правило — все параллельные линии сходятся в одной точке.

5. Не вносите слишком много предметов в пейзаж.

Не распыляйтесь. Изображайте только то, что нужно для замысла.

6. Упрощайте сложные предметы.

В природе есть предметы, которые насыщены деталями. Вам не нужно передавать каждый нюанс. Упрощайте и объединяйте формы. Если понадобится легкая детализация, вы сделаете ее в конце работы.

7. Смешивайте разные оттенки зеленого.

Как правило, в пейзаже много зеленого цвета. Даже для одного вида растительности используйте разные оттенки.

Наши художники Надежда Ильина и Георгий Харченко подготовили для вас курс-гигант по написанию пейзажей. Предрегистрация уже доступна по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-135180102#s=604261

Как научиться передавать предметы объемно

Как научиться передавать предметы объемно

Считается, что изучать объем нужно с простых предметов. Базовые геометрические тела лежат в основе понимания объема и освещения любых предметов. Большинство объектов, природных и рукотворных, сложно описать: для этого потребовался бы новый словарь. Довольно трудно обсуждать вещи или мысли, если не можешь подобрать слова. А в живописи что-то может оказаться и вовсе невозможным, если не знаешь, что именно хочешь описать.

Простые геометрические тела — доступный способ понять, как свет распределяется по объектам. В двумерном изображении конус выглядит треугольником, куб —квадратом, а сфера — кругом. Форма становится понятна благодаря объему, когда видно две или более плоскостей. В живописи они изображаются разными тонами. Таким образом, сразу становится понятно, что тон — основной инструмент для создания объема. Усвоив законы распределения светотени на упрощенных формах, можно руководствоваться теми же принципами для воспроизведения более сложных структур, состоящих из огромного числа элементов (сфер, конусов, цилиндров и кубов).

Отдельно хочется упомянуть о значении света при передачи объемности.

Свет демонстрирует свойства объекта — от формы до фактуры поверхности. Он также раскрывает визуальную значимость предмета изображения — не только объем, но и все его неповторимые черты.

В искусстве свет выполняет три функции. Во-первых, он задает настроение, сообщая о времени суток или своем направлении и интенсивности. Во-вторых, он описывает общую массу объектов и их ориентацию в пространстве. В-третьих, создает объем, глубину и выявляет фактуру поверхности.

Чтобы научиться создавать объем, нужно внимательно изучать объекты. Со временем зрение адаптируется. Тогда сильное впечатление будут производить не только грандиозные виды, но и почти неуловимые нюансы, из которых и состоит все, что мы видим.

Юлия Капустина научит, как передавать объем предметов на новом курсе «Восточные натюрморты». Приглашаем вас присоединиться к самому колоритному курсу https://vk.cc/aiHGbY

Фуд-зарисовки — популярный современный жанр

Фуд-зарисовки — популярный современный жанр

Юлия Капустина — художник, которые рисует самые вкусные картины в прямом смысле. Чего только мы уже ни рисовали с Юлией разным материалом. А вы знаете, почему так популярны сейчас фуд-зарисовки?

В последние годы появилась мода фотографировать блюда у себя дома, в кафе, просто на бегу. Если у вас есть подобные фото в телефоне, то это уже настоящий референс для будущей работы. Вы можете рисовать где угодно, а также привезти экзотические зарисовки из путешествий.

С чего лучше начинать? Конечно, с простых предметов, в которых хорошо прослеживается форма и распределение света и тени. Текстуры и техники лучше всего изучать на пирожных и разнообразных десертах, потому что здесь такое изобилие фактуры, что любой художник порадуется 😀

Джемы и сиропы можно изобразить с помощью гладких заливок, а бисквит передать штриховкой. Обычно эффект от фуд-иллюстрации строится на базе нескольких цветов, здесь не нужна огромная палитра. Они могут быть подобными либо контрастными.

Для контрастных натюрмортов можно взять меньше полутонов. Важнее уловить и передать разницу в цвете.Второй вариант — это подобие цветов, когда точно выделяется один общий тон. Для таких композиций можно вводить едва заметный контраст.

Расскажите, вы уже рисовали с Юлией вкусные картины? А может быть, сами создавали аппетитные работы?

На фото — новые вкусняшки акварелью от Юлии Капустиной, а для сладкоежек художница подготовила курс «Сладкая жизнь». Предрегистрация доступна по ссылке 🌀 https://vk.com/app5898182_-169064466#s=619762

А вы умеете самостоятельно ставить натюрморт?

А вы умеете самостоятельно ставить натюрморт?

✅ А ВЫ УМЕЕТЕ САМОСТОЯТЕЛЬНО СТАВИТЬ НАТЮРМОРТ? ✅

Тренироваться писать натюрморты по фото обязательно для любого художника. Но постепенно в своем развитии каждый художник приходит к тому, что ему хотелось бы создать свою задумку и воплотить ее на холсте. Это относится и к натюрмортам.

Выбрать предметы, освещение, драпировки и все это совместить, а потом перенести на холст подобно волшебству. От этого живописец получает настоящее удовольствие и бесценный опыт. На основе своих знаний по правилам построения натюрморта вы делаете собственный шедевр и получаете еще один бонус от того, что сами поставили натюрморт👇🏻

Вы обладаете авторским правом, если создаете все самостоятельно и его не нужно дополнительно регистрировать. Вы становитесь автором и картины, и фотографии, если делали фото получившейся композиции. Поэтому будет здорово, если вы начнете практиковать такой подход и иногда самостоятельно ставить натюрморты.

Юлия Капустина на новом курсе «Восточные натюрморты» отдельно затронет тему самостоятельной постановки. Она расскажет, как написать натюрморт полностью самостоятельно: от момента задумки и до последнего мазка. Регистрируйтесь на курс по ссылке https://vk.cc/aiHGbY